Tratar de comprender una fotografía artística contemporánea con las mismas herramientas que usamos para leer las imágenes familiares o del periódico no nos llevará demasiado lejos…
Ya hemos explorado en OscarEnFotos.com el mundo de la fotografía artística contemporánea en los artículos:
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¿Y eso es arte? La fotografía en arenas movedizas
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Arte conceptual y fotografía
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Fotografía Artística Contemporánea: Imagen e imaginación
Es el momento de retomar el tema y continuar discutiendo la idea y concepto como gérmenes cruciales en la fotografía artística contemporánea.
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Por Óscar Colorado Nates*
Aunque el cuestionamiento mismo sobre qué es el arte constituye el corazón del arte conceptual es necesario retomar la importancia de la idea como eje del hecho artístico. “En el Arte Conceptual la idea o el concepto es la parte más importante de la obra. Cuando el artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que toda la planificación y decisiones y la ejecución son superficiales. La idea se convierte en la maquinaria que produce el arte”. [1]
Un ejemplo muy concreto es el proyecto Landscape With a Corpse (2003) de Izima Kaoru. Esta serie fotográfica tiene como punto de partida una pregunta que le formula el autor a modelos y actrices: ¿Cón qué ropa te gustaría morir? La respuesta se plasma en una fotografía construida. Este es un ejemplo muy claro de la importancia de la idea que genera el proyecto artístico. La fotografía se convierte en el medio elegido por Izima Kaoru para plasmar su concepto y convertirlo en un hecho artístico.
Así como Izima Kaoru, muchos artistas contemporáneos construyen un cuerpo de obra fotográfico a partir de una idea, de un concepto. Como ejemplos vale la pena dar un vistazo a la fotografía contemporánea en China (aquí puede encontrarse nuestro informe especial sobre este tema) o la obra de artistas como Gillian Wearing, Kimiko Yoshida o Nikki S. Lee.
¡Los lectores al poder!
La idea (así, en cursivas) como productora del arte suena como algo muy atractivo y apropiado del lado del artista. Pero ¿qué ocurre cuando la idea pasa al lado del observador, a quien se le ha invitado a dejar aquel papel pasivo en el hecho artístico para hacerlo partícipe de la obra de arte? ¿Qué ocurre cuando el observador altera la obra de arte, su significado y su idea a partir de una lectura distinta a lo que pretendía el autor? Esto resulta complejo y, de alguna manera, atemorizante.
Uno de los problemas para comprender el arte contemporáneo (y por ende la fotografía artística reciente) es que se requiere contar con las herramientas, conocimientos e ideas necesarios para desentrañar el enigma que plantea. “La comprensión de los mensajes visuales depende de la capacidad que tienen los destinatarios para descifrarlos.”[2]
Es como recibir un cajón cerrado y sin llave. Hasta no tener la información clave será imposible abrirlo y esto que parece tan obvio no lo es, pues precisamente es la razón por la cual al acudir a una sala de museo se pregunta uno ¿Y eso es arte? Es un poco como si alguien pusiera un cofre lleno de lingotes de oro frente a nosotros, pero al estar cerrado y no darnos la llave dijéramos “¿Y eso es un tesoro?”
La fotografía requiere, como ningún otro medio, de este bagaje, de esta llave que permita su comprensión. El problema es que la imagen fotográfica da la impresión de estar ya completa, acabada, ergo se da por hecho. En otras palabras, debido a que en la fotografía lo que queda inmediatamente en la superficie es lo icónico, la imagen misma, la apariencia, el aspecto, es fácil dejar la lectura en ese nivel.
Un trabajador que acaba de comprar un diario en el que aparece una chica en bikini en las páginas centrales seguramente no se preguntará “¿Cuál es el valor de esta fotografía? ¿Es un happening donde la fotografía es un mero testigo? ¿Qué papeles están jugando los signos y símbolos en esta imagen fija?” El lector casual roza con una mirada impensada la fotografía pero nunca contempla la imagen. Solamente con la contemplación es posible que ocurra algo en el interior del observador. La observación no es pasiva, sino activa, pero requiere tratar de pasar la frontera de lo visual para tratar de hurgar más en el contenido y propósito de la imagen.
Es el momento de hacer una aclaración: A veces creemos que la fotografía es una forma muy accesible de mensaje, pero eso no es cierto. Fontcuberta nos recuerda que “Todo código de lenguaje es arbitrario, no sólo el de las palabras, también el de las imágenes, que no es universal.” [3]
El código visual no es universal
Como tendemos a pensar que el código visual es universal, solemos caer en la trampa de querer descifrar el significado de todas las fotografías con los códigos que nos son resultan habituales.
A veces damos por hecho la fotografía y su forma de leerla. Sin embargo, como nos recuerda Roland Barthes «la Fotografía no es ni una pintura ni… una fotografía; es un Texto, es decir, una meditación compleja, extremadamente compleja…»[4]
Cuando el observador casual camina por una galería y se enfrenta a una fotografía contemporánea, trata de comprender el significado de la imagen utilizando las mismas herramientas con las que descifra las fotografías familiares, las de su muro en Facebook, de los anuncios en autobuses, parabuses y carteleras espectaculares, o con el mismo juego de aparejos con el que interpreta las imágenes que aparecen en las revistas y periódicos. Por supuesto que no llega muy lejos pues al pretender utilizar estos códigos, la llave no funciona con estas imágenes renuentes.
Ante la confusión del observador fotográfico opera el mismo estupor del lector casual antes las profecías del Apocalipsis de San Juan: “Como en todas las visiones proféticas, los grandes acontecimientos nos son anunciados con imágenes simbólicas tomadas de un fondo tradicional que es necesario interpretar. Sólo entonces su aparente oscuridad se aclara. Luz y tinieblas, revelación e ignorancia, evocan un mensaje consolador y maravilloso.” [5]
De modo que, tanto si tuviéramos el código correcto para entender la fotografía artística contemporánea es como si tuviéramos los elementos para comprender el sentido de los símbolos bíblicos: Estaríamos en la senda adecuada para desentrañar el significado de las imágenes tanto proféticas como visuales.
François Soulages explica que “La obra fotográfica no es ya entregada llave en mano, con sus instrucciones de uso y sus prohibiciones: es una obra abierta, necesariamente abierta, obra viva que adquiere una dimensión nueva y un destino nuevo en cada realización: y la historia de la obra también está viva, porque cada recepción puede ser una nueva recreación.” [6]
En cierto sentido el observador le roba la imagen al fotógrafo. El lector se apropia de la fotografía. Sin embargo es necesario andar con cuidado, pues puede ocurrir lo que al ladronzuelo de poca monta que se lleva las baratijas y deja tras de sí lo realmente valioso.
Llega a tal grado el predominio de la interpretación del observador sobre la imagen que el fotógrafo de Magnum Leonard Freed declara en el marco de su proyecto Trabajo Policial: “…las hojas de contacto son algo privado, me pertenecen, en tanto que las fotografías, cuando ya no están en mis manos, adquieren una vida propia.” [7]
Este “adquirir vida propia” indica que ya no importa más el código empleado por fotógrafo en el momento de la toma. A menos que el autor explicite su intención, prevalecerá el código de cada lector. Hay que hacer notar que muchas veces se requerirá de otro tipo de código, el del lenguaje literario y entonces llega el otro complejo problema del diálogo entre los lenguajes literarios/ fotográficos. También recordemos lo que dice el fotógrafo japonés Daido Moriyama: “Al hacer una exposición de motivos o significados se mata la fotografía.”[7b] Entonces tal vez el autor no se manifieste abiertamente, por la razón que sea, y entonces la obra queda totalmente en manos de quien la lee.
Esto nos lleva a un nuevo problema y es ¿qué ocurre si el fotógrafo no estaba codificando una fotografía en términos de arte pero un observador encuentra arte donde el fotógrafo no pretendía que lo hubiera?
Arte y Sin Arte
Como la fotografía está viva y en cada recepción se puede dar una nueva re-creación (cada observador crea una imagen diferente), el problema es que el autor podría tener una intención puramente registral y, sin embargo, convertirse en ojos del observador en una obra de arte.
El ejemplo más clásico de este problema es la obra del fotógrafo francés Eugène Atget, de quien ya escribimos en otro artículo. Cuando hablábamos del Problema Atget uno de los puntos de conflicto era que el fotógrafo francés hacía sus fotografías con la pretensión de ofrecer referencias documentales para otros artistas su intención era registral, no artística. Sin embargo cuando Berenice Abbott observó estas fotografías y se las mostró John Szarkowski cobraron una dimensión nueva pues ambos observaron la obra de Atget como una gran obra de arte, independientemente de la intención de su autor.
Muchos fotógrafos dicen que una vez en manos el público, la fotografía deja de ser suya porque aunque importan las ideas y conceptos del autor, así como sus intenciones, el receptor re-crea la fotografía con cada mirada. Una mirada informada obtendrá una experiencia más rica, mientras que el lector casual pasará casi todo por alto.
Cruce de miradas: la transfusión del arte al sin-arte
El siguiente cuadro ofrece las distintas posibilidades de combinación entre la intención del fotógrafo y la recepción por parte de un posible observador. “…calificamos como ‘sin-arte’ lo que no se hace con una intención, un proyecto, una voluntad, una pretensión artísticas.”[8]
Soulages encuentra en el desplazamiento del arte al sin-arte un fenómeno de transfusión, donde las fronteras del arte al sin arte se borran y cruzan ambos territorios.
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Mirada documental-intención documental. En el caso A no hay problema, el fotógrafo hizo la imagen con una intención documental, registral, y el observador así la lee. Un caso concreto es una fotografía informativa publicada en un periódico. El fotógrafo hizo su fotografía con una intención registral, documentando un hecho mediante su cámara. Lector y fotógrafo están en consonancia.
Mirada artística-intención artística. El caso B tampoco ofrece problema: el fotógrafo pretendió crear arte y el observador sabe ver el arte. Hay que tener cuidado aquí porque el fotógrafo puede crear arte y el lector querer ver el arte pero no saber verlo. Aquí implica que el lector cuente con las herramientas, contexto, cultura, buen juicio, etcétera para poder desentrañar el mensaje que le ofrece el productor.
Mirada artística-intención documental. El caso C es más complejo porque implica disonancia pero dentro del marco del hallazgo. Es la situación de Atget: el productor crea un documento pero el lector observa una obra de arte. El fotógrafo puede incluso indignarse, pues su intención era totalmente distinta. Sin embargo la lectura es abierta, el propio fotógrafo puede dar su lectura, pero el observador encontrar algo totalmente distinto.
Soulages explica que “Si el desplazamiento del sin-arte al arte es tan cómodo y tentador en fotografía, esto se debe a tres razones: primero a la fotograficidad, que relaciona la experiencia de lo imposible con la de todos los posibles, lo trágico y la utopía, lo terminado y lo indeterminado; luego a la doble dialéctica generalizadora, esa contextualización que engendra una recepción estética; por último a la propia índole de una foto, que permite y requiere la proyección inconsciente y consciente del sujeto que la mira: abre sobre lo imaginario, evoca lo que está oculto, exige una respuesta a una pregunta, es un disparador de ensoñaciones, sueños y fantasías, solicita la creación de quien la ve, es poética y no demostrativa, es ofrenda de las formas, es interrogación sobre sí misma y los fenómenos.” [9]
En el fenómeno de la transfusión arte/sin arte, un ejemplo concreto es la fotografía neo-documentalista. La fotógrafa mexicana Graciela Iturbide declara: “Todos los fotógrafos hacemos fotografía documental, pero después todo depende de la interpretación de cada quien, si hay más o menos poesía, o imaginación.” [10] Efectivamente, el fotógrafo crea un documento, siempre existe un índice y la parte registral de la fotografía está ineludiblemente presente. Sin embargo, como bien dice Iturbide, “depende de cada quien” y esto implica tanto al fotógrafo como al observador.
Como apunta Costa, «las imágenes, sin embargo, no son objetivas ni subjetivas. Son por naturaleza, intersubjetivas. Son el punto de encuentro del sujeto que las ha producido con una determinada intencionalidad y otro sujeto que las contempla desde su interpretación. Es la mirada de cada quien la que hace el significado.» [11]
Fotografía artística contemporánea: tres ideas
Podemos quedarnos con tres ideas que pueden ser claves útiles al tratar de comprender la idea y concepto en el arte contemporáneo:
1. No caer en el «intencionalismo». ¿Qué quiso decir el artista? ¿Cuál era su intención? La fotografía contemporánea es un ejercicio activo para el observador, una obra abierta a lo que cada lector quiera aportar con su propio bagaje. Es interesante conocer la intención del autor, pero a veces no lleva demasiado lejos. ¿De qué nos serviría conocer la intención de Boticelli cuando hizo su famosa Venus? Esto no quiere decir que se deseche, sin más, la intención del autor, pero no que se le de un papel tan preponderante que se pierda la miríada de posibilidades de generar nuevos significados a partir del lector. ¿Cuál era la intención del autor? Más bien habría que hacerse muchas otras preguntas que conciernen a la relación entre la obra y el observador. Para profundizar este tema, se puede consultar nuestro texto Sobre la intención del fotógrafo.
2. De la obra a la conexión. Durante el modernismo y las vanguardias de las entre-guerras, la obra y el autor tenían un papel fundamental donde primaba la originalidad. Hoy habría que pensar que en el arte contemporáneo en general, y en la fotografía artística contemporánea en particular, lo que importa más bien es la conexión que desea hacer el autor. Esta es una llave que nos puede ayudar a descifrar el valor de una fotografía artística contemporánea. El siguiente ejemplo es una pieza artística de Barbara Kruger donde importan mucho las conexiones que realiza la autora entre fotografía/diseño gráfico, texto fotográfico/texto literario, denotación/connotación, temas políticos y artísticos, entre muchos otros que pueden encontrarse en sus obras.
3. De la pieza unitaria al cuerpo de obra. Con frecuencia, los artistas contemporáneos que utilizan la fotografía como medio de expresión realizan series. Cuando se observa una fotografía aislada, no siempre es fácil comprender su sentido. Por eso vale la pena indagar si lo que vemos es una pieza individual o si forma parte de un cuerpo de obra más extenso. Por ejemplo, la siguiente fotografía de la mexicana Dulce Pinzón puede ser comprendido de una manera totalmente distinta si no se conoce ni comprende el conjunto al que pertenece:
A manera de conclusión
En suma, la fotografía es una expresión artística donde la idea, el concepto -concebido a partir de las ideas de Marcel Duchamp– pueden ser claves fundamental para la creación de conexiones a partir del punto de vista del autor, y cuyo descubrimiento por parte del observador puede constituir una llave para descifrar el enigma de la fotografía artística contemporánea.
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Artículos relacionados:
- Géneros y Subgéneros de la Fotografía Artística Contemporánea.
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Postfotografía: la fotografía en la era de la conectividad
* Óscar Colorado Nates es Profesor/Investigador titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada en la Universidad Panamericana (Ciudad de México).
Es autor de los libros:
- Ideas Decisivas: 800 reflexiones fotográficas (2a. Edición)
- Fotografía 3.0 Y después de la Postfotografía ¿Qué?
- Instagram, el ojo del mundo
- Fotografía de documentalismo social
- Fotografía Artística Contemporánea
- El Mejor Fotógrafo del Mundo.
Columnista en el periódico El Universal (Cd. de México).
Editor y Director General de la revista fotográfica MIRADAS.
Co-fundador de la Sociedad Mexicana de Daguerrotipia y miembro de The Photographic Historical Society (Rochester, NY).
Las opiniones vertidas en los artículos son personales y no reflejan necesariamente las posturas de la Universidad Panamericana.
© 2012-2015 by Óscar Colorado Nates. Todos los derechos reservados.
Fuentes de investigación
Bibliografía
- Costa, Joan. La fotografía creativa. Edit. Trillas, México, 2008
- Fontcuberta, Joan. La cámara de Pandora. Edit. Gustavo Gili, Barcelona, 2011
Godfrey, Tony. Conceptual Art. Edit. Phaidon, Londres, 2006. Pág. 11 - Sorlin, Pierre. Los hijos de Nadar (El ‘siglo’ de la imagen analógica). Edit. La marca editora, Buenos Aires, 2004, Pág. 68
- Portillo Guzmán, Fernando. El hombre que no cesa: August Sander y Richard Avedon, artistas con cámaras fotográficas publicado en Terceras Jornadas Imagen, Cultura y Tecnología (3, 2004, Getafe, Madrid).
- Lubben, Kristen. Magnum. Hojas de contacto. Edit. Blume, Barcelona, 2011
- Soulages, François. Estética de la fotografía. Edit. La marca editora, Buenos Aires, 2010
Notas de Internet
Kenjirô Fujii, Near Equal Moriyama Daido, Disponible en http://www.youtube.com/watch?v=KUAk84LDFVA Consultada el 18 de agosto de 2013
Murcia Marisela, Ir a las fotos, Fotoespacio, http://www.fotoespacio.cl/portal/index.php?option=com_content&view=article&id=168:graciela-iturbide&catid=47:notas-sobre-fotografia&Itemid=58 Consultada el 22 de agosto de 2015
Pilar Amador Carretero, Jesús Robledano Arillo y María Rosario Ruiz Franco (eds.). Madrid: Universidad Carlos III, Editorial Archiviana, 2005, Disponible en http://e-archivo.uc3m.es/bitstream/10016/9010/1/hombre_portillo_IC_2005.pdf Consultada el 27 de julio de 2012
Notas
[Todas las notas en idioma extranjero han sido traducidas por el autor.]
[1] Godfrey, Tony. Conceptual Art. Edit. Phaidon, Londres, 2006. Pág. 11
[2] Sorlin, Pierre. Los hijos de Nadar (El ‘siglo’ de la imagen analógica). Edit. La marca editora, Buenos Aires, 2004, Pág. 68
[3] Fontcuberta, Joan. La cámara de Pandora. Edit. Gustavo Gili, Barcelona, 2011, p. 54
[4] Portillo Guzmán, Fernando. El hombre que no cesa: August Sander y Richard Avedon, artistas con cámaras fotográficas publicado en Terceras Jornadas Imagen, Cultura y Tecnología (3, 2004, Getafe, Madrid). Pilar Amador Carretero, Jesús Robledano Arillo y María Rosario Ruiz Franco (eds.). Madrid: Universidad Carlos III, Editorial Archiviana, 2005, p. 183-193 http://e-archivo.uc3m.es/bitstream/10016/9010/1/hombre_portillo_IC_2005.pdf Consultada el 27 de julio de 2012
[5] Ibídem
[6] Soulages, François. Estética de la fotografía. Edit. La marca editora, Buenos Aires, 2010 Pág. 343
[7] Lubben, Kristen. Magnum. Hojas de contacto. Edit. Blume, Barcelona, 2011, pág. 243
[7b] Kenjirô Fujii, Near Equal Moriyama Daido, Disponible en http://www.youtube.com/watch?v=KUAk84LDFVA Consultada el 18 de agosto de 2013
[8] Soulages, François. Op. Cit. Pág. 161
[9] Soulages, François. Op. Cit. Pág. 181
[10] Murcia Marisela, Ir a las fotos, Fotoespacio, http://bit.ly/uZoKpx consultada el 16 de noviembre de 2011
[11] Costa, Joan. La fotografía creativa. Edit. Trillas, México, 2008 Pág. 82
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Muy interesante, aunque creo que si queremos hacer arte mas vale huir de toda etiqueta y todo concepto preevio. Esto, en mi humilde opinión, no son mas que ataduras…el verdadero artista es y esta..como en un momento Zen….
De hecho el propio Cartier-Bresson tenía esta suerte de visión Zen. El Zen se contrapone en muchos sentidos a estos análisis porque entran más en el terreno de la filosofía en el sentido helénico, en una elucubración del logos y por supuesto implica una intención (teleología) que como tu apuntas, está más en el terreno de las etiquetas (el logos de nuevo entrometiéndose). Pero te tengo una buena noticia: desde hace algunos años (unos cinco al menos) estoy trabajando un libro sobre Tao y Fotografía que, estoy seguro, te gustará. Creo que es muy interesante tu punto porque la idea y concepto se refieren mucho al arte postmoderno y, sin embargo, desde el punto de vista del artista no se requiere necesariamente de una intención y es en cierta medida, como bien dices, una atadura. Yo aquí aclararía que lo que estoy haciendo es revisar y estudiar el fenómeno de la fotografía artística en los últimos 40 años donde lo que ha prevalecido, sin duda, es una búsqueda lógica (una búsqueda basada en el logos) porque al ser herencia de Duchamp y su arte conceptual, el arte es visto más como una operación intelectual que como una visual. Nos toca a nosotros los artistas determinar si queremos seguir esa senda o si deseamos ir por otra vía; es decir, tu planteamiento me parece fantástico porque implica nuevamente el traspasar una frontera para cuestionar nuevamente qué es el arte, y entonces es una propuesta muy interesante el crear una fotografía ateleológica, sin etiquetas, más enmarcada en el momento Zen del que tú hablas. ¡Ya se ve que la fotografía aún tiene mucho por andar gracias a tí! ¡Un abrazo, Rafa!
Hola, cuando esté a la venta el libro me interesaría saber.
Saludos!!!
Estimada Rosa Delia, precisamente hoy mismo estoy dando las últimas revisiones para ir a imprenta. Espero que en unas semanas ya esté disponible. Te contactaré en cuanto esté listo. Recibe muchos saludos, Óscar Colorado
Entre tanto blog de «fotografía» que no hace más que discutir sobre equipo fotográfico, tu trabaja es una rara gema. Gracias
Estimado Felipe, muchas gracias por tu comentario. Efectivamente, estamos plagados de información sobre equipo fotográfico y con todo lo interesante que puede resultar, tener una mejor cámara no es garantía de hacer mejores fotos, en cambio con una cámara modesta pero con una mente bien equipada, el fotógrafo puede contar con más elementos para crear. Espero que recomiendes el blog para que más personas pueden aprovechar su contenido. Muchos saludos, Óscar Colorado
Me ha gustado estas entradas en este blog porque ando buscando como expresarme, como dar mi visión del mundo a través de la fotografia. Estoy encontrando las herramientas que me hacen falta y necesitaba saber si lo que quiero hacer es arte o no. He visto que es muy complejo de definir y que depende de la lectura posterior.
Ha sido genial encontrar un blog que aprofundice sobre este tema y no tantos blos sobre técnica. Es necesaria hasta que sabes que te hace falta para «hablar».
Me alegra saber que te ha servido el blog. Efectivamente, definir si algo es o no arte es un tema muy complejo. Saludos, Óscar Colorado
Me gusta el concepto de que en la fotografía artística el espectador juega un papel importante.
Lo estupendo de la fotografía contemporánea es que además de que el espectador es un co-creador de alguna manera se re-crea la fotografía con cada mirada. ¡Saludos hasta Monterrey! Óscar Colorado
Cuando hablas sobre las miradas, me interesa una en particular, la de intención documental y mirada artística, si hacemos este tipo de fotografías, no entraríamos en un conflicto, porque Atget hizo fotos de registro sin saber que serían consideradas artísticas, pero si hoy quisieras hacer o seguir su ejemplo, no nos estaríamos confrontando con la idea original?
y otra pregunta… de donde sacaste la idea de las 4 miradas?? porque es el primer lugar donde veo que hablan de ellas y en ningún otro sitio web o libro las he visto, o si están en algún libro podrías facilitarme su titulo!!!
gracias!!!!
La idea de las cuatro miradas la publiqué por primera vez en mi libro «Fotografía Artística Contemporánea» que se puede citar de la siguiente manera:
Colorado Nates Óscar, Fotografía Artística Contemporánea, Edit. Universidad Panamericana, México, 2013, Pág. 64
Estoy tomando un taller muy interesante y se comentó algo sobre la fotografía 3.0 este término o clasificación se me hace muy oportuna. Buscando algo más sobre el tema llegue contigo me podrías decir donde puedo encontrar más info al respecto? Dónde o quien inició esta muy «ad-hoc» clasificación ? Gracias.
Estimado Antonio, esta denominación de Fotografía 3.0 la hice yo porque no me pareció completo ni satisfactorio el término «Postfotografía». El análisis para hacer esta denominación está publicado en mi libro titulado «Fotografía 3.0 Y después de la Postfotografía ¿Qué?» editado por la Universidad Panamericana (2014), donde explico en detalle por qué pienso que esta etapa actual se debe denominar Fotografía 3.0 Puedes conseguir el libro en formato electrónico en Amazon aquí http://amzn.to/1zIiPYk o solicítalo en el formulario de contacto disponible en http://www.solucionesbibliograficas.com
me encontré con su blog por casualidad y no pude evitar no detenerme a leerlo…
Quisiera hacerle las siguientes preguntas
– ¿usted prefiere lo digital o lo analógico?, sin pensar en las ventajas y desventajas, solo la preferencia….
– ¿influye sobre las personas aficionadas lo analógico antes que lo digital en el resultado final de sus creaciones fotográficas?
Saludos, excelente blog, me daré el trabajo de leer sus publicaciones ya que no todos los días uno se encuentra con algo escrito por un profesor de Fotografía Avanzada de manera gratuita.
Hola Migue, muchas gracias por visitar este espacio. Tengo quince años trabajando en digital y solamente trabajo en analógico para procesos de época, como el daguerrotipo. La fotografía análoga tiene su encanto, por supuesto. Personalmente el aprender en digital tiene grandes ventajas por lo práctico, la rapidez y el costo. Quienes inician en digital y luego abordan lo analógico hacen descubrimientos importantes y tienen una apreciación adicional del medio, pero es como escribir a mano en máquina de escribir y en un procesador de texto: a la larga lo que importa es lo que uno tenga que expresar y ya utilizará los medios que se ajusten mejor a esa necesidad de plantear una visión. Yo personalmente lo hago desde lo digital. ¡Un saludo grande!
De nuevo, un excelente trabajo Oscar. ! Lo compartiremos !
Muchísimas gracias 🙂
Definitivamente pienso que sin un espectador diferente del autor la fotografía carece prácticamente de valor. Es necesario que alguien la vea, la sienta, la interprete desde su visión muy particular. Esto pasa con todas las formas de arte, la música, el cine, la pintura, la literatura, etc. A mí me pasa, por ejemplo, que no veo nada extraordinario en la obra de Picasso, esto para muchos puede ser ignorancia, y es posible que lo sea, pero es mi visión la que me guía al juzgar y no puede desprenderme de ella, al menos que encuentre nuevos puntos de juicio que por el momento no poseo. GRACIAS por este artículo. Saludos
Gracias Ernesto, efectivamente, el observador es un punto de encuentro y de diálogo y uno va creciendo y apreciando cosas distintas en cada momento. Hubo una época en la que se burlaban de que Picasso necesitaba traducción, y en el fondo era verdad.
Hola Oscar, desde Uruguay te saludo y agradezco por este articulo muy interesante para mi. Saludos
Hola Jorge, gracias por tu comentario, qué bueno que te ha sido interesante en este tema donde es fácil perderse un poco. ¡Un saludo hasta Uruguay!
Hola Oscar, desde España felicitarte por la claridad explicativa de los caminos que llevan a la fotografía artística. En julio me voy a San Diego a realizar un ensayo fotográfico correspondiente al año de máster que realicé. Ojalá pudiera debatir mi tema contigo pues necesito concreción en mi idea. Saludos y feliz por haberte encontrado.
Hola Cristina, muchas gracias por lo que me dices. Por supuesto sería un gusto conversar contigo sobre tu proyecto. Mándame un mensaje desde el formulario de contacto al final de «Acerca de…» para que podamos dialogar. ¡Muchos saludos y suerte en San Diego!
excelente! gracias por la buena información . soy estudiante de una academia de arte y de verdad es muy útil la información
Jessica, gracias por el comentario. Qué bueno que te ha gustado este contenido, espero que puedas compartirlo con otros. ¡Muchos saludos!
Grande el artículo. Contenido filosófico, menos equipitos fotográficos y más sentimiento. Tempus fugit. Si alguien quisiera comentar mi trabajo , http://www.jordimanau.com
Jordi, gracias por el comentario y por tu enlace. Le voy a dar un vistazo y ya te contaré. ¡Gracias por visitar este espacio!
que buen contenido y aporte estan dando con esta pagina.. se puede ganar mucho conocimiento aqui gracias por lo aportado.. feliz dia
Gracias Brandon, me da gusto que te sirve y encuentres material que te sea de utilidad. ¡Muchos saludos!
felicitaciones! disfrute mucho la lectura de tu blog, GRACIAS!!
Muchísimas gracias Ángela 🙂 Espero que sigas encontrando información que sea de tu interés.
Excelente trabajo, cito textualmente algunos comentarios tuyos en clase (soy profesor en una escuela de fotografía) y se producen discusiones muy enriquecedoras (para ellos y para mi). Lo importante es que enriqueces el punto de vista de cuantos participamos de la experiencia fotográfica, es decir, autor, crítico, historiador y espectador.
Estimado Germán, no sabes lo feliz que me hace recibir tu comentario porque me indica que este trabajo está cumpliendo su propósito de despertar la discusión y la reflexión. En verdad mil gracias por usar mi material en tus clases. ¡Un abrazo fuerte!
Genial el artículo, para leerlo varias veces. Estoy inmerso en mi primera exposición contemporánea, me sería de gran ayuda me dieras tu opinión antes de presentarla. Mucho ánimo y muchas gracias por tu saber. Un saludo Pepe
Pepe, contáctame a través de la página «Acerca de…» para poder ver tu material, será un gusto. ¡Abrazo fuerte!
tu blog es maravilloso
De verdad ¡Mil gracias! 🙂 ¡Muchos saludos!
Estimado maestro Öscar… Saludos… Este artículo me reafirma lo que estoy seguro han dicho muchos, pero que para mi el descubrirlo me resulto muy gratificante… La verdadera fotografía es la que queda en la mente y recuerdo del observador… es una imágen hecha por el mismo la cual puede ser una pieza de algo mas grande en su interior (Ej. El recuerdo y recreación de algo en su vida, etc.) hasta llegar al punto de ser totalmente diferente a lo que en su momento observo en la imagen del autor. Gracias por compartir. Un abrazo.
Muchas gracias. Efectivamente, la comrpensión del arte como concepto-idea es crucial y nos abre dos llaves: una a la de una mejor comprensión del arte contemporáneo, pero la otra es para abrirnos posibilidades como artistas para explorar nuevos territorios que van más allá de la artesanía y que pueden ofrecernos posibilidades creativas ilimitadas. ¡Muchos saludos!
Antes que nada me parece maravillosa y nutritiva la investigación que plasma en su blog, muchas felicidades. Quisiera saber si exiten algunos libros en donde se defina tal cual la fotografía conceptual. He buscado y no he corrido con suerte. Espero me pueda orientar un poco. Saludos!
Probablemente el libro donde se trata mejor el tema es «Arte y fotografía» de David Campany (Edit. Phaidon), otro libro interesante es Contemporary Art Photography de Charlotte Cotton (Ed. Thames & Hudson) pero me quedo con el de Campany que, además de estar en español, es muy interesante en términos de explicar el tema y con una gama de artistas actuales de la lente. Espero que te sirvan estas referencias. ¡Un abrazo y mil gracias por los comentarios!
Hola! Excelente artículo, como siempre Oscar. Pero tengo una duda: no caer en el intencionalismo del autor y buscar la conexión que este hace con su obra no son dos puntos que se contradicen?
Muchas gracias Franco. En el fondo el tema es que una cosa es lo que esperaba el fotógrafo de su obra y otra lo que recibe el espectador. El observador siempre mirará desde su subjetividad, entonces aunque el fotógrafo hubiera hecho una foto con intención alegre, si el observador está deprimido, podría ver una fotografía triste. Existe un tramado muy complejo entre esa conexión del fotógrafo con su obra y también del contexto de su vida con su trabajo. Creo que lo importante, tal vez no lo supe plantear exactamente así en el artículo, es que la fotografía es un fenómeno poliédrico que siempre sufre con el reduccionismo. Es decir, si solamente tomamos en cuenta la intención del autor, se pierde el papel del visionado. Si solamente le otorgamos importancia a lo que la gente puede mirar, perdemos aquello que motivaba al artista. En realidad, en la fotografía lo que importa es la porosidad y el admitir los distintos niveles de sentido que puede encerrar una imagen, sin querer reducirla a un solo criterio de lectura. ¿Qué opinas? ¡Muchos saludos y mil gracias por el comentario!
Una forma excelente de utilizar este arte para crear concienciación y conseguir expresar. Nuestras ideas a través del arte pueden verse más concisas y precisas. Un saludo
Muchas gracias Anabel por el comentario. ¡Saludos!