Continuamos nuestra serie sobre el retrato y en esta ocasión presentamos un informe especial del autorretrato, una de las expresiones fotográficas más importantes que ha encontrado una época de oro en el nuevo milenio gracias a las redes sociales.

Por Óscar Colorado Nates* 

I N T R O D U C C I Ó N

Facebook y la fiebre del
autorretrato en el siglo XXI

Facebook, Twitter, Flickr o incluso el desgastado MySpace se han convertido en los grandes disparadores para el extraordinario auge del autorretrato en el siglo XX. La creciente popularización de los smart phones y sus inseparables apps han generado un surgimiento del autorretrato sin precedentes.

Laura Cumming, crítica británica de arte para The Observer declara que:

“En el siglo XXI hacemos imágenes de nosotros mismos continuamente. Ahora todos somos autorretratistas. Nos fotografiamos intentando distintas poses, vestidos e incluso personajes: distintas versiones de nosotros mismos para mostrar al mundo.”[1]

No es este extraño este auge porque, para comenzar, las propias redes sociales exigen un autorretrato para incluir en el perfil del usuario.[2]

La creciente popularización de Facebook ha creado un espacio tan indispensable que puede llegar a genuinos grados de adicción.[3] Esta red se ha convertido en uno de los grandes repositorios de la cultura visual vernácula a través de fotografías de aficionado que versan sobre los temas de la vida cotidiana: vacaciones, salidas al parque, visitas al club nocturno, fiestas, reuniones de amigos y, por supuesto, autorretratos. “Las fotografías de grupo con etiquetas agregadas y número de amigos que las han visto se han convertido en los significadores de valor en la red, y un signo de participación en el mundo digital.”[4]

Hay que agregar que Instagram se ha convertido en una plataforma visual sin paralelo donde el autorretrato ha encontrado el culmen de su popularidad. La poetización que ofrecen los filtros de esta aplicación para dispositivos móviles han provocado una gran fascinación al permitir una mirada renovada a los sujetos y motivos cotidianos.

Autorretratos… hasta el cansancio

Aunque la difusión del autorretrato en las redes sociales es en un fenómeno social significativo, también se ha convertido en una suerte de plaga visual con amantes y detractores.

“Por supuesto no hay nada inherentemente malo en publicar autorretratos. A final de cuentas la apariencia es una parte significativa de la vida que se documenta utilizando servicios sociales como Instagram. Hechas con buen gusto y de manera periódica, el autorretrato puede agregar personalidad y contexto a la interminable retahíla de café, gatitos y amaneceres. Y, como ocurre en el mundo real, nuestro cerebro adora el impulso al ego que se obtiene mediante los cumplidos.”[5]

El auge del autorretrato en estas primeras dos décadas del siglo XXI tiene que ver con una sociedad occidental narcisista y también con un cambio en la percepción del pudor: la capacidad de diferenciar entre lo público y lo privado, lo que puede compartirse y lo que es mejor dejar como parte de las esfera personal reservada.

“Algunas de estas fotografías resultan demasiado íntimas. Conforme se hace scroll, se tiene la sensación de que se está espiando a través de una ventana a un mundo al que no se está invitado. Pero la tecnología social y móvil nos ha dado millones de pequeñas rendijas para asomarnos al mundo de los demás…”[6]

Y es que en el mundo de la interconectividad, podemos estar distanciados de un conocido o llevar veinte años sin hablar con algún compañero de la escuela pero enterarnos con una foto mal hecha que desayunó unos huevos con jamón y café con leche. También podemos conocer el estado de la vida sentimental de los demás, pues en cuanto alguien tiene una nueva relación sentimental el reflejo en la «foto del perfil» es instantáneo. Esta falta de pudor, especialmente entre los más jóvenes, sobre qué se publica en las redes sociales se ha convertido en desafortunado banco de datos para secuestradores en países como México.[7]

¿Por qué necesitamos hacernos autorretratos?

Ante las quejas de los autorretratos espantosos en las redes sociales surge una pregunta crucial que formula Kate Knibbs en Digital Trends: “Si estos selfies [autorretratos] son tan horribles, ¿Por qué son tan populares?”[8]

El fenómeno del autorretrato, la auto-indulgencia visual y la imperiosa necesidad de compartir con los demás nuestra apariencia ha sido una constante en la historia del arte.  El autorretrato no es un género nuevo, al contrario “…prácticamente todo artista, en todo medio, desde pintores hasta escultores se han aproximado a la exploración del ser.”[9] La necesidad de hacer autorretratos parece una urgencia humana tan apremiante como nuestra peculiar exigencia por la socialización.

P R I M E R A    P A R T E

¿Qué es un autorretrato?
Definición, historia y tipología

Ontología: definición

Laura E. Herman Myers realiza un conjunto de punzantes cuestionamientos que nos permiten abrir el apartado sobre la esencia del retrato: “¿Qué es una autorretrato? ¿Cómo comunican los artistas su identidad por medio de los autorretratos?  ¿Cómo puede un autorretrato expresar tu identidad? ¿En qué sentido es diferente tu identidad de la de tu mejor amigo? ¿Cómo afecta la presión social tu identidad? De todas las fotografías que has hecho de ti ¿Cuáles te han gustado más y por qué? ¿Qué recuerda esa fotografía y por qué? ¿Cómo muestra la fotografía tu identidad?”[10]

El autorretrato implica la creación de una imagen cuyo sujeto es el propio artista que realiza la obra de arte. Lo mismo puede ser una escultura, que una pintura o una fotografía.

“Históricamente el autorretrato […] se ha entendido como una representación de las emociones, una actualización externa de los sentimientos internos, un penetrante auto-análisis y una auto contemplación que otorgan inmortalidad al artista.”[11]

Sin embargo un autorretrato es mucho más que una representación visual mimética del artista. Realmente es una narrativa abierta a la interpretación del observador donde el artista propone su propia auto-revelación, auto-preservación y en última instancia auto-creación.[12]  Es decir, estamos viendo la invención que hace de sí mismo el autor. Aunque podría parecer que estamos viendo su imagen, más bien contemplamos una suerte de “doble”[13] inventado por el artista.

Sin embargo, a pesar de que este doble pueda ser una fantasía, una proyección de lo que el autor desea ser o incluso una teatralización, el autorretrato siempre “delata las verdades más profundas de su creador.”[14]

Aspectos psicológicos del autorretrato: la vida interior

Hasta los inicios del siglo XX se la ha otorgado al retrato connotaciones psicológicas, impulsadas por las teorías de Sigmund Freud, desde siempre el autorretrato es una indagación de la vida interior.  Como indica Jessica Mraz, “El autorretrato de un artista es una invaluable pieza de su alma.”[15]

Aún cuando el autorretrato juguetee con los diferentes papeles sociales de su autor es una senda que termina llevándonos, tarde o temprano, a sus demonios y sus sueños. Sin embargo la auto-exploración psicológica mediante el autorretrato es más bien reciente.[16]

Funciones del autorretrato

La indagación sobre la psique del artista no es la única función que ha desempeñado el autorretrato. Además de la propia auto-examinación y auto-representación ha servido como firma, para rememorar el pasado, lograr una catarsis emocional, construir la propia identidad o indagar sobre ella, incluso como publicidad de las habilidades del autor sin dejar de mencionar sus posibilidades experimentales para jugar con alguna técnica o forma de expresión.[17]  [18]

Las razones para crear un retrato han sido, pues, diversas. Tampoco hay que olvidar los motivos más pragmáticos que  frecuentemente eran divergentes del mero narcicismo: el artista siempre es un modelo dispuesto y gratuito para poder trabajar.[19]

Pero, al final, todo autorretrato “parece sugerir una forma de auto exploración”[20] que revela una verdad incontrovertible: “…cómo se ve el artista a sí mismo.”[21]

Estas representaciones que han hecho los artistas de sí mismos han sido tan diversas como antiguas. Parece ser que pocos artistas han escapado del embrujo de su propio ser. La lista de autores que se han explorado a sí mismos mediante su arte parece interminable: Ghiberti, Rafael, Carracci, Lippi, Sassoferrato, Gentileschi, Murillo, Miguel Ángel, Rembrandt… Tal vez sería más fácil enumerar a quienes no han explorado el autorretrato. Sin embargo aunque casi todos los artistas han recurrido al autorretrato en algún momento de su vida, no todos han tomado la autorrepresentación como un genuino leitmotiv. Algunos autores, por otro lado, sí recurrieron a su propia imagen: Durero, Rembrandt, Van Gogh, Schiele o Khalo son algunos ejemplos.

El autorretrato de firma

El autorretrato inicia con las manifestaciones artísticas de la antigüedad, específicamente en Egipto y lo hacen con una forma muy particular: el autorretrato de firma.

Esta  forma de auto-representación implica la inclusión de la imagen del autor de una obra de arte de manera discreta con una doble función: marcar la obra como creación propia y como una auto-representación.

“Los autorretratos se remontan en el antiguo Egipto al período Amarna (ca. 1365 a.C). Bak, escultor en jefe del faraón Akhenatón grabó su autorretrato y el de su esposa Theri.”[22]

En Grecia, Fidias -quien realizó esculturas para el Partenón- fue encarcelado en el año 438 a.C. por dejar su firma en “…un pequeño autorretrato en el escudo de Atenea. Su calva y arrugas fácilmente reconocible contrastaba con las idealizadas figuras de los héroes helénicos. El crimen era doble: el Partenón no era sitio para representaciones humanas y el escultor no podía recibir el crédito por una obra divina.”[23]

Otro autorretrato de firma famoso es el realizado por el orfebre Lorenzo Ghiberti en 1401 en las puertas del baptisterio de la Catedral de Florencia.[24]

“Jan van Eyck [Bélgica, 1395-1441] parece haberse auto-representado en un pequeño detalle de su obra maestra el Altar de Ghent, terminado en 1432. Pero su pintura más influyente del período, Retrato de Boda  de 1434 empleó un uso peculiar del autorretrato: Una joven pareja enfrenta al espectador mientras expresa sus votos matrimoniales. En un espejo detrás de la pareja se revela la presencia en el lugar de Jan Van Eyck. La inscripción arriba del espejo reza «Johannes de Eykc fuit hic», es decir «Jan van Eyck estuvo aquí. »”[25]

Para la Edad Media y el Renacimiento, el autorretrato de firma era cosa común. En las catedrales, como las de Santiago de Compostela y la de Praga los arquitectos grababan imágenes de sí mismos en lugares poco visibles.[26]

Otro caso interesante es el de Rogier van der Weyden (Bélgica, 1400-1464). En su obra San Lucas Pintando a la Virgen el evangelista tiene un curioso parecido a van der Weyden.

No es extraña la gran necesidad de auto-afirmación de los artistas de esa época. En la Edad Media los pintores y escultores eran vistos como artesanos y muy por debajo de los músicos y poetas en la escala social.[27]

No olvidemos, como explicamos ya al hablar del retrato, que los propios mecenas deseaban ávidamente contar con una pintura de su propia efigie. ¿Acaso los propios artistas no podían aspirar a un autorretrato? Por ello no es extraño que las apariciones sutiles de autorretratos en el siglo XV fueran cada vez más recurrentes.[28]

El autorretrato de firma ha llegado hasta nuestros días y fotógrafos como Lee Friedlander (Estados Unidos, 1934) y sus sombras incluidas en el cuadro o la discreta inclusión de las fotógrafas Imogen Cunningham (Estados Unidos, 1883-1976) o Vivian Maier (Estados Unidos, 1926-2009) son ejemplos de artistas del siglo XX que le han dado un renovado aire al autorretrato de firma aunque con intenciones y funciones distintas.

El autorretrato como proyección/idealización

El autorretrato no siempre ha sido una mera mímesis visual: también ha capturado desde siempre las aspiraciones sociales de los artistas. Desde Durero hasta Warhol la urgencia por la reafirmación de lo que el artista desea ser es una constante en el autorretrato.

“Desde una etapa temprana en la historia del autorretrato, los artistas se dieron cuenta que podían proyectar ideas particulares acerca de sí mismos.”[29]

De todos los artistas que han utilizado el autorretrato para proyectar una imagen idealizada de ellos mismos resalta Albrecht Dürer (Alemania, 1471-1528), mejor conocido en nuestros países de habla hispana como Alberto Durero, es el autor más importante del renacimiento alemán y uno de los autorretratistas indispensables.

“Durero parecía estar fascinado por su propia imagen. Su primer retrato se remonta a su adolescencia en 1484. Continuó explorando sus cambios de imagen y estatus social hasta 1522, unos años antes de su muerte cuando se usó a sí mismo como modelo en Cristo Varón de Dolores (Ecce Homo).”[30]

Durero utilizaba, a no dudarlo, sus autorretratos como una forma de auto promoción y para proyectar un aire de importancia social.[31]

El autorretrato como auto-proyección e idealización es el más común en la era de las redes sociales. Nadie se muestra a sí mismo como lo haría en una imagen puramente registral como una fotografía de pasaporte. Siempre existe una poetización o dramatización que puede rayar (por no decir que suele rayar) en el ridículo. Hoy más que nunca existe una obsesión por la apariencia personal, promovida por una sociedad de consumo cuyo máximo bien es el cuerpo convertido en mercadería. Si el cuerpo se ha convertido en cosa y objeto de consumo, su principal aparador es el autorretrato y más particularmente el autorretrato en las redes sociales. Pero esto no es invento de Justin Bieber ni de Angelina Jolie sino, en todo caso, de Durero.

Si en Albrecht Dürer había una forma de idealización que podría rayar en la fantasía, en el siglo XIX Gustave Courbet llevaría estas proyección más allá de la realidad para entrar en el terreno de lo imaginario, de lo fantástico. En 1855 Courbet crea L’Atelier du peintre, «El estudio del artista», un óleo donde realiza un conjunto de representaciones alegóricas sobre la vida  de su autor donde el pintor se auto-representa numerosas veces y de forma idealizada en múltiples escenas.

El autorretrato como auto-estudio

Después de Durero inicia un nuevo momento en el autorretrato donde ya no se trata de una idealización ni una proyección, sino una mímesis: Se trata del autorretrato como auto-estudio donde su autor dice “este soy yo, así soy yo.” Se trata de un “…mapa del envejecimiento y una exploración del cambio psicológico o una expresión de variados estados de ánimo.”[32]

Probablemente el mejor ejemplo de autorretrato como autoestudio es Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Holanda, 1606-1669). Además fue uno de los artistas donde este género ya no se trata de un divertimento aislado sino una parte relevante en su producción artística.

Una diferencia importante entre Durero y Rembrandt es que éste último se auto-representa tal como es: Se puede distinguir su edad e incluso estado de ánimo en cada autorretrato.

En un principio los autorretratos de Rembrandt eran grabados y se utilizaba a sí mismo como modelo para probar nuevas posibilidades expresivas y experimentaciones formales.[33]

Respecto del tema de las emociones que se traslucen en sus autorretratos, hay que decir que probablemente sean un sub-producto no necesariamente deseado pues en su tiempo “los  artistas no exploraban el interior de su ser…”[34] ya que esta necesidad de exploración psicológica es claramente modernista. Esto en tiempos de Rembrandt no era un foco de atención como lo percibimos hoy.

En sus miles de dibujos y grabados y 60 óleos, los autorretratos Rembrandt “muestran su historia, un relato autobiográfico que es una crónica de su vida turbulenta que iba de los ricos vestidos a los harapos, que se desenrolla entre esposas y amantes, de la juventud a la vejez: nos convertimos en testigos de las mutaciones que se plasman en el rostro de Rembrandt.”[35]

Performance y teatralidad en Rembrandt

A pesar de que el autorretrato es comprendido frecuentemente como un género solitario e introspectivo donde el artista se enfrenta al espejo (o a su cámara), en muchos sentidos es una teatralización de la representación del ser, es un auténtico performance que queda plasmado visualmente.

Como dice Laura Cumming, Rembrandt es como “…un actor actuándose a sí mismo, como si estuviera en el escenario.”[36] Esto ha quedado de manifiesto de forma más clara en la fotografía del siglo XX y XXI con los tableaux vivants personificados por numerosos artistas como Robert Mapplethorpe, Andy Warhol, Nikki S. Lee o Kimiko Yoshida. Sin embargo esta forma de performance ya es incoada por Rembrandt en su obra «Autorretrato con atuendo Oriental» de 1631.

Roles y papeles: estos somos yo

El ser humano es una pluralidad, no una singularidad, que termina desempeñando numerosos papeles en la obra de su vida. Alguien puede ser amigo, padre, hermano, enemigo, profesional, artista: la identidad está compuesta por distintos roles. En algún momento incluso esto puede generar una disonancia interior pues la persona se adapta dependiendo de su entorno y circunstancia: una misma persona tiene un cierto tono de voz con su pareja que con sus subordinados.

“A partir del final del siglo XIX e inicios del XX comienza a aparecer en los autorretratos una proyección imaginaria del artista en diversos papeles.”[37]

El autorretrato como auto-biografía: Van Gogh

En el autorretrato como auto-estudio surge necesariamente una consecuencia: el autorretrato biográfico. Si se puede plasmar el aspecto físico (icónico) del ser así como una parte (accidental o deseada) del “yo simbólico”, no es extraño que a lo largo del tiempo esto se convierta en una crónica, una autobiografía visual del artista.

Probablemente uno de los mejores ejemplos de esta posibilidad auto-biográfica es Vincent Willem van Gogh  (Países Bajos, 1853-1890).

“Vincent van Gogh es tan famoso por sus autorretratos como Rembrandt, pero en su caso en lugar de crearlos a lo largo de una vida, realiza la mayoría de sus 22 autorretratos en un período de dos tumultuosos años. Las imágenes de Van Gogh de este época (1886-1888), dos años antes de su suicidio en 1890, revelen a un hombre luchando con la vida y tal vez buscando respuestas por medio de su propia imagen.”[38]

“Los autorretratos de Rembrandt son vistos más bien como una presentación auto-consciente de sus éxitos y fracasos, mientras que los de Van Gogh más bien son un catálogo de su inestable estado mental.”[39]

El autorretrato como auto-estudio se convierte tarde o temprano en una expresión autobiográfica y casos como el de van Gogh nos llevan a una de las formas características del autorretrato en el inicio del siglo XX: la catarsis.

El autorretrato como catarsis

El autorretrato puede convertirse en un ritual de purificación, en un poderoso mecanismo de liberación y transformación interior o una eliminación de perturbadores recuerdos.

“Para los inicios del siglo XIX había emergido el arquetipo del artista portador de una penetrante visión, capaz de ver las verdades más recónditas del ser.”[40]

Esta idea creció hasta convertirse en el siglo XX en un fenómeno que dotaba al artista con una singular capacidad de estudiar y expresar sus estados psicológicos.

“La popularización de la diseminación del lenguaje psicológico afectó el cómo los artistas se aproximaron al autorretrato y las maneras de ser interpretadas por el observador contemporáneo. Usando la terminología freudiana, Erika Billeter apunta que «Todo autorretrato es un diálogo con el ego.» […] la psique humana se basa en una constante negociación entre los instintos, el súper-ego (la conciencia) y el ego (el sentido del ser).”[41]

Durante el siglo XX existen figuras como las de Edvard Munch o las de Egon Schiele que utilizan el autorretrato como una forma de autoanálisis con sabor a psicoanálisis.  Sin embargo el autorretrato como vehículo purificador más que como una mera exploración psicológica tiene su representante fundamental en Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (México, 1907-1954).

Un tercio de la obra de Frida Kahlo  gira en torno al autorretrato con tintes tanto autobiográficos como psicoanalíticos. En los autorretratos de Kahlo, calificados por Jeann Ivy como “trágicos y triunfantes”[42] son un auténtico relato biográfico pero también una compleja urdimbre donde se entrelazan los eventos reales, las metáforas, lo fantástico, lo físico y lo psicológico, con una constante tintura de dolor. Al igual que Schiele, la artista halló en el autorretrato un vehículo de auto-exploración y un vehículo terapéutico para una peculiar forma de auto-exorcismo.

Abstracción y metáfora

El siglo XX tuvo una vertiente adicional para el autorretrato en lo referente a la pintura. Una vez que la fotografía mostró ser el medio mimético par excellance, la búsqueda plástica se encaminó hacia le expresión, la abstracción y la metáfora. Esto, por supuesto, tuvo una gran importancia para el autorretrato.

“Artistas como Picasso y más tarde Chagall abrieron su imaginación y permitieron que los colores y patrones representaran su ser interior sin tanto énfasis en la literalidad.”[43]

Con el modernismo las vanguardias ofrecieron a los artistas una enorme riqueza en términos formales y conceptuales. La expresión abstracta de mediados del siglo XX llegó a la representación no figurativa con artistas como Jackson Pollock (Estados Unidos, 1912-1956) y Mark Rothko (Letonia, 1903-1970). Se llegó al punto en el que en sus pinturas no había representaciones humanas.

“El trabajo de los expresionistas abstractos aunque difícil de ser calificado como autorretrato es una profunda revelación emocional.” De alguna manera, el expresionismo abstracto lleva a una cierta noción de que toda obra de arte es, de una u otra manera, un autorretrato.[44]

S E G U N D A   P A R T E 

El autorretrato en la Fotografía 

La fotografía implicó una revolución para el retrato, sin embargo la relación autorretrato-fotografía fue de naturaleza distinta. Con la fotografía pasó lo mismo que con la pintura: muchos coquetearon con el autorretrato, pero pocos se comprometieron.

El autorretrato se hizo tan popular entre los primeros fotógrafos que es difícil enumerar a quienes escaparon de la auto-representación usando sus propias cámaras. Desde Roger Fenton pasando por Nadar o Francis Frith, todos hicieron en algún momento u otro de su carrera fotográfica un autorretrato.

Los fotógrafos usaron el retrato como una forma de autoafirmación social similar a la del resto del público. En Europa los fotógrafos se mostraban ricos, artistas… En contraposición los estadounidenses eran mucho más sobrios y se mostraban como personas educadas, intelectuales sentados tras el escritorio leyendo.[45]

Primeros autorretratos fotográficos

Robert Cornelius

Es difícil establecer cuál fue exactamente el primer autorretrato, pero existen dos autores sobre los cuales no quedan duda de ser algunos de los ejemplos más tempranos. El primero es el autorretrato del inmigrante holandés arraigado en Estados Unidos Robert Cornelius.[46] El segundo pertenece a Hippolyte Bayard.

El autorretrato de Robert Cornelius es un daguerrotipo que se hizo hacia octubre de 1839 y es una imagen intrigantemente contemporánea porque se desmarca de las características que impregnarían al retrato decimonónico: Cornelius no aparece de cuerpo entero sino en un plano medio corto con los brazos cruzados, su rostro no está en el centro geométrico y el rostro difiere notablemente de los retratos de su tiempo pues luce espontáneo y hasta relajado. Cornelius operaría a principios de la década de 1840 su propio estudio pero acabaría abandonando la fotografía.[47]

Hippolyte Bayard

Mucho más importante y famoso para la historia del arte es el autorretrato realizado por Hippolyte Bayard.

Vale la pena recapitular brevemente que cuando surgió el invento de la fotografía en 1839 los nombres de la dupla Niépce-Daguerre en Francia y William Henry Fox Talbot en Inglaterra aparecen como los padres del daguerrotipo en el primer caso y del calotipo en el segundo. Pero muchos más se disputaron la invención de la fotografía, en Alemania Johann Heirich von Maedler y Franz von Kobell, en Polonia Maksymilian Strasz, en Edimburgo Mungo Ponton y Andrew Fyfe, y en Francia además de Desmaret, Lassaigne y Verignon sobresale la figura de Hippolyte Bayard.[48]

En 1837 Bayard crea un proceso fotográfico en el que utiliza papel y el positivado directo. François Arago, el mismo científico-político que impulsó a Daguerre ante la Academia de Ciencias de París trató de ocultar las investigaciones y desarrollos de Hippolyte Bayard para que no le hiciera sombra a Daguerre. Después de que fue presentado el daguerrotipo se le dio espacio a Bayard y una modesta subvención para que mejorara su invento en febrero de 1840.[49]

Bayard acabó resentido y creó una peculiar forma de protesta, una imagen construida a la que tituló Autorretrato de un hombre ahogado donde se hace pasar por un muerto y agregó una leyenda que rezaba

“El cuerpo que ven aquí es el del señor Bayard, inventor del proceso que se les acaba de mostrar. Por lo que sé, este experimentador infatigable estuvo ocupado por más de tres años con su descubrimiento. El gobierno que ha sido tan generoso con el señor Daguerre, ha dicho que no puede hacer nada por Bayard, y el pobre hombre se ha ahogado. Ha estado en la morgue por varios días, y nadie lo ha reconocido o reclamado. Damas y caballeros, mejor se apuran a pasar, por miedo a ofender su sentido del olfato, pues como pueden observar, la cara y las manos de este caballero están comenzando a descomponerse.”[50]

Esta imagen construida se convirtió en el primer tableau vivant en la historia de la fotografía, y uno de los primeros autorretratos que se conservan.

Condesa, Condesa Divina, tienes el veneno que fascina en tu mirar…

 Si todos los fotógrafos rondaron al autorretrato, no hay ningún caso más enigmático y fascinante en el siglo XIX que el de Virginia Elisabetta Luisa Carlotta Antonietta Teresa Maria Oldoini (Italia, 1837-1899), mejor conocida como la Condesa de Castiglione y apodada la Condesa Divina. Se decía que era la mujer más bella de su tiempo (al menos ella lo creía firmemente) y aunque el narcicismo en el siglo presente es moneda de cuño corriente, la obsesión que tenía esta aristócrata procedente de La Spezia por su propia figura era tan irritante como excepcional.

La esposa del conde de Castiglione y de Costigliole Francesco Verasis Asinari llegó a París con una misión política: Debía interceder en Francia ante el emperador Napoleón III a favor de la unificación de Italia. Su primo, el ministro Camillo Cavour le instruyó a lograrlo por todos los medios posibles, y ella obedeció: a las dos semanas de arribar a la corte francesa era amante del emperador.

Pero mientras ella galanteaba con cuanto hombre poderoso se cruzara en su camino, en el fondo había para ella un solo amor: su propia imagen.

En julio de 1856[51] cruza por primera vez las puertas del estudio fotográfico Mayer et Pierson, casa de máximo prestigio por aquel tiempo. Cuando la Contessa cruzó el umbral del estudio trasgredió una frontera hacia una adicción inédita: hacerse autorretratos. Aunque Pierre-Louis Pierson era el fotógrafo, la condesa movía todos los hilos del «Teatro Castiglione». La aristócrata dirigía absolutamente todo: desde el vestuario hasta la escenografía, la italiana tenía control autoral total al punto de convertir a Pierson en un operador de cámara.

La Condesa dejó más de 400 autorretratos realizados en tres etapas: 1856-57, 1861-67 y 1893-95. En cada uno jugueteó con su apariencia. Los autorretratos de la condesa de Castiglione son auténticos performances donde su autora lo mismo aparece como monja, que como cortesana, aristócrata, madre, trabajadora proletaria… Sus vestidos eran extravagantes y el uso de máscaras una constante.

Sus autorretratos era a un tiempo “medios de auto-promoción y auto-expresión.”[52]

Pero como suele ocurrir con quienes basan su vida en la apariencia física, la condesa comenzó a decaer y esto tuvo dos efectos peculiares: primero la exploración del cuerpo fragmentado, algo que tardaría un siglo en volver a ser retomado, y la propagación del mito “Castiglione”.

Sarah Boxer expone: “La condesa envejeció y su belleza menguó, por lo que comenzó a mostrar partes inconexas de su cuerpo.”[53] La vejez y la decadencia de su belleza era una forma de desmembramiento, la condesa se estaba cayendo a pedazos en el interior y esto se reflejó en sus autorretratos que comenzaron a mostrar partes de su cuerpo aisladas, piernas balanceándose.

Probablemente uno de sus autorretratos más memorables es el Scherzo di Follia donde oculta el rostro mediante un marco oval. Es una imagen que debe mucho de su gran éxito a que no es una imagen explícita, sino una fotografía sugerente.

En los autorretratos de la contessa donde su rostro es mostrado abiertamente podría cuestionarse si era o no la mujer más hermosa de su época, pero cuando se ve el Scherzo no queda ninguna duda o más bien, la insinuación basta para que el observador obtenga la conclusión deseada por su autora.

La Condesa de Castigliones dejó de aparecer de día paulatinamente hasta transfigurarse en una misteriosa criatura nocturna que salía a la calle cubierta en velos. Tras la caída del Segundo imperio en 1870 se recluyó y sus excéntricas escapadas nocturnas (únicos momentos cuando abandonaba si piso en la Place Vendôme) sirvieron como un acicate adicional a promover sus propias mitologías.

La condesa tuvo un último arrebato narcisista: deseaba que en la Exposition Universelle de 1900 se realizara una retrospectiva titulada “La Mujer Más Bella del Siglo” que nunca se exhibió; la Castiglione fallecía el 28 de noviembre de 1899 a los 62 años.

Pero su muerte no hizo sino catapultar su fama. Su legado fotográfico acrecentó el mito y la biografía escrita por Robert Montesquieu publicada en 1913 sirvió para mantener el interés por la enigmática aristócrata.

La Condesa de Castiglione fue una precursora de alcances cuasi-proféticos: se adelantó al narcicismo del siglo XXI, jugueteó con el sub-género de la mascarada en el autorretrato, fue precursora de la fotógrafa como directora y orquestadora más que como operadora de una cámara al estilo de Gregory Crewdson, la teatralidad de sus fotografías anticipa el performance postmoderno… Como escribe Ben Richmond “La tecnología de su época no la hizo obsesionarse con su propia imagen – ella ya estaba obsesionada con ella. La tecnología solamente nos dejó un fascinante registro de su obsesión. Y por ello todos somos ahora La Castiglione.”[54]

El siglo XX

Durante muchos siglos y antes de la fotografía, la creación del autorretrato exigió, necesariamente, del uso de un espejo. Sin embargo la cámara se convirtió en algo más, pues a la vez que espejo se convirtió también, como habría de exponer John Szarkowski,[55] en ventana. Para el artista, la cámara era la posibilidad para verse y auto-representarse, pero también para asomarse al mundo.

La fotografía ventana es el registro documental, está abierta a la realidad en un “asomarse” al mundo que muestra pero no opina. En cambio, la fotografía espejo refleja pensamientos, opiniones, posturas del fotógrafo y es una estrategia de expresión. En tal sentido la cámara para el autorretrato significó una herramienta totalmente novedosa donde se podía capturar la apariencia externa del fotógrafo (usarla como ventana) pero que en su ejercicio autoral se convertía en un espejo, no uno que reflejaba su imagen, sino su ser, su interior, sus filias y fobias.

Los fotógrafos durante el siglo XX encontrarían que la cámara como medio de expresión resultaría en un fenómeno mucho más complejo que simplemente contar con un nuevo tipo de “pincel”; se convertía en un fino bisturí capaz de incidir, como ninguna otra herramienta, en el interior del artista.

A continuación presentamos una nómina de fotógrafos que han trabajado el autorretrato. La confección de la lista obedece a criterios totalmente subjetivos, en algunos casos existe una clara importancia histórica, en otros el autor abre una nueva forma de exploración del ser de algún aspecto previamente no afrontado con el autorretrato o simplemente existe una producción cuya estética merece ser resaltada. En todo caso es una lista incompleta cuyo único propósito es dar una pequeña muestra de algunas posibilidades sobre cómo se ha afrontado el autorretrato en el siglo XX.

Claude Cahun

En la primera mitad del siglo XX llama la atención el trabajo fotográfico de Lucy Renee Mathilde Schwob (Francia, 1894-1854) quien adoptaría el seudónimo de Claude Cajun.

Esta artista gala experimento en sus fotografías la auto-exploración psicológica, pero que sobre todo indagó en su identidad a partir de sus ambivalentes preferencias sexuales. Su imagen andrógina plasmada en fotomontajes y autorretratos estaba complementada con su trabajo en el teatro que frecuentemente se entreveraba en sus imágenes.

Sobrina del escritor de vanguardia Marcel Schwob y sobrina nieta de David Léon Cahun inició a los 18 años su búsqueda fotográfica que se extendió hasta la década de 1930.

Cahun también escribía y publicó Heroines (1924), Aveux nos avenus (1930) así como ensayos en publicaciones periódicas.

Claude fue una de las artistas “…que exploró la idea crear una identidad en oposición a un papel de género fijo mucho antes de las teorías posmodernas de una feminidad en mutación.”[56]

Raúl Carlos Maícas califica a Cahun de “sacerdotisa del narcicismo, combativa detractor de cualquier falso precepto reaccionario sobre la condición humana y sobra la dualidad masculina/femenina que marca nuestra identidad…”[57] y nos recuerda que “Tuvo una vida turbulenta, intensa, brillante y peligrosa, como suele ocurrir con todos los adelantados a su tiempo. Una trayectoria poseedora, pese a su radicalidad desafiante y visionaria, de una rara coherencia.”[58]

Ante los retratos de Cahun “Estamos perplejos, luchando con el deseo interior para dilucidar el género del sujeto que vemos  y de quien tenemos la incertidumbre de no poder definir con las etiquetas de siempre.”[59]

Kika Fumero explica que “La obra de Claude Cahun estuvo durante muchos años en la sombra, sin embargo, hace ya más de 20 años que su arte se ha hecho visible y está presente en las grandes salas de exposiciones. Su fotografía, así como sus fotomontajes, son sinónimo de fantasía, sublevación, parodia, rebeldía, plétora, indomabilidad, transgresión, metáfora.”[60]

Lee Friedlander

Cuando John Szarkowski presentó en 1967 la exposición New Documents en el Museum of Modern Art de Nueva York creó un triunvirato de fotógrafos que reinarían en el Nuevo Paisaje Social: Diane Arbus, Garry Winogrand  y Lee Friedlander.

Lee Friedlander se convirtió en una mezcla de fotógrafo de calle, documentador social y narcisista.

El fotógrafo inició su trabajo artístico en 1948 pero del paisaje social pasó al paisaje personal. Al principio su imagen se colaba en reflejos, sombras. Él mismo explica: “Al principio mi presencia en mis fotos era fascinante y perturbadora. Pero a medida que pasaba el tiempo yo era más parte en mis fotos que cualquier otra idea…”[61]

Lo que al principio parecía un autorretrato de firma, se fue transfigurando en una forma de desafiar las nociones convencionales del retrato: la fragmentación del ser, la abstracción y la síntesis de la persona en unos cuantos indicios.

Cindy Sherman, Gillian Wearing, Nikki S. Lee, Tomoko Sawada y Kimiko Yoshida

En 1977  Cynthia “Cindy” Morris Sherman (Estados Unidos, 1954) inició una revolución cuando creó su serie Untitled Film Stills, una serie de fotografías donde la autora se personifica de distintos papeles en un imaginario fotograma de una película inexistente. Cada fotografía es un tableau vivant escenificado por Cindy Sherman donde hay una narrativa extraída de las películas de serie “B” y un discurso que parte de los estereotipos femeninos.

Hay que hacer la anotación de que Sherman ha insistido en numerosas ocasiones que sus creaciones no son autorretratos pues lo que trata de plasmar en el cuadro fotográfico es un estereotipo y que ella misma simplemente es un vehículo para encarnar a los diferentes clichés femeninos estadounidenses.[62]

Las Untitled Film Stills hicieron que eventualmente Sherman se convirtieran en una de las artistas contemporáneas más reconocidas a nivel mundial.

La importancia de Cindy Sherman  en el arte contemporáneo es tal, que invitamos al lector que consulte el artículo que hemos creado específicamente sobre esta autora.[63]

Las influencias de Sherman provienen desde la Condesa de Castiglione, las exploraciones de Hannah Wilke, las reivindicaciones de Claude Cahun, las mascaradas de Suzy Lake o los tablaux vivants de Eleanor Antin y a la vez Sherman se convertiría en la piedra angular de la exploración fotográfica posmoderna de la identidad. “Los autorretratos nos limitan a una persona, una cara, y ello no encaja en nuestro moderno sentido del ser. Conforme nos dirigimos al siglo XXI, los artistas se muestran a sí mismos siempre cambiante, interminables, fragmentados.”[64]

Sherman habría de influir en otras cuatro fotógrafas que también pondrían en su punto de mira la identidad y que utilizarían su propio cuerpo como vehículo de expresión. Cada una de estas fotógrafas ha sido extensamente tratada en otros artículos nuestros.

En Inglaterra Gillian Wearing inspecciona  hasta qué punto las máscaras muestran la verdad y la influencia de la familia en la conformación de la identidad.

Desde Nueva York Nikki S. Lee (Corea, 1970) ha cuestionado la identidad respecto de la pertenencia a un grupo y la conformación del ser a partir de los otros, en particular de la pareja.

En Japón Tomoko Sawada (Kobeh, 1977) indaga la multiplicidad de la personalidad y las relaciones entre la individualidad y el uniforme o las instituciones.

Desde su exilio autoimpuesto en Francia Kimiko Yoshida (Japón, 1963) trabaja en la deconstrucción de la personalidad mediante sus “rituales de desaparición” donde no solamente cuestiona la identidad, sino que comienza a explorar nuevas fronteras sobre nuestra relación con las máscaras y el ocultamiento-revelación de la persona.

Desde Sherman hasta Yoshida, estas cinco fotógrafas, utilizando su propia persona como sujeto para la reflexión de la identidad a partir de la adopción de múltiples roles, personalidades y estereotipos son un punto de inflexión en el continuum de la historia del arte al ofrecer una problematización e inquisición del autorretrato.

Francesca Woodman

Aunque las cinco autoras anteriormente mencionadas han trabajado a partir de finales de la década de los setentas, retornaremos brevemente al momento en el que Cindy Sherman inicia su trabajo fotográfico (1977) para revisar el trabajo de la fotógrafa Francesca Woodman (Estados Unidos, 1958-1981).

Si bien en el posmodernismo no existe una fetichización de la originalidad -tan propio de las vanguardias-, los autorretratos de Francesca Woodman son una extensión de los sinónimos de originalidad: particularidad, innovación, rareza.

Francesca comenzó a realizar fotografías a los trece años. Para 1975 y con apenas 17 años ya era una artista visual inusualmente madura. Esto se debió  en buen aparte a que el entorno familiar estaba apuntalado en el ámbito artístico-creativo-autoral por George y Betty Woodman, el primero pintor, la segunda ceramista, ambos artistas contemporáneos de prestigio.

George Woodman regaló a su hija una cámara y pronto se asombró con la precocidad de la muchacha. Con el tino de un Leopold Mozart, apreció inmediatamente el talento de su hija e hizo todo cuanto estuvo en su mano para alentar el trabajo creativo de Francesca, incluyendo el no estorbar.

De 1972 a 1980 Francesca creó más de 10,000 negativos de los cuales creó unas 800 ampliaciones y se han exhibido apenas unas 120 en público.  Francesca tuvo una carrera tan  breve[65] como prolífica que dejó una impronta singular en la fotografía de finales del siglo XX.

Las fotografías de Francesca no dejan a nadie indiferente. Sus cuadros en blanco y negro donde la fugacidad temporal y espacial es una constante se ha granjeado la admiración de autores de la talla de Graciela Iturbide.[66]

Los autorretratos de Woodman apuntan hacia la insaciable curiosidad de su joven autora. Sutiles, suspendidos, deambulantes entre la ausencia y la presencia, sus autorretratos son una exploración particular, que parece salida de un soplo divino, una auténtica inspiración infusa.

Antonio Muñoz Molina apunta que Francesca “hacía fotos de sí misma que parecían a veces de una época mucho más antigua, imágenes victorianas de mujeres medio diluidas en sombras o de fantasmas de mujeres convocados tramposamente por alguna médium con pretensiones de rigor fotográfico. Y los lugares en los que prefería retratarse eran habitaciones vacías en casas abandonadas en las que podría haber aparecido y desaparecido uno de los fantasmas esquivos de los cuentos de Henry James.”[67]

Las fotografías de Woodman son una exploración del ser, el cuerpo y la sexualidad desprovista de politización, en muchos casos donde su curiosidad juvenil se entremezcla con el despertar al mundo.

Las creaciones de Woodman son sugerencias que dejan al observador la posibilidad de explorar continuamente las fotografías en búsqueda de nuevos significados: “Al esconder y encriptar a sus sujetos recuerda al observador que sus fotografías planas y distorsionadas nunca ofrecen la verdad total sobre el individuo.”[68]

Efectivamente, en la obra de Woodman son tan importantes sus presencias como ausencias. Muñoz Molina acierta: “Visto y no visto. Aparición y desaparición. Lo que revela como ningún otro medio la fotografía es nuestra condición de fantasmas.”[69]

El siglo XXI

No es una afirmación temeraria el declarar que no ha existido un auge mayor del autorretrato en toda historia del arte que en estos tempranos años del siglo XXI. No se trata solamente del auge vernacular del autorretrato silvestre que florece en los redes sociales: también existe una extensa corriente de artistas que utilizan el autorretrato y la fotografía como su vehículo primario de expresión.

Hoy como nunca, apunta Susan Bright,

“el autorretrato contemporáneo debe mostrar al artista, explorar su concepto de identidad –ya sea la propia o en un sentido más amplio o universal- y debe ofrecer al observador un punto de vista tendenciosos o una contemplación acerca del ser.”[70]

Así es como en la última década el creciente número de fotógrafos provenientes de medio oriente, China o Japón se han hecho de un nombre y sus trabajos han sido apreciados en publicaciones, galerías privadas y exposiciones en espacios públicos de occidente.[71]

El cuerpo se ha ganado un papel importante en la atención de los autorretratistas recientes como Zhang Huan quien comparte un interés similar al de otros creadores provenientes de oriente como Rong Rong, Qiu Zhijie, Li Wei, Ma Liuming, Song Don o Zhou Xiaohu.

Artistas importantes del autorretrato hoy y subgéneros dominantes

Además de Cindy Sherman, entre la nómina de artistas reconocidos que han abordado el autorretrato contemporáneo destacan Nan Goldin, Erwin Wurm, Martin Parr, Boris Mikhailov o Joan Fontcuberta.[72] En un punto intermedio entre ser autores en proceso de maduración pero que han dejado de ser jóvenes promesas para irse convirtiendo en figuras del autorretrato de creciente influencia encontramos a Sam Taylor-Wood, Rodi Horn, Duane Michales, Elina Brotherus, Samuel Fosso, Yasumasa Morimura, Janieta Eyre, Hew Locke, Arno Rafael Minkkinen, Danny Treacy, Shirin Neshat o Tatiana Parcero en una lista necesariamente reduccionista pero es un punto de inicio para quienes exploramos el autorretrato hoy.[73]

Estos, y muchos otros autores recientes, abordan el autorretrato en subgéneros como autobiografía, corporeidad, mascarada, trabajo en el estudio y la teatralidad del performance.

Cuando se observa el trabajo de los artistas actuales que se aproximan a la exploración del ser desde el autorretrato, recordamos las palabras de Laura Cumming: “…el autorretrato no representa tanto el rostro del artista como su pensamiento.”[74]

T E R C E R A    P A R T E

Selfies Reloaded 

Con la llegada de las redes sociales, el Internet y del siglo XXI, apareció una peculiar variante del autorretrato: el selfie, diminutiva contracción de self-portrait, equivalente anglosajón de nuestra voz autorretrato.
Smith Mollie refiere que “Hay una diferencia entre un autorretrato y un selfie. Haces un selfie al sostener tu teléfono con la mano extendiendo el brazo y apuntando hacia ti. De las tomas realizadas eliges una que es la que subirás [a la red social].”[75] Rex Huppke concuerda con esta definición.[76]

A mediados de 2013 en las redes sociales se difundieron las imágenes creadas en año anterior por la agencia publicitaria Loew Cape Town para el periódico sudafricano Cape Times donde se recrean fotografías históricas reinterpretadas como selfies. La serie incluye imágenes de Jackie y John F. Kennedy, Winston Churchill, Beyers Naud con Desmond Tutu y el icónico beso capturado por Alfred Eisestaedt en Times Square.

Según Alexandra Tursi, citada por Molly Smith, “Los selfies aparecen cerca de 2004 junto con el inicio de redes sociales como Flickr y MySpace.”[77]

La palabra selfie se ha vuelto tan popular, que incluso el diccionario Oxford está analizando la inclusión de esta nueva voz.[78]

En el Chicago Tribune se publicó a mediados de julio de 2013 que “La palabra selfie aparece en un nuevo tweet cada unos cuantos segundos.”[79]

El selfie, y el autorretrato en general, se ha convertido en una de las expresiones sociales y personales de la fotografía vernácula más importantes. Las generaciones futuras tendrán un mapa sociocultural de nuestro tiempo que no tiene precedente. Tal vez en un solo día se suban más fotos a Facebook que las que se hacían durante décadas en el siglo XX. Las generaciones futuras podrán atestiguar el narcicismo que impregna a nuestro tiempo, o su desesperada necesidad de auto-afirmación.

Selfies y narcicismo

Las redes sociales y apps como Instagram son un foco de atención debido a su relación con el narcicismo presente en nuestra cultura posmoderna. Según John Paul Titlow el Instagram solamente alimenta las tendencias narcisistas de la gente y explica que “Es probable que un narcicismo elevado provoque que la gente use las redes sociales en una forma narcisista y que algunos medios sociales provoque un narcicismo mayor.”[80]  De modo que nos enfrentamos a un simbiótico modelo de “qué fue primero el huevo o la gallina”: ¿Las redes sociales son narcisistas porque la gente las usa de modo narcisista o las gente es narcisista porque las redes sociales promueven este tipo de comportamiento?

Kate Knibbs explica por su parte que el problema con el alud de selfies es que a los miles de imágenes mediocres se suman otros tantos miles de “likes” que parecen convertirse en la nueva moneda de valoración personal en la era de las redes sociales. Knibbs expone: “No es tu culpa que seas adicto al selfie: […] recibes una enorme validación por serlo. Se puede ver como la gente está enredada en hacer fotos para obtener aprobación social…”[81]

El autorretrato como reafirmación de poder

Ya hemos mencionado que desde el renacimiento el artista era considerado un operario mecánico más. Se le veía más como artesano que como artista y el autorretrato comenzó a tener una función de auto-validación social para sus creadores.[82] Conforme ha pasado el tiempo esta posibilidad ha traspasado el ámbito artístico para formar parte del tramado social post-moderno.

Una ventaja del autorretrato es que otorga un poder peculiar a su autor. Como bien apunta Jessica Mraz, no se trata solamente de decir “yo existo” sino de “yo existo y controlo la manera en la que me ven.[83] Es decir, el autorretrato se ha convertido en una manera de controlar la autor representación.[84]

No es casual la difusión tan amplia del selfie como fenómeno del nuevo milenio. Linsey Gosper afirma que “lo que el autorretrato otorga como no lo hace el retrato es un absoluto control sobre la propia imagen. Por esta razón creo que es particularmente útil para quienes no tienen un acceso igualitario al poder.”[85]

Selfie y autoestima: una simbiosis de la auto-infra-valoración en el siglo XXI (y no es el título de una tesis, aunque podría serlo)

La cultura en el siglo XXI ha impuesto, a través de la imagen, un conjunto de demandas hacia la apariencia de la persona y una atención desmedida a la apariencia personal. Michael Stefanon publicó en el Journal Cyberpsychology, Behavior and Social Networking que las mujeres que basan su valor en la apariencia tienden a subir más fotos en línea y mantienen relaciones a través de redes sociales de forma más extendida.[86]

Según Patricia Donovan, en los inicios del siglo XXI numerosas mujeres siguen asentando su valía personal a través de la apariencia física, colocándose en Facebook como objetos publicitados en un anuncio.[87]

Más que una forma de narcicismo, el selfie podría ser un grito para llamar la atención.[88]

Según Christine Erickson “La imagen personal es importante, y no siempre de un modo narcisista. Es la forma en la que nos definimos a nosotros mismos y nos presentamos para que los demás nos vean. Es cómo confiamos en las percepciones y juicios ajenos para la construcción social del ser.”[89]

Para Andrea Letamendi “Las personas que tienden a tener una baja autoestima y depresión tienden a tener una cognición distorsionada acerca del ser… El encontrar formas nuevas para interrumpir esos pensamientos pueden prevenir el reforzamiento de la negatividad hacia el ser y pueden ser una manera de mejorar la autoestima.”[90]

De modo que el selfie se encuentra en un ambivalente punto en el que refuerza la necesidad de auto-validación a partir de la mera apariencia, o como un punto que puede ayudar a los bajos niveles de autoestima. En todo caso es claro que la auto-valía y la reafirmación de valor y poder están íntimamente ligados a la acción de autorretratarse.

El autorretrato vs. La imagen perfecta

Y así como el autorretrato puede ser una forma de reafirmación narcisista (que lo mismo salpica a Durero que a las Kardashians[91]) también puede ser una forma de oposición a las oleadas de imágenes que exigen perfección absoluta.

Para Sarah Gervais, el selfie y su expresión a través de Instagram ofrece un paisaje social de personas reales donde la belleza se encuentra en la diversidad y no en cuerpos perfectos que se contrapone directamente a una idealización de la apariencia creada en PhotoShop.[92] Y es que, según esta misma autora,  la fotografía en manos del aparato de poder se ha convertido en un medio opresivo y manipulador y que pretende representar quienes somos como cultura, sin embargo Instagram podría ser una forma de reivindicación sobre nuestra auténtica naturaleza, apreciada en nuestra apariencia común y corriente.[93] Gervais rubrica “los medios sociales son una oportunidad para oponernos al continuo ataque de imágenes perfectas que se perpetra contra nuestra psique.”[94]

Redes sociales: la principal causa para la actual popularidad del autorretrato

No existe duda para Melanie Hall “La gente está tomando más fotografías que nunca, un promedio de 1.9 miles de millones de fotografías se capturan cada mes en Inglaterra y 328 millones de ellas se comparten en línea.”[95]

Los “hashtags”[96] #selfie y #me arrojan en Instagram más de 23 millones y 51 millones de fotos respectivamente.[97]

El mundo de las redes sociales ofrece una oportunidad inédita para espiar en la vida de las celebridades. La cuenta de Facebook y Twitter son, en términos culturales, los equivalentes a la Carte de Visite de Disdéri: la posibilidad de ver a los famosos, de tener un pedacito de ellos: hoy podemos asomarnos a la vida de las celebridades que tienen su propia forma de adicción al selfie.

Desde Rihanna pasando por Justin Bieber y Lady Gaga nadie parece escapar. Pero el mundo del espectáculo no es el único que cae en el embrujo narcisista del espejito-espejito ahora llamado Facebook y sus adictivos likes. También la familia presidencial estadounidense o incluso astronautas como Steve Robinson han caído en la telaraña del selfie.[98a]

Joan Fontcuberta llama a estos autorretratos propios de las redes sociales «reflectogramas» y explica que en ellos «la voluntad lúdica y autoexploratoria prevalece sobre la memoria. Tomarse fotos y mostrarlas en las redes sociales forma parte de los juegos de seducción y los rituales de comunicación de las nuevas subculturas urbanas postfotográficas de las que, aunque capitaneadas por jóvenes y adolescentes, muy pocos quedan al margen. Las fotos ya no recogen recuerdos para guardar sino mensajes para enviar e intercambiar: se convierten en puros gestos de comunicación cuya dimensión pandémica obedece a un amplio espectro de motivaciones. […] millones de personas empuñan la cámara y se enfrentan a su doble en el espejo: mirarse y reinventarse, mirarse y no reconocerse. Aunque paradójicamente sea ocultándonos como nos revelamos, el mero hecho de posar implica a la vez ubicarnos en una puesta en escena y sacar a relucir una máscara: el autorretrato por tanto no puede sino cuestionar la hipotética sinceridad de la cámara.” [98b]

Nuestra imperiosa necesidad de conexión

Sin embargo más allá de las necesidades de autoformación de Durero, de narrativa personal de Rembrandt, de expresión de la identidad sexual de Claude Cahun, la misteriosa y curiosa mirada de Francesca Woodman, de inquisición social de Cindy Sherman o de catártica explosión de Frida Kahlo o Kimiko Yoshida, más allá del narcicismo, el autorretrato y su vehículo fundamental en el siglo XXI, las redes sociales, son una demostración de la imperiosa necesidad que tenemos los seres humanos de conexión.

Todo el mundo pensaba que en el 2013 todos vestiríamos trajes plateados, existirían automóviles sin ruedas que flotaran como hoovercrafts… etcétera. Sin embargo nuestra insaciable necesidad de socializar catapultó el uso de la tecnología que nos permite mantener conexiones con otras personas.

El Internet y las redes sociales eran algo impensable en el imaginario del futuro a mediados del siglo pasado porque la gente identificaba en las décadas de 1950 y 1960 al futuro en acero inoxidable y arquitecturas importadas de algún otro sistema planetario. Pero lo que realmente ocurrió es que la gente no necesita realmente nada de eso en el siglo XXI: Somos personas perdidas y aisladas entre los millones y millones de seres humanos que pululamos por el mundo y que eran invisibles hasta que llegaron las redes sociales.

Ante todo los autorretratos son “una forma única para mantener una íntima conexión entre todos.”[99]

A MANERA DE

C O N C L U S I  Ó N

El autorretrato no es lineal, es orgánico, su historia y sus estilos se ramifican y entreveran. Se va de ida y se regresa. Y en este viaje lo único que nos queda claro es que todo autorretrato es un prisma ilusorio que arroja distintas realidades e irrealidades, fantasías e idealizaciones, supuestas formas de autovaloración o posibilidades de conexión ínter-personal, reflejos y distorsiones de cómo pensamos los seres humanos y cómo nos auto-representamos.

Al final del día mucho se puede elucubrar sobre el autorretrato, sus funciones, etapas y caminos. Tal vez hay un único punto de acuerdo claro: ineludiblemente todo autorretrato refleja la manera en la que su autor quiere ser visto por el mundo.[100]

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* Óscar Colorado Nates es Profesor/Investigador titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada en la Universidad Panamericana (Ciudad de México).

Es autor de los libros:

•  Ideas Decisivas: 650 reflexiones fotográficas
•  Fotografía 3.0 Y después de la Postfotografía ¿Qué?
• Instagram, el ojo del mundo
•  Fotografía de documentalismo social
• Fotografía Artística Contemporánea
• El Mejor Fotógrafo del Mundo.

Co-fundador de la Sociedad Mexicana de Daguerrotipia y miembro de The Photographic Historical Society (Rochester, NY).

Las opiniones vertidas en los artículos son personales y no reflejan necesariamente las posturas de la Universidad Panamericana.

Autorretratos dibujados realizados por fotógrafos:

Bibliografía

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  Egon Schiele

  

  Diane Arbus

  

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  Sam Taylor-Wood

  

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Notas