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Fotografía Artística Contemporánea: ¿Cuánto dijo que costaba eso?
Después de revisar la breve relación entre arte y la fotografía, entender el giro que dio Duchamp al mundo del arte y ver cómo la fotografía es una de las bellas artes más complejas de descifrar por la relación imagen-imaginación y un repaso por los géneros contemporáneos, uno de los temas que no puede pasar por alto cuando se habla de fotografía artística contemporánea es el tema del valor monetario de la fotografía.
Por Óscar Colorado Nates*
Desde su presentación en 1839, la fotografía ha cuestionado qué es el arte. Por otra parte una foto es reproducible, al contrario de la pintura donde cada pieza es única. Este fue un primer obstáculo para la coleccionabilidad de la fotografía: Todo el mundo parece estar de acuerdo en que se paguen millones de dólares por un Van Gogh original, una pieza única e irrepetible hecha por la mano santa del mismísimo don Vincent, y todo el mundo también está dispuesto a pagar unos cuantos dólares (o euros, o pesos) por un cartel con la fotografía Le Baiser de l’Hotel de Ville (París, 1950) de Robert Doisneau.
Pongamos un caso: si se logra descargar en internet Crimen y Castigo de Dostoievsky, ni siquiera se tuvo que pagar el precio de una edición impresa. Y sin embargo sigue siendo una obra de arte. La reproducibilidad no amerita ni demerita el valor de una obra de arte. Walter Benjamin es un autor obligado con su ensayo La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica de 1931.
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Géneros y subgéneros en la fotografía artística contemporánea
Para comprender mejor la fotografía artística contemporánea vale la pena repasar algunos de los géneros y subgéneros con sus particularidades y fotógrafos representativos.
Por Óscar Colorado Nates*
(Artículo actualizado y revisado el 16 de septiembre de 2018)
Ya explicamos antes que para poder desentrañar el sentido de la fotografía contemporánea se precisa de la llave adecuada. Afortunadamente el conocimiento de algunos géneros y subgéneros puede ayudarnos a comprender las imágenes que aparecen en galerías o museos.
Hemos elegido dividir a la fotografía contemporánea en diez posibilidades:
- Fotografía artística conceptual,
- Narrativa,
- Impasibilidad (minimalismo),
- Ciudad y cotidianidad,
- Retrato,
- Objetos,
- Autorretrato,
- Archivo-historia-huellas-memoria,
- Apropiación,
- Intimidad.
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Richard Avedon: la revolución elegante
En las historia de la fotografía aparecen, de vez en cuando, grandes revolucionarios: Pueden ser silenciosos como Walker Evans, revoltosos como Robert Frank, involuntarios como Eugène Atget, o elegantes como Richard Avedon.
Fotografía artística contemporánea: imagen e imaginación
Aunque la fotografía parece relacionarse con lo real, en verdad tiene que ver con lo imaginario.
Por Óscar Colorado Nates*
Ya hemos discutido antes sobre la relación entre arte y fotografía y acerca del observador emproblemado que observa una pieza y se pregunta “¿Y eso es arte”? También introdujimos al lector en en la relación entre Arte conceptual y fotografía. Toca ahora el turno de advertir que aunque la fotografía parezca la forma de arte más accesible, es mucho menos obvia de lo que parece.
La fotografía es una trampa
De hecho la fotografía es una gran trampa y su primera red, echada al observador convertido en víctima, es la ilusión de mostrar algo real; es el famoso efecto realidad.
Fernando Portillo Guzmán lo explica con precisión: «la foto es una representación, un corte, una delimitación, una puesta en escena, una apuesta por la opinión propia, una mirada parcial, una rebanada escogida; no es, nunca, la verdad ni la realidad, aunque pudiera parecerlas, aunque pudiera, equívocamente, parecerse a ellas; (… [el fotógrafo] juega siempre con nosotros, juega con nuestra atenta mirada ajena; juega con nuestros sentimientos difusos; juega con nuestras experiencias previas; juega con nuestra concordancia, o discordancia, con la obra fotográfica visionada; juega con nuestra cultura inculcada y asimilada, sólida, fluida o frágil, al respecto de la lectura realizada; juega con la propia facilidad o dificultad en dicha lectura; juega con nuestra razón dialógica, comunicándonos algunas ideas o rompiendo mensajes intachables; juega con nuestra capacidad, o discapacidad, crítica; juega, siempre, con nosotros al ratón sagaz y a los gatos artrósicos, siempre acariciando nuestras distantes y lejanas pupilas, siempre perplejas ante su mirada previa.» [1]
La imagen no es nunca, de ningún modo igual a la realidad (ya no digamos a la verdad). Joan Costa lo sintetiza claramente en el siguiente cuadro [2]:
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Imagen |
Versus |
Realidad |
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La imagen es un fragmento del entorno real. |
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La realidad es un continuo. |
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La imagen es bidimensional. |
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El mundo real es multidimensional. |
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La imagen es un artificio, un hecho cultural. |
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El mundo es un hecho de la naturaleza predecesora. |
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La imagen es un medio de comunicación. |
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El mundo real no es un medio, sino un absoluto. |
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La imagen es anacrónica, está fuera del tiempo. |
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La realidad es espacio y tiempo. |
La fotografía sigue siendo tremendamente popular gracias a su asequibilidad: Nadie que camina por la calle y ve un anuncio publicitario de shampoo con una fotografía ilustrándolo requiere de una gran capacitación para una correcta interpretación.
Sin embargo, la fotografía es mucho más que su aspecto visual. Jean-Claude Lemagny, a quién acudiremos frecuentemente, declara que la fotografía “para ser comprendida, requiere un extremo refinamiento de sensibilidad. Es la más austera, y la menos accesible, de todas las artes.” [3]
Aunque parezca tan asequible, la fotografía no lo es en absoluto. He aquí dos ejemplos:
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¿Eso es arte? La fotografía en arenas movedizas
Cuando se observa una fotografía artística contemporánea es fácil plantearse la pregunta ¿Y eso es arte? Comenzamos una nueva serie de artículos sobre Fotografía Artística Contemporánea.
Por Óscar Colorado Nates*
Veamos las siguientes fotografías de Edward Weston, Bill Brandt o Irving Penn:
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En estas tres fotografías se pueden encontrar muchos elementos para calificarlas de artísticas. Sin embargo no ocurre lo mismo con el trabajo de fotógrafos como Wolfgang Tillmans, Lucas Blalock o Richard Billingham.
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Las anteriores son obras de algunos autores en la escena de la fotografía artística contemporánea. Y ante todas ellas vuelve a formularse la misma inquisitoria: ¿Y eso es arte? La respuesta no es sencilla ni directa. De hecho, las próximas semanas dedicaremos los siguientes posts a tratar de responder esta pregunta, y comenzaremos haciendo un recuento de la fotografía como expresión artística.
A continuación se mencionan los tres momentos en la vieja riña arte-fotografía a grandes rasgos. Estos son temas que constituyen capítulos enteros en la historia de la fotografía; los revisaremos solamente a vuelo de pájaro de cara a buscar comprender un poco mejor la fotografía artística contemporánea.
Primer Round: Fotógrafos vs. pintores
Cuando Jacques Mandé Daguerre presentó su invento del daguerrotipo el 19 de agosto de 1839 ante la Academia de Ciencias de París, apadrinado por el matemático, físico, astrónomo, pero sobre todo político, François Arago, le impuso un cierto talante a la fotografía: se le mostró como invento, como artefacto, era un prodigio tecnológico. Se le señaló como gran auxiliar a disposición de las ciencias. Pero no fue percibida como un arte en sí misma.
Si la fotografía hubiera sido presentada en la Academia de Bellas Artes y no en la Academia de Ciencias y si su “padrino” Fraçois Arago hubiera sido artista y no científico tal vez nunca habría comenzado el debate relativo a si la fotografía es arte o no. 
La acogida que dieron los científicos al nuevo artefacto fue enorme. Sin embargo los pintores, bastante celosos de su propio estatus y modo de subsistencia, hicieron todo lo posible por frenar algo cada vez resultaba más evidente: la fotografía no era sirvienta, sino señora de la casa.
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John Szarkowski, el Zar de la Fotografía
Dejó su carrera de fotógrafo para convertirse,
paradójicamente, en el individuo más influyente en el mundo de la fotografía.
Por Óscar Colorado Nates*
Para John Szarkowski la decisión tal vez no fue fácil pero, dado el momento, la oferta resultaba irresistiblemente tentadora: dejar su trabajo como fotógrafo para aceptar la posición que le ofrecía Edward Steichen. John no era cualquier fotógrafo, pero ser el curador de fotografía en el Museum of Modern Art en Nueva York tampoco era cualquier puesto.
Szarkowski se había enamorado de la fotografía cuando tenía apenas once años, por ahí de 1936. Estaba tan obsesionado con el asunto que llamó a su perro “Mathew Brady”, igual que el célebre fotógrafo de la guerra civil estadounidense.
El niño entusiasta creció para graduarse un día en Historia del Arte en la Universidad de Wisconsin-Madison. Al poco tiempo se integró como fotógrafo museográfico en el Walker Art Center de Minneapolis y por aquel entonces sus dos grandes modelos eran Walker Evans (por inteligencia) y Edward Weston (por placer).
Quizá su padre le habrá dicho, como a muchos otros fotógrafos, que no se anduviera con paparruchas y que obtuviera un título universitario para lograr una posición en la vida como Dios manda. Como suele ocurrir el progenitor tenía razón y la educación de Szarkowski fue una clave de su éxito ulterior: acabó siendo un gran conocedor de historia del arte. Seguir leyendo John Szarkowski, el Zar de la Fotografía