Se insertó en las sub-culturas neoyorkinas para lograr comprender su identidad y en el proceso logró una de las obras de arte reciente más apreciadas por la tribu cultural global.

Por Óscar Colorado Nates*

Cuando Nikki S. Lee llegó a la galería en Frankfurt para su primera exposición en Alemania quedó horrorizada. El encargado de enmarcar las fotografías las había arruinado cuando decidió recortar los bordes. La artista coreana debía hacer algo rápidamente o de otro modo su obra quedaba invalidada absolutamente: simplemente no diría lo que ella había intentado en su concepto al crear se segundo gran trabajo: “Parts”. 

Desde Corea, con amor

Lee Seung-hee (Nikki S. Lee) nació en Corea (1970). Su educación estuvo amalgamada con la música, revistas y programas de televisión  de su niñez. Su padre operaba un salón de bodas. Ante los intentos de estudiar actuación los progenitores se negaron tajantes. Finalmente, los convenció de hacer una licenciatura en Arte universidad de Chung-Ang y al concluirla decidió viajar a Nueva York para estudiar en el Fashion Institute of Technology (1994). Para 1998 había concluido un máster en fotografía en la New York University y ya había trabajando como asistente en las exuberantes producciones de David LaChapelle.

En esos años escolares, siendo una inmigrante en busca de su propio lugar en la variopinta escena neoyorkina donde fraguó una idea artística que aparecería en más de cien exposiciones alrededor del mundo.

Projects

En Nueva York inició una primera metamorfosis: Lee Seung-hee cambió su nombre a Nikki S. Lee. Luego comenzó a trabajar en un concepto que se basaba en cambiar su identidad para adaptarla a diferentes sub-culturas neoyorkinas. Una vez consumado el acto vendría el registro fotográfico en una instantánea del happening, la gente y la escena.  Nikki explica que “Las mujeres asiáticas se mudan numerosas veces. Es fácil comprenderlo porque implica las fantasías de la gente por convertirse de alguna manera en otro. Ellas desean vivir otras vidas.”[1]

La inquietud sobre la identidad había tenido su primer germen en Corea, pero le pareció demasiado difícil realizarla y la relegó. [2] A finales de la década de 1990 había una tendencia a trabajar los simulacros y el falso documental y se preguntó cómo podría combinar ambas posibilidades. Por supuesto que Nueva York era el terreno perfecto y la joven Nikki, armada con una máster en fotografía tenía entre manos una idea mucho más madura.

Para Nikki lo fundamental es el crear un concepto sólido. Ella misma asegura que “El proceso de crear arte no importa tanto como la conceptualización. Creo que lo importante es discutir la historia dentro del arte.”[3]

Todo estaba listo para que una joven coreana adaptara su aspecto físico, vestuario, maquillaje e incluso tuviera que conseguir un entrenador y hacer dieta para lograr asimilarse a diferentes grupos sociales y étnicos en la pluriculturalidad neoyorkina para, finalmente, documentar fotográficamente el hecho.

Manos a la obra

Todo inició con al investigación de grupos sociales y subculturas. Nikki estudió cuidadosamente el código de vestido, los ademanes, el acento pasando por el maquillaje y todos los elementos que, supuso, crean una identidad. Llegó el momento de la caracterización y la inserción en el grupo elegido. Una vez asimilada, Nikki solicitaba que alguien le haga una fotografía con una sencilla cámara point & shoot: Podía ser un acompañante o alguien del propio grupo. El resultado es una sencilla instantánea que aparece sencilla y poco pretenciosa: poco más que una clásica “foto del recuerdo.”

“Los cuadros de Lee no están meticulosamente armados: es el contexto de su construcción lo que es importante. Ella no está desarrollando solamente el papel de su propio sujeto. Nikki renuncia al control sobre el cuadro entregándole la cámara a algún miembro de su nueva comunidad, a un amigo o un transeúnte quien realiza la fotografía, capturando a Lee en su nueva identidad insertada en un nuevo contexto y ambiente.”[4]

Lee siempre utiliza una cámara sencilla para instantáneas “La gente piensa que una gran cámara y mucho equipo de iluminación crean arte y yo quiero romper esa regla. Si tienes un gran concepto, puede ser arte.”[5] Y agrega “Lo importante es cuán bueno o malo es el proyecto conceptualmente hablando.”[6]

A pesar de contar con una maestría en fotografía, Nikki Lee se considera una artista con muchos recursos diferentes. Incluso admite no usar una cámara digital y ni tener una cámara propia, “ni siquiera una pequeña o iPods como los que la gente usa. A veces me da pánico cuando quiero hacer una foto en la calle, no soy una fotógrafa ávida normalmente. Cuando necesito que algo se fotografíe consigo a un fotógrafo.”[7]

Resulta interesante este hecho y viene a la mente  incluso a Gregory Crewdson quien cuenta con su propio operador de cámara. En tal sentido, ambos artistas están más preocupados del concepto y la realización de la escena que de la toma per se: una de las actitudes recientes que impregnan a los hechos artísticos contemporáneos.

“Lee coloca el foco en la composición y la historia que desea contar. Se involucra demasiado en la escena como para preocuparse de la ejecución de la imagen. “Siento que muchos fotógrafos, y artista en general no estarían cómodos con la idea de involucrar a otros en el proceso. Pero Lee no parece interesada en el proceso sino en la historia”[8]
Por otra parte aclara “No quiero cargar cosas estorbosas conmigo. La cámara instantánea es lo que llevo. No tienes que preocuparte de nada más. La gente en la calle no va a esperarte si cargas una enorme cámara: les asustaría. Con una cámara para instantáneas se sienten cómodos.”[9]

Pero hay, además, un tema adicional a la aparentemente inofensiva cámara para instantáneas: “Lee manipula nuestra nostalgia sobre la snap shot, nuestra curiosidad voyerista y nuestro deseo por llenar los espacios en blanco para conocer la historia completa, para ver una imagen total.”[10]

El resultado es una imagen engañosamente sencilla[11] que es fácilmente adoptada por el público pero donde hay mucho más de lo que aparenta: “Aunque a primera vista lucen “naturales” [estas fotografías] se registran eventualmente como construcciones complejas, incluso confusas.”[12] La autora acepta: “Me gustan los proyectos que involucran muchas capas; superficialmente pueden parecer proyectos muy simples, pero conforme escarbas más profundamente descubres muchas historias con capas subyacentes.”[13]

En esta época del PhotoShop la táctica para crear una ilusión de registro inalterado es el uso de una estética vernácula, doméstica, con flash despiadado e incluso fecha incluida en la fotografía, práctica común entre los aficionados. «Las imágenes de Lee nos animan a cuestionar la integridad de las instantáneas, la cultura y la comunidad, al tiempo que nos permite disfrutar de los múltiples rostros de la identidad construida y la memoria.”[14]

Gracias al trabajo de autores como Richard Billingham o Nan Goldin encontramos en la fotografía instantánea la explicitación de un intimismo intenso y Nikki emplea este recurso con gran habilidad para recordarnos que somos “testigos de alguien más.”[15]

Por supuesto que “Mucho del éxito de los proyectos de Nikki dependen fuertemente de la apariencia final del registro fotográfico. Su uso de la estética del snap shot es, parcialmente, lo que nos convence de su forma de pertenecer a un grupo. Eso y su gran habilidad para adoptar justo la pose correcta. La fecha electrónica en la esquina confiere una especificidad y autenticidad científicas mientras que, al mismo tiempo, la fotografía luce auténticamente amateur. Ciertamente que a veces son exhibidas como impresiones de farmacia puestas en la pared. Cuando se exhiben ampliadas, enmarcadas y en el contexto del museo esta fotografías revelan el cimiento conceptual en los proyectos de Lee. Como grupo o mezclados unos con otros los proyectos se apoyan y definen mutuamente.”[16]
Nikki fue acumulando lo que ella misma bautizó como Proyectos. Los grupos socio-étnicos de su estudio incluyeron punketos, adolescentes japonesas de East Village, turistas, hispanos, yuppies, rednecks, personas de la tercera edad, entre otros. De 1997 a 2001 la artista creó una mezcla de hecho artístico y fotografía donde uno y otro se trasfundían[17].

En el trabajo de Nikki S. Lee se transfunde “…humor, sátira, un ojo agudo hacia el detalle social, un método no carente de histrionismo y una confianza en la interminable posibilidad de la alteración del ser.”[18]

La obra de Nikki está repleta de guiños. Aunque existen caracterizaciones impecablemente ejecutadas (como la de “Nikki de la Tercera Edad”) otras como la “Nikki redneck” resulta abiertamente caricaturesca y absurda: es como una escenografía de cartón o un laboratorio de doctor loco en una película de serie “B”. Sin embargo una vez que hemos entrado al mundo de Nikki todo es posible: hemos caído en la trampa.

Reinventado los sentidos de la identidad

Nikki da comienzo a su proyecto a partir de una premisa importante: ella misma es una inmigrante que llega a un lugar extraño y una sociedad que no parece ralentizar nunca. En un primer momento Nikki “…juega con los temores del inmigrante y ese deseo del recién llegado de asimilarse a su entorno…”[19]

El trabajo de Nikki ofrece en su polisemia lecturas que abarcan no solamente el tema de la identidad, y de si el grupo forja una personalidad sino también sobre el tránsito de las culturas. Para Nikki S. Lee la vida misma es una performance sin fin donde el simple hecho de mudarnos diariamente de ropa ya es una alteración de la identidad que es a final de cuentas “la expresión externa de nuestra pisqué.”[20]

Por otro lado, aunque el trabajo parte desde las premisas de la semejanza social, de la coincidencia, la obra de Lee también nos sugiere un complejo catálogo que es meta-personal, meta-grupal. Si August Sander había buscado capturar un álbum referencial y tipológico de la sociedad alemana, Nikki S. Lee crea un inventario de estereotipos y de “prejuicios contemporáneos.”[21] Estas aparentemente inocentes instantáneas son un destilado del Zeitgeist globalizado que se integra en una complejísima metrópoli. Si McLuhan llama al mundo la “Aldea Global”, Nueva York más bien parece que la aldea que sintetiza lo global y eso queda de manifiesto en los distintos grupos con los que trabaja Nikki S. Lee.

De alguna manera, los Projects de Lee actúan como “universos paralelos que ponen de manifiesto la naturaleza compleja y construida de la identidad.”[22]

La indiscutible habilidad de la artista por esa inmersión que altera identidad sexual, cultura, género, raza, edad corre el riesgo de ser reducido a lo que Dayna Par McLeod llama una “mera representación de la otredad.”[23] Por un lado es achicar el trabajo de Lee a una mera competencia para crear caricaturas mimética y por el otro a simplemente creer que es una ilustración de la alteridad individual. Aunque pudiera parecer en la superficie un trabajo antropológico-social vale la pena reflexionar en que Nikki “…se coloca a sí misma en el cuadro transformándose en el sujeto documentado, una vez que ha construido un contexto y creado un escenario. Ella actúa la identidad, reinventándose con los estereotipos, códigos y pistas de una comunidad dada, infiltrando dicha comunidad y presentándonos una nueva versión de ella misma.”[24]

Cindy Sherman reitera que ella no hace autorretratos (y hablaremos más de los paralelismos Sherman/Lee más adelante). Pero en la obra de Nikki podemos ver la desesperada búsqueda de la autora por encontrar quién es para descubrir que son muchas las Nikkis que confluyen en su ser, algunas con manifestaciones visibles externa, pero las más invisibles, imbuidas en su compleja realidad corpórea, mental y espiritual.

Aunque podría parecer que Nikki desea llevarnos de la mano para que observemos a la sociedad, la alteridad y la identidad, J.T. Kirkland nos ofrece una pista adicional: “Al incluirse en la escena, al menos para mí, el trabajo de Lee no se trata de las relaciones per se. Más bien es una evaluación del ser. Nikki me está forzando a que me importe ella.”[25]

Nikki explica: “¿Fueron los Projects más acerca de mí que de las demás personas? Son acerca de mí. La pregunta es acerca de mí, pero el mostrarme con otras personas en el proyecto se convierte en algo primordial. La pregunta sobre mi propia identidad me obliga a observar la relación entre mi ser y las demás personas.”[26]

Ante el trabajo de Nikki S. Lee la postura maniquea es fútil: ¿Son fotos de la autora buscando su identidad? ¿Es el registro de una sociedad? ¿Es un tratamiento irónico y humorístico a las tribus que pululan en las metrópolis? En el núcleo de su búsqueda está una propuesta para preguntarnos si la unidad comunitaria es monolítica y si se comporta más bien como un fluido.[27]

La trampa de Nikki S. Lee puede ser vista como una telaraña al espectador, o una mazmorra profunda, o un laberinto. La propia autora nos dice que   “…en vez de pensar la profundidad como algo que va por debajo de la superficie, ¿Qué pasaría si pensáramos en la profundidad como un “algo” paralelo, que se extiende de lado a lado? Tal vez podríamos pensar que mi obra es profunda en el sentido en el que aborda las relaciones humanas desde una visión más amplia. Yo comencé con una pregunta universal acerca de la identidad, mi identidad. La forma en la que he tratado de contestar a esa pregunta es viendo a los demás, la gente que me rodea incluso si no están directamente relacionados conmigo. Para lograr saber dónde estoy y quién soy me implica verme a desde los ojos de otros, los que me rodena, la sociedad a la que pertenezco. Esto explica el arco conceptual de mi trabajo bastante bien. Creo que una visión amplia de mi obra agrega profundidad a la investigación relativa a la identidad.”[28]

La comparación incómoda

La propia Nikki lo detesta profundamente, pero resulta imposible omitir los paralelismos y cotejos entre su trabajo y el de la estadounidense Cindy Sherman. Sin embargo existen diferencias cruciales. Para comenzar mientras que la señorita Sherman lo hace todo en el estudio, Nikki “Lo lleva a la calle.”[29]

Por otra parte “…Sherman se ha enfocado en un lenguaje visual cinematográfico de fotograma para representar y re contextualizar a la mujer y el estereotipo femenino en las películas. Lee no se preocupa de la “mujer” o lo “femenino” específicamente, ni se desvela particularmente en la deconstrucción del lugar del “otro” dentro de sus Proyectos; Nikki está reenfocando la verdad al hacer una performance dentro del lugar que ella ha creado.”[30]

Finalmente el trabajo de Cindy Sherman está mas enfocado con los estereotipos creados por los medios masivos de difusión y Nikki S. Lee trabaja dentro de un contexto de realidad, son los estereotipos y clasificaciones que conocemos en la vida cotidiana.[31]

Nikki y la crítica

Aunque Projects tuvo una recepción muy entusiasta tanto por curadores, galeristas, marchands, público en general, artistas y toda la tribu cultural global, se han suscitado algunos debates acerca del utilitarismo de esta serie. Mark Godfrey cuestiona si Nikki  realmente explota de forma utilitarista a un grupo para lograr sus propios fines, es decir, siguiendo los Imperativos Categóricos de Kant, lo que Nikki hace es convertir a la gente en un medio y no como un fin [32].

Si bien la autora afirma siempre que se presenta ante las personas del grupo con el que se involucra como una artista en un proyecto, existen fuentes que indican lo contrario. “Esto contradice la sinceridad de las fotografías” afirma Catherin LeFranc “Pero es difícil encontrar la verdad porque [Nikki] otorga tan pocas entrevistas.”[33]

Simon Doom era un punk que luego de muchos años se sorprendió al encontrarse en una fotografía de Lee. Simon admira el trabajo de Nikki, pero es enfático al declarar que ni ella se presentó como artista y que él mismo fue engañado.[34]

Nikki S. Lee también ha sido cuestionada por su secretismo y porque se supone que el espectador no tendría que preocuparse del proceso sino del resultado.[35]

Cherise Smith en su libro Enacting Other: Politics of Identity in Eleanor Antin, Nikki S. Lee, Adrian Piper and Anna Devavere Smith critica a Lee de superficial y de promover un modelo despolitizado post-identitario de afiliación.”[36]

Segunda parte: Parts

 En su segunda serie importante titulada Parts (Partes) realizada de 2002 a 2005, inicia una etapa nueva en el trabajo de Nikki S. Lee. “Mi primera obra, Projects es sociológica: el contexto de la gente. Mi segundo trabajo es acerca de las relaciones.”[37]

Phil Lee afirma que Nikki “busca constantemente su identidad en relación con los otros. Su exploración de la formación y mutación de la identidad individual en relación a la exposición que uno tiene con la comunidad alcanza una nueva fase donde Lee indaga sobre las relaciones personales.”[38]

En esta nueva serie (Parts), crea escenas donde nuevamente se caracteriza mediante ropa, maquillaje y especialmente contexto pero en esta ocasión su táctica resulta todavía más compleja.

En estos tableaux vivants, cada una de las fotografías de la serie está mutilada, rasgada en dos. Nikki siempre aparece junto con otra persona (un hombre) que está apenas insinuado y la fractura de la fotografía está cuidadosamente planeada para dejar suficiente información para sugerir una escena, una narrativa y una situación pero dejándolo todo en el ojo del espectador.

“«Parts» juega con las narrativas ausentes y engancha activamente al observador, creando una relación triangular entre quienes aparecen en el cuadro, quien ha sido removido el espectador.”[39]

Incluso el dejar el marco blanco en lugar de imprimir “a sangre” es una táctica esencial para la comprensión del juego. Sin el borde ni la rasgadura la fotografía es imposible de interpretar.

Aunque en Parts la exploración de las relaciones humanas es muy clara, sigue presente la búsqueda por la ontología y teleología de la identidad. La autora explica que en esta serie “…exploro la identidad y cómo soy afectada por otras personas en las relaciones […] Me interesa cómo es afectada la identidad de las personas por el contexto de una relación.”[40]
Nikki juega ahora con los supuestos que implica en la escena, con aquello que ha incluido pero sobre todo con lo que excluye: “nos deja a lidiar con lo que está dentro y fuera del cuadro, y cómo ese cuadro se hizo realidad en primer lugar.”[41]

No importa si, como ya dijimos, las series de Lee son trampas en forma de telarañas, mazmorras o laberintos. Como afirma McLeod “No podemos evitar sumergirnos en las narrativas imaginarias de Lee y sus componentes de interacción. Estos es lo que transforma a “Parts” en algo tan exitoso e intrigante.”[42]

En este caso Nikki afronta el quiénes somos a partir de la alteridad, no tanto del grupo socio-étnico al que pertenecemos, como por las personas que escogemos alrededor nuestro.[43] En este caso Parts es una ilustración del consabido “Dime con quién andas y te diré quién eres” y su corolario “quien con lobos anda a aullar aprende.”

Cuando Nikki S. Lee llegó a la galería en Frankfurt para exhibir Parts, su primera exposición en Alemania, quedó horrorizada; El encargado de enmarcar las fotografías las había arruinado  cuando decidió recortar los bordes y re-encuadrarlas. La artista coreana debía hacer algo rápidamente o de otro modo su obra quedaba invalidada absolutamente: simplemente no decía lo que ella había intentado en su concepto.

La escena anterior forma parte de la pieza audiovisual titulada A.k.a. Nikki S. Lee (“Alias Nikki S. Lee”) de 2006 donde la artista rebasa nuevamente las fronteras de los medios de creación para trabajar ahora en un formato documental pero donde mezcla escenas reales como las que acabamos de describir a la par de construcciones.  En este trabajo explora nuevamente la identidad y fue presentado en el Museum of Modern Art de Nueva York a principios de octubre de 2007. Esta exploración ayuda a comprender por qué Nikki no se considera exclusivamente una fotógrafa, sino una artista que emplea los distintos medios a su alcance para plasmar sus ideas y conceptos.

Las múltiples capas de “Layers”

El siguiente trabajo que ha realizado hasta la fecha Nikki S. Lee se titula Layers (capas) de 2007 y es un ejercicio de performance donde solicita ser retratada por algún artista callejero en diferentes ciudades del mundo para luego superponer tres de los dibujos y hacerles una fotografía.
Shin Wijoong dice que “Estas imágenes de tres capas emborronan el contorno original del artista mostrando tres aspectos diferentes superpuestos. Más aún, la artista es mostrada como una francesa cuando le dibujan en París, como una española en Madrid y como argentina en Buenos Aires, de modo que Nikki, sin intentarlo, ha absorbido la ciudad en donde el retratista vive. En esta sociedad post-industrial donde la globalización se esparce por todo lados y la red en línea es tan densa como un sistema nervioso, Lee convierte su ausencia en presencia…”[44]

Como una nueva exploración de la identidad Layers reafirma la movilidad y fluidez de Nikki.

“En el budismo hay un dicho que reza ‘Puedo ser alguien más y alguien más puede ser yo también”. Pensamientos como este, reflexiones que te provocan a ponerte en los zapatos de los demás, han sido mi mayor enfoque, de modo que la gente tiene un papel significativa [en mi obra].” [45]

Nuevamente la exploración de los diferentes niveles de subyacencia, cómo ciertas capas emborronan otras pero se superponen para crear una realidad conjunta forman un complejo entramado que requiere un sofisticado juego de disección para poder desentrañar todas sus posibilidades.

El retorno al origen

En su senda, Lee Seung-hee se transformó en Nikki S. Lee, insertándose en la gran metrópoli para infiltrarse en la miríada de sub-culturas. Desde sus días escolares cuando soñaba en transfigurarse e intercalarse en otras realidades en búsqueda de su propia esencia hasta sus obras expuestas en gran formato en los foros y museos de arte reciente más importantes del mundo, Nikki S. Lee nos invita a un mundo complejo, engañosamente sencillo y accesible pero que se abre a tantas posibilidades como ojos que la miren. Nikki concluye “Mi vida y mi obra no están separados. Simplemente tengo más roles que otras personas. Y tengo fotografías.”[46]

 

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* Dr. Óscar Colorado Nates
Académico, crítico, analista y promotor de la fotografía.

Doctor «cum laude» en Ciencias de la Documentación por la Universidad Complutense de Madrid y Máster en Narrativa y Producción Digital por la Universidad Panamericana (Cd. de México) donde es Investigador de Tiempo Completo y Profesor Titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada así como Docente de Posgrado en Nuevas Narrativas.  
Autor de libros como Fotografía 3.0; El Mejor Fotógrafo del Mundo; Fotografía de Documentalismo Social; Instagram, el ojo del mundo; Fotografía Artística Contemporánea y Pensamientos Decisivos: 650 reflexiones fotográficas; Grandes de la Fotografía. 
Comunicador transmedia, es director y conductor del programa de radio Imagen Líquida y creador de productos audiovisuales de divulgación como FotoPop y reflexión como El Mundo de la Fotografía.
Colaborador en medios internacionales como BlackCamera o The Rolling Stone Magazine.
Fundador del Observatorio de Cultura Fotográfica. Miembro del Seminario de Imagen y Cultura, la Asociación Mexicana de Estudios en Estética (AMEST), el Seminario Permanente de Análisis y Crítica Cinematográfica (SEPANCINE) y de The Photographic Historical Society (Rochester, NY), entre otras agrupaciones académicas. Participa en el Programa de Apoyo a Proyectos para Innovar y Mejorar la Educación (PAPIME) de la Universidad Nacional Autónoma de México.

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Fuentes Audiovisuales

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• University of Michigan. Nikki S. Lee – Parts and Projects . Disponible en http://www.youtube.com/watch?v=bs6mlzYBY7E Consultada el 6 de abril de 2013