La cooperativa fotográfica que sirvió como puente entre el realismo japonés de la pre-guerra y la generación Provoke de 1968.

Por Óscar Colorado Nates* 

Nota del autor: En japonés los nombres propios suelen referirse primero con el apellido y luego con el nombre de pila. Para el presente texto se ha decidido utilizar la forma occidental con la que estamos más familiarizados. De modo que si en japonés se diría «Sato Akira», aparecerá como «Akira Sato». 

Y después de la bomba… ¿Qué?

La historia fotografía en Japón ha tenido una ruta única, sobre todo tras las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki que cimbraron al mundo y cambiaron, para siempre, a la humanidad.

No es difícil de entender la profundidad de la violencia que tuvieron las bombas atómicas para Japón; además de la tragedia física se dio un hundimiento de la moral colectiva. El Imperio fue humillado más allá de lo imaginable. Esto, para un pueblo con un alto sentido del honor, como el japonés, fue un ultraje sin precedente y motivo de duelo nacional. La fotografía en Japón sufrió un cambio radical después de este hecho tan lamentable.

La fotografía subjetiva en Japón

Terminada la Gran Guerra, llegó el momento para Japón de emprender la reconstrucción. Si en la fotografía japonesa había imperado un estilo directo, muy en la línea del fotógrafo Ken Domon,[1] llegaría un nuevo momento con una desgarrada necesidad de expresión del cambio social a través de la cámara.

Para 1950 surgió un pequeño momento de Fotografía Subjetiva. Así, artistas como Takashi Kijima (discípulo de Shoji Ueda[2])[3] o Kiyoshi Niiyama[4] harían eco del estilo de la fotografía realizada durante la posguerra en Alemania.

El propio Kiyoshi Niiyama llegaría a participar como invitado de Otto Steinert en la exposición Subjektive Fotografie[5] en tierras germanas.

Jikken Kōbō, taller de experimentación artística

 En 1951 surge en Tokio el taller Jikken Kōbō, un espacio experimental y multidisciplinario donde confluyeron artistas de distintas disciplinas como música, danza, poesía o fotografía. Las obras producidas en este colectivo tuvieron una clara orientación hacia las vanguardias europeas previas a la guerra.

El Jikken Kōbō tuvo una importancia que trascendió las fronteras niponas: La crítica de arte Jasia Reichardt lo incluye junto con el Independent Group y el Black Mountain College como uno de los tres grupos artísticos más importantes del siglo XX.[6]

En el Jikken Kōbō destacó la figura del fotógrafo Kiyoji Otsuji,[7] con su trabajo claramente experimental y casi escultórico.

Son imágenes claramente enmarcadas en el ámbito de las vanguardias y la exploración.[8]

Además de la importancia de su propio trabajo, Kiyoji Otsuji fue un autor de gran influencia para fotógrafos como Shigeo Gocho[9], Yutaka Takanashi [10], o el contemporáneo Naoya Hatakeyama.[11]

Una nueva generación

En la década de 1930, bajo el régimen Imperial, nació una nueva generación de fotógrafos. Crecieron en un ambiente de derrota y devastación moral. Eran jóvenes desencantados de la política y buscaban encontrar una nueva identidad para Japón o, al menos, comprender el cambio de una nación aislada y tradicional. La posguerra había pasado pero no se había olvidado. Shōmei Tōmatsu dijo que: “En Nagasaki, fui testigo no sólo de los vestigios de la guerra, sino una post-guerra sin final. Alguna vez creí que las ruinas eran las ciudades reducidas a cenizas. Nagasaki me enseñó que las ruinas también pueden encontrarse en el alma humana.”[12]

Si los fotógrafos de los años previos se interesaban en retratar las experiencias, estos nuevos fotógrafos querían convertir sus fotografías en auténticas experiencias en sí mismas. Era un momento con gran influencia por parte de William Klein y su libro New York (1956); el fotógrafo estadounidense les contagiaba aquellas ganas de alejarse de lo meramente documental para usar la cámara como un medio de expresión.

De la exposición Jūnin no me a la cooperativa Vivo

En este contexto surge para 1957 la exposición “Jūnin no me” (10人の眼, literalmente Ojos de diez), organizada por el crítico fotográfico Fukushima Konishiroku. De esta exhibición surgen seis figuras:

• Shōmei Tōmatsu
• Eikoh Hosoe
• Kikuji Kawada
• Akira Satō
• Ikko Narahara
• Akira Tanno

Estos fotógrafos fundaron la cooperativa Vivo, que significa en esperanto “Vida”[13]. El modelo de la agrupación estaba inspirado en la legendaria agencia Magnum Photos.[14] Fukushima Konishiroku les ayudó a unirse en una oficina donde compartían un cuarto oscuro y un gerente.

Los ojos de Vivo

Los fotógrafos de Vivo no se interesaban en el humanismo de la post-guerra al estilo europeo: les intrigaba el trabajo de Robert Frank y William Klein.[15] En Vivo se dio un rompimiento con el foto-periodismo tradicional japonés, el estilo realista de Ken Domon o el paisajismo. Esta ruptura causó, ciertamente, polémica.[16]

A continuación presentamos un repaso de cada uno de los integrantes de esta influyente cooperativa fotográfica:

Kikuji Kawada

Kikuji Kawada nació en 1933 en Tsuchiura, un pequeño pueblo rural en la prefectura Ibarakil. Consiguió su primera cámara en la escuela media superior; subió a su bicicleta rumbo a la montaña e hizo fotografías de la hierba seca.

En la década de 1950 comenzó a publicar en revistas fotográficas como Nippon Camera o Photo Art. Kawada le propuso al consejo editorial de la publicación  hacer una serie de fotografías sobre Hiroshima, idea que fue aceptada pero asignada a Ken Domon. Eventualmente los editores permitieron que Kawada viajara a Hiroshima como asistente de Domon, a pesar de haber sido el joven fotógrafo quien tuvo la idea de trabajar con la cámara este tema.[17]

Además de su participación en Jūnin no me y Vivo, es muy importante su libro Chinzu (El Mapa) de 1965 que explora las cicatrices dejadas en Japón durante la II Guerra Mundial.

El libro fue diseñado por Kohei Sugiura: las fotografías son presentadas en forma de tríptico invitan a realizar una lectura similar a la de los libros sagrados.[18]

En el libro se incluyen estampas con las huellas de la propia bomba, instalaciones militares y, notablemente, imágenes que realizó en la Cúpula de la Bomba en Hiroshima, una construcción que sobrevivió a pesar de su cercanía con el lugar de caída de la bomba y que ha sido convertido en monumento nacional.[19]

Kawada encontró una serie de manchas en la cúpula y decidió fotografiarlas para representar el estado de la sociedad japonesa tras la gran bomba y el miedo del fotógrafo a la guerra.[20]

Luego de esta serie de manchas, no es extraño que el fotógrafo se interesara y siguiera explorando la abstracción fotográfica. Chinzu se ha convertido en un libro codiciado por los coleccionistas y difícil de encontrar.[21]

En 1967 Kikuji Kawada enseñó fotografía en la Universidad de Arte Tama. Su obra forma parte de las colecciones del Museo Metropolitano de Fotografía (Tokio), el Museo de Arte Moderno de San Francisco y de Nueva York, el Centre Georges Pompidou en París y el Center for Creative Photography de la Universidad de Arizona en Tucson (Estados Unidos).[22]

En su libro The Last Cosmology Kawada se orientó hacia la astrofotografía con un giro expresivo.[23]

Kawada formó parte de la exposición New Japanese Photography (1974) en el Museo de Arte Moderno de Nueva York[24], organizada por John Szarkowski.

En 2011 fue galardonado por la Sociedad Fotográfica Japonesa en reconocimiento al trabajo de toda una vida.[25]

La fotografía de Kikuji Kawada es contrastada, de texturas fuertes. En muchas ocasiones la nitidez de la su fotografía contrasta con la rugosidad de sus sujetos.

Akira Satō

Akira Satō nació en Tokio en 1930. Estudió economía en la Universidad Nacional de Yokohama. Akira era una lector asiduo de la revista Life. Hacia 1955 trabajó la fotografía experimental[26] y participó en Jūnin no me para unirse en 1957 al colectivo Vivo.

Contribuyó en la revista de modas Soen. Mieko Wikstrom, modelo y musa de Akira Satō dijo que “…a través de la cámara, peleábamos, reíamos y creábamos como si fueras amantes – era un sentimiento maravilloso.”[27] La fotografía de Akira Satō agrega elementos surrealistas a la fotografía de moda.

En su serie “Cold Sunset” (1960) desafía las ideas tradicionales acerca de la fotografía de moda. Luego hizo series en Nueva York, Florencia, Viena y Praga.[28]

El vocero de la galería Take Ninagawa explica que:

“En la década de 1960, Sato reaccionó en contra de la narrativa fotográfica en boga y buscó enfatizar las sutilezas psicológicas de sus modelos al utilizar métodos y materiales poco convencionales en su obra.”[29]

Akira Satō comenzó a realizar exposiciones individuales a partir de 1961 al tiempo que publicaba en revistas fotográficas. En 1963 viajó a Estados Unidos y luego a Europa donde trabajó profusamente. Volvió a Japón en 1965 donde permaneció hasta su muerte en 2002. Es un fotógrafo altamente codiciado entre los coleccionistas por la dificultad para encontrar impresiones de su obra.[30]

Ikko Narahara

Ikko Narahara nació en Fukuoka (1931) y estudió leyes en la Universidad de Chuo (1954). Luego realizó una maestría en historia del arte en la Universidad Waseda (1956) aunque ya hacía fotografías en 1954.

De espíritu diverso, también le llamaban la atención las artes plásticas y la literatura.  Le interesaron las estatuas de buda en Nara.

En 1955 formó parte del grupo Jitsuzaisha (Existencia real) encabezado por Masuo Ikea y Ay-O donde confluyó como artistas tales como On Kawara o Tatsuo Ikeda.

Además de co-fundar Vivo trabajó fuera de Japón primero en Francia (1962 a 1965) y luego en Estados Unidos (1970 a 1974).[31]

El trabajo fotográfico de Narahara incluye barridos y contrastes tonales agudos que influyeron en la siguiente generación de fotógrafos incluidos en Provoke.

 

Akira Tanno

Akira Tanno nació en Tokio en 1925. Se graduó en 1949 del departamento de fotografía en la Universidad Nihon. Fue asistente de Eigo Ohno y en 1951 inició su carrera como fotógrafo independiente. Se interesó en la fotografía de espectáculo, en particular la música y el circo. Su serie “Circus”[32] formó pate de la exposición Jūnin no me para luego integrarse en Vivo.

Luego participó en la exposición “NON” organizada por Tatsuo Fukushima y dio un vuelco en sus intereses para fotografiar la base militar de Okinawa, la contaminación y las minas de carbón. Fue un importante promotor para establecer los derechos de autor en Japón. Participó activamente en grupos de fotógrafos que lo mismo estudiaban la constitución japonesa que se rebelaban contra las armas nucleares.[33]

Shōmei Tōmatsu

Shōmei Tōmatsu nació en Nagoya (prefectura de Aichi) en 1930. Aunque estudió economía prefirió la cámara y se unió al grupo editorial  Iwanami Shoten para luego perseguir una carrera como fotógrafo independiente. Su ojo escudriñó a Japón y produjo una obra profunda, compleja y perturbadora sobre Nagasaki.

Para Shōmei Tōmatsu la fotografía podía partir de la emoción visceral expresada en una imagen barrida, francamente vibrada: la idea era mostrar el conflicto y frustración de Japón y del propio fotógrafo.

Tōmatsu se caracterizó por un estilo expresivo, crudo y de grano reventado. La influencia de Tomasu fue muy importante en grandes autores como Takuma Nakahira, Nuboyoshi Araki o Daido Moriyama. El legendario  curador de fotografía del MoMA, John Szarkowski, dijo que: “Tōmatsu es la figura central de la fotografía japonesa reciente; sus imágenes son una respuesta intuitiva a la experiencia de la vida misma.”[34] Su figura fue tan importante que recibió la Medalla de honor.[35]

Tōmatsu falleció en Okinawa en 2012.

Eikoh Hosoe

Eikoh Hosoe, hijo de un sacerdote budista,[36] nació con el nombre de Toshihiro en 1933 en Yonezawa (Yamagata).  Cambió su nombre a Eikoh como una manera de reconocer el nuevo mundo que buscaba capturar con su cámara.[37]

En 1951 ganó un premio en el concurso fotográfico Fuji[38] y un año despuésse matriculó en el Tokio Junior College of Photography (actualmente Universidad Politécnica de Tokio). Se graduó en 1954 y realizó tuvo su primera exposición individual American Girl en Tokio con un gran éxito dos años después.[39]

Luego de participar en Jūnin no me y co-fundar Vivo, realizó de 1961 a 1963 una serie de retratos del novelista Mishima Yukio. Sus fotos son un conjunto de fantasías seppuku (harakiri) e imágenes eróticas del cuerpo masculino.

Sus fotografías son marcadamente expresivas y surrealistas, con un componente fundamental de la forma humana. Aunque a la mayoría de sus compañeros de generación les gustaba trabajar en la calle, Eikoh prefería el estudio donde podía explorar el cuerpo humano más allá de la piel.[40]

En 1965 colabora con Hijikata Tatsumi, fundador de la danza experimental Butoh para hacer una serie de fotografías que formarían la serie Bara-kei.[41]

Su trabajo más importante fue el libro Kamaitachi donde el tema es la historia tradicional sobre una comadreja que corta la piel humana con sus garras en forma de hoz.[42] Se trata de una serie que representa los impulsos de lo terreno y la sexualidad.

Otra de sus series fue Otoko to Onna (Hombre y Mujer) de 1961.[43]

En 1975 comienza su labor docente en el Tōkyō Sōgō Shashin Senmon-Gakkō (Tokyo College of Photography) donde comienza a reunir la colección fotográfica del Museo Kisoato de Artes Fotográficas.

Entre 1976 y 1984 hizo fotografías de arquitectura concentrado en Gaudí que se publicó en Cosmos con dibujos y poemas de Joan Miró.

Su trabajo ha sido premiado por la Royal Photographic Society y se le ha nombrado la Persona Japonesa de Mérito Cultural,[44] la Medalla Púrpura, la Ordewn del Sol Naciente, el Premio de Arte Mainichi, la Estrella de Plata y Oro, entre otros recocimientos.[45]

Vivo: estrella fugaz, pero luminosa

En Vivo no había un trabajo o un tema único en colectivo. En realidad, cada fotógrafo trabajaba sus temas y a su aire con una visión totalmente personal.[46]

Los fotógrafos de Vivo se caracterizaron por una «estética-puente» que vinculaba el viejo estilo del realismo de la pre-guerra, la fotografía subjetiva japonesa y una mirada aún más agresiva y personal que se daría hacia finales de la década de 1960 con los miembros de la revista Provoke.[47] Los miembros de Vivo, en especial Tōmatsu, Narahara y Kawada le dieron la espalda a la fotografía directa, documental y objetiva.

El colectivo realmente no tenía tanto en común como parecía inicialmente y más bien había una atmósfera de colaboración. Por otro lado estaba el tema financiero con una marcada asimetría en términos de ingreso y negocio de cada miembro. Luego de dos años de colaboración, Vivo desapareció cuando cada fotógrafo tomó su propio camino. [49]

Aunque Vivo tuvo una existencia corta, es un ejemplo claro de la necesidad por generar una experiencia fotográfica de los cambios sociales en Japón. Es la respuesta a la cicatriz imborrable de las bombas atómicas y una humillación permanente de los habitantes del archipiélago nipón.

La cooperativa Vivo no tuvo, como tal, una estética propia. Sin embargo, el colectivo resultó ser un polo de atracción para fotógrafos jóvenes como Daido Moriyama[48]. Vivo el trampolín para un momento clave en la historia de la fotografía japonesa y mundial. Fue, ciertamente, una estrella fugaz, pero su luz fue brillante, inspiradora y sirvió como guía a la siguiente generación de fotógrafos japoneses.

Gracias a Vivo pudo surgir una publicación que, con apenas un par de números, influiría poderosamente en la fotografía mundial: la revista Provoke.

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* Dr. Óscar Colorado Nates,
(Ciudad de México, 1969)

Académico, crítico, analista y promotor de la fotografía.

Doctor «cum laude» en Ciencias de la Documentación por la Universidad Complutense de Madrid y Máster en Narrativa y Producción Digital por la Universidad Panamericana (Cd. de México) donde es Investigador de Tiempo Completo y Profesor Titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada así como Docente de Posgrado en Narrativa y Nuevas Tecnologías.
Autor de libros como Fotografía 3.0; El Mejor Fotógrafo del Mundo; Instagram, el ojo del mundo; Fotografía de Documentalismo Social; Fotografía Artística Contemporánea; El Mejor Fotógrafo del Mundo y Pensamientos Decisivos: 650 reflexiones fotográficas.
Comunicador transmedia, es director y conductor del programa de radio Imagen Líquida y creador de productos audiovisuales como El Mundo de la Fotografía o FotoPop.
Fundador del Observatorio de Cultura Fotográfica. Miembro del Seminario de Imagen y Cultura, la Asociación Mexicana de Estudios de Estética, el Seminario Permanente de Análisis y Crítica Cinematográfica y de The Photographic Historical Society (Rochester, NY), entre otras agrupaciones académicas.

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Referencias de Investigación

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Notas

[1] «Metamorphosis of Japan After War.», Open Eye Gallery, accedido 11 de septiembre de 2015, https://openeye.org.uk/wp-content/uploads/JAPAN-AIP.pdf.

[2] «{6 } – The World of Shoji Ueda», The Eye of Photography Magazine (blog), accedido 13 de noviembre de 2019, https://loeildelaphotographie.com/en/event/the-world-of-shoji-ueda/.

[3] «Takashi KIJIMA – Artist | AKIO NAGASAWA», accedido 13 de noviembre de 2019, http://www.akionagasawa.com/en/artist/takashi-kijima/ginza/.

[4] «Niiyamas», niiyamas, accedido 13 de noviembre de 2019, https://www.niiyamas.net.

[5] «写真家　新山 清（1911-1969)パーレット時代　Kiyoshi Niiyama Photography», accedido 13 de noviembre de 2019, http://kiyoshiniiyama.web.fc2.com/.

[6] Sam Thorne, «Jikken Kobo», Frieze, accedido 13 de noviembre de 2019, https://frieze.com/article/jikken-kobo.

[7] «Kiyoji Otsuji: Performance as Fashion | DANSK Magazine», accedido 13 de noviembre de 2019, http://www.danskmagazine.com/attention/kiyoji-otsuji-performance-as-fashion/.

[8]«Kiyoji OTSUJI | Galería Taka Ishii», Taka Ishii Gallery / タカ・イシイギャラリー, accedido 13 de noviembre de 2019, http://www.takaishiigallery.com/en/archives/11990/.

[9] «Shigeo Gocho | MEM», accedido 13 de noviembre de 2019, http://mem-inc.jp/artists_e/gocho_e/.

[10] «Yutaka Takanashi», Fondation Henri Cartier-Bresson (blog), accedido 13 de noviembre de 2019, https://www.henricartierbresson.org/en/expositions/yuka-takanashi-2/.

[11] «Naoya Hatakeyama – Artists – SAGE Paris», accedido 13 de noviembre de 2019, http://www.sageparis.com/artists/naoya-hatakeyama.

[12] Alexandra Munroe, «Postwar Japanese Photography and the Pursuit of Consciousness», Alexandra Munroe (blog), 3 de noviembre de 1999, http://www.alexandramunroe.com/postwar-japanese-photography-and-the-pursuit-of-consciousness-alexandra-munroe/.

[13] «AULEX – Diccionario Esperanto – Español en línea», accedido 13 de noviembre de 2019, https://aulex.org/eo-es/?busca=vivo.

[14] «Vivo: Photography from 1960s Japan», accedido 13 de noviembre de 2019, http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.en/2007/07/vivo-photography-from-1960s-japan.html.

[15] «Remembering Shomei Tomatsu (1930-2012)», accedido 13 de noviembre de 2019, https://aperture.org/blog/remembering-shomei-tomatsu-1930-2012/.

[16] «Dark night rising: the photographer who captured the mystery of the eclipse | Art and design | The Guardian», accedido 13 de noviembre de 2019, https://www.theguardian.com/artanddesign/photography-blog/2015/mar/19/kikuji-kawada-eclipse-at-night-photography.

[17] «Kikuji Kawada in Conversation with Ryuichi Kaneko – Aperture NY», Aperture Foundation NY, accedido 14 de noviembre de 2019, https://aperture.org/blog/kikuji-kawada-conversation-ryuichi-kaneko/.

[18] Presenting The Map by Kikuji Kawada, accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.youtube.com/watch?v=99zN8W7RMnk.

[19] «Kikuji Kawada · SFMOMA», accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.sfmoma.org/artist/kikuji_kawada/.

[20] Ídem

[21] Ídem

[22] «Kikuji Kawada», Michael Hoppen Gallery, accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.michaelhoppengallery.com/artists/26-kikuji-kawada/overview/.

[23] Presenting The Map by Kikuji Kawada, accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.youtube.com/watch?v=99zN8W7RMnk.

[24] «Advance Fact Sheet: New Japanese Photography», The Museum of Modern Art, enero de 1974, https://www.moma.org/momaorg/shared/pdfs/docs/press_archives/5079/releases/MOMA_1974_0010_10.pdf?2010.

[25] «The Photographic Society of Japan», accedido 14 de noviembre de 2019, http://www.psj.or.jp/english/sub2.html.

[26] «Akira Sato | Collection | Ibasho», Ibasho Gallery, accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.ibashogallery.com/collection/akira-sato.

[27] Saskia Solomon, «Snapshot: Akira Sato in ‘Ravens & Red Lipstick: Japanese Photography Since 1945’», Financial Times, 2 de noviembre de 2018, https://www.ft.com/content/4e8c0146-dde8-11e8-8f50-cbae5495d92b.

[28] «佐藤明『佐藤明写真集 ＰＲＡＨＡ』｜新潮社», archive.is, 8 de agosto de 2007, http://archive.is/cwKLn.

[29] Peter Shadbolt, «Lens Flair: Akira Sato», Indonesia Tatler, accedido 14 de noviembre de 2019, http://www.indonesiatatler.com/arts-culture/arts/lens-flair-akira-sato.

[30] «Akira Sato», Michael Hoppen Gallery, accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.michaelhoppengallery.com/artists/39-akira-sato/overview/.

[31] «Ikko NARAHARA | Taka Ishii Gallery / タカ・イシイギャラリー», accedido 13 de noviembre de 2019, https://www.takaishiigallery.com/en/archives/11988/.

[32] Circus of Showa Japan, 1956-1957 – Akira TANNO | Shashasha 写々者 – Delivering Japanese and Asian Photography to the World, accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.shashasha.co/en/book/circus-of-showa-japan-1956-1957.

[33] «Akira Tanno, photographer – Obituary | ZEN FOTO GALLERY – アジア諸国の写真を専門に紹介するギャラリー・出版社», ZEN FOTO GALLERY, accedido 14 de noviembre de 2019, https://zen-foto.jp/jp/blog/article-interview/akira-tanno-photographer-obituary.

[34] «Shomei Tomatsu | Michael Hoppen Gallery», accedido 13 de noviembre de 2019, https://www.michaelhoppengallery.com/artists/64-shomei-tomatsu/overview/.

[35] «Shomei Tomatsu, notario del horror de Hiroshima y Nagasaki | Cultura | EL PAÍS», accedido 13 de noviembre de 2019, https://elpais.com/cultura/2013/01/09/actualidad/1357766171_701354.html.

[36] «Eikoh Hosoe», Susan Spiritus Gallery, accedido 14 de noviembre de 2019, https://susanspiritusgallery.com/artist/eikoh-hosoe/.

[37] «Eikoh Hosoe», Michael Hoppen Gallery, accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.michaelhoppengallery.com/artists/89-eikoh-hosoe/overview/.

[38] «Eikoh HOSOE», Taka Ishii Gallery / タカ・イシイギャラリー, accedido 14 de noviembre de 2019, http://www.takaishiigallery.com/en/archives/11984/.

[39] «Eikoh Hosoe», CLAIR Gallery (blog), 10:43, https://clairbykahn.com/portfolio/hosoe/.

[40] «Eikoh Hosoe – 100 Artworks, Bio & Shows on Artsy», accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.artsy.net/artist/eikoh-hosoe.

[41] «Eikoh Hosoe | Collection | Ibasho», accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.ibashogallery.com/collection/eikoh-hosoe.

[42] «Eikoh Hosoe | artnet», accedido 14 de noviembre de 2019, http://www.artnet.com/artists/eikoh-hosoe/.

[43] «BookFinder.com: Search Results», accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.bookfinder.com/search/?ac=sl&st=sl&ref=bf_s2_a1_t1_1&qi=z4LGg2YQ6Ke1u1EIu.aVCuvMVGc_1497963026_1:2:1&bq=author%3Dkikuji%2520kawada%26title%3Dmap.

[44] «Eikoh Hosoe», Michael Hoppen Gallery, accedido 14 de noviembre de 2019, https://www.michaelhoppengallery.com/artists/89-eikoh-hosoe/overview/.

[45] «Eikoh HOSOE», Taka Ishii Gallery / タカ・イシイギャラリー, accedido 14 de noviembre de 2019, http://www.takaishiigallery.com/en/archives/11984/.

[46] «Dark night rising: the photographer who captured the mystery of the eclipse | Art and design | The Guardian», accedido 13 de noviembre de 2019, https://www.theguardian.com/artanddesign/photography-blog/2015/mar/19/kikuji-kawada-eclipse-at-night-photography.

[47] «fototazo: A Question About: Provoke», accedido 13 de noviembre de 2019, http://www.fototazo.com/2011/12/question-about-provoke.html.

[48] «Through a Lens, Inquisitively: Modern Photo Visions, of and from Japan», accedido 13 de noviembre de 2019, https://hyperallergic.com/235652/through-a-lens-inquisitively-modern-photo-visions-of-and-from-japan/.

[49] Lena Fritsch, Ravens and red lipstick (New York, NY: Thames & Hudson, 2018). Pág. 49