Una definición necesaria para comprender la coherencia en la obra de un fotógrafo
Una exploración teórica del estilo fotográfico como conjunto coherente e intencional de decisiones reiteradas en un cuerpo de obra.
Uno de los temas más recurrentes en la reflexión sobre la práctica fotográfica es el del estilo. A menudo se plantea la pregunta: ¿qué significa tener un estilo fotográfico?, o incluso, ¿cómo se construye? Este artículo busca ofrecer una primera aproximación teórica y didáctica al concepto de estilo en fotografía, partiendo de la premisa de que se trata de una construcción compleja que va mucho más allá de una simple preferencia visual.
Lejos de ser una cuestión accidental o superficial, el estilo es una manifestación profunda del pensamiento visual del fotógrafo, una estructura compuesta por decisiones reiteradas, tomadas con intención, y aplicadas de manera coherente y consistente a lo largo de un cuerpo de obra.
El estilo no es fortuito
El estilo fotográfico no se forma por azar. No es el resultado de una suerte de iluminación espontánea, ni la consecuencia de una cámara costosa o de un filtro exitoso. El estilo es, ante todo, una serie de decisiones reiteradas. Cada fotógrafo, consciente o inconscientemente, toma una gran cantidad de decisiones cada vez que realiza una imagen: decisiones sobre encuadre, orientación, luz, color, foco, distancia, composición, entre muchas otras.
Cuando estas decisiones se repiten con intención —es decir, no como accidente, sino como resultado de una búsqueda estética, conceptual o discursiva— y además mantienen una coherencia interna, se puede hablar entonces de un estilo fotográfico en sentido estricto.
Reiteración e intención
La reiteración es uno de los componentes esenciales del estilo. No basta con tomar una decisión de manera aislada; debe haber una cierta frecuencia, una repetición significativa. Pero dicha repetición, para que sea considerada estilística, debe estar acompañada de un principio de intención. Es decir, el fotógrafo sabe lo que hace, por qué lo hace, y en qué momento decide modificar sus elecciones o sostenerlas.
En este sentido, el estilo no se limita a la aplicación de reglas convencionales. Por ejemplo, seguir o no la regla de los tercios no define en sí mismo un estilo; lo que importa es que exista una razón consciente detrás de dicha elección. Cuando un encuadre se realiza de manera centrada, asimétrica, sobreexpuesta o deliberadamente inclinada, debe haber una intencionalidad que sostenga esa decisión.
Coherencia, consistencia y cuerpo de obra
Otro elemento fundamental en la constitución del estilo es la coherencia. No se trata de repetir exactamente la misma imagen ni de producir un catálogo monótono, sino de encontrar cierta unidad visual, temática o formal en un conjunto de imágenes. Esa unidad puede manifestarse de muchas maneras: a través de los temas recurrentes, del tratamiento estético, del tipo de sujeto abordado o de la lógica narrativa empleada.
La consistencia implica que el conjunto de decisiones estéticas no varía de forma arbitraria entre una imagen y otra. El estilo se desarrolla, evoluciona y se transforma con el tiempo, pero mantiene siempre un hilo conductor. Esa línea de continuidad solo puede percibirse claramente cuando se analiza un cuerpo de obra, es decir, una colección suficientemente amplia de imágenes que permiten identificar patrones, repeticiones y elecciones constantes.
El estilo como mirada reconocible
Cuando un observador puede identificar la autoría de una imagen sin necesidad de leer el crédito, se puede afirmar que existe un estilo. Es el caso de autores como Harry Callahan, Saul Leiter o Graciela Iturbide. En sus obras se percibe una estructura de decisiones reiteradas e intencionales, aplicadas de manera coherente y consistente. No se trata de que hagan siempre lo mismo, sino de que se reconoce su mirada.
El estilo fotográfico, en este sentido, no se limita a lo visual. También puede tener una dimensión temática: sujetos recurrentes, obsesiones personales, atmósferas específicas, inquietudes éticas o sociopolíticas. Por ello, el estilo constituye una síntesis entre lo estético y lo discursivo.
Dos modelos opuestos: los Becher y Picasso
Para ilustrar cómo puede funcionar el estilo fotográfico en contextos diferentes, es útil comparar dos casos paradigmáticos: el de Bernd y Hilla Becher y el de Pablo Picasso.
Bernd y Hilla Becher: la constancia como disciplina estética
Esta pareja de fotógrafos alemanes dedicó cinco décadas a fotografiar estructuras industriales con una regularidad meticulosa. Utilizaban cámaras de gran formato, cuidaban que el cielo fuera blanco, repetían los mismos ángulos y condiciones climáticas, y seleccionaban sus temas dentro de un campo específico: depósitos, torres de agua, hornos, etc. El resultado fue una obra profundamente coherente, con una consistencia técnica y temática admirable.
Los Becher no buscaban la variedad sino la profundidad. Su estilo no surgió de la experimentación cambiante, sino de la sistematización rigurosa. A partir de este modelo, fundaron la Escuela de Düsseldorf, cuya influencia se mantiene viva en autores como Andreas Gursky, Candida Höfer o Thomas Struth.
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Pablo Picasso: la mutación estilística como coherencia conceptual
En el caso contrario, Pablo Picasso representa un modelo completamente diferente. A lo largo de su vida, el pintor transitó por múltiples etapas estilísticas: el realismo académico, el periodo azul, el rosa, el primitivismo, el cubismo analítico y sintético, el clasicismo monumental, el expresionismo más libre, entre otros.
Lo notable es que, aun en medio de estas transformaciones tan radicales, la obra de Picasso conserva una estructura de coherencia interna en cada etapa. En cada periodo, sus decisiones visuales y temáticas se reiteran, responden a una intención clara y construyen un lenguaje propio.
Este caso demuestra que no es necesario hacer lo mismo durante toda la vida para tener estilo. Lo que importa es que cada etapa esté sostenida por un pensamiento visual estructurado.
Conclusión: ¿cuándo se puede hablar de estilo?
En síntesis, el estilo fotográfico puede definirse como un conjunto de decisiones reiteradas, intencionales, coherentes y consistentes, que se manifiestan en un cuerpo de obra y permiten reconocer una mirada singular.
No basta con aplicar una fórmula visual; tampoco es necesario mantener la misma estética toda la vida. Lo esencial es que el fotógrafo desarrolle una lógica interna de elección, que construya su propio lenguaje visual y que logre sostenerlo en el tiempo con claridad.
Este artículo forma parte de una serie dedicada a explorar en profundidad la noción de estilo fotográfico. En próximas entregas se abordarán los elementos que componen el estilo, cómo se construye en la práctica, y se analizarán ejemplos concretos de autores fundamentales.
Referencias
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* Oscar Colorado Nates es doctor «cum laude» en Ciencias de la Documentación por la Universidad Complutense de Madrid, Máster en Narrativa y Producción Digital, y Especialista en Antropología Filosófica por la Universidad Panamericana, donde es Profesor-Investigador, titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada y docente de posgrado. Su trayectoria académica se complementa con una sólida labor editorial y divulgativa: es autor de ocho libros sobre fotografía y creador del blog OscarEnFotos.com, con más de 25 millones de visitas. Ha sido director de programas de análisis fotográfico y ha colaborado con medios internacionales como The Rolling Stone Magazine. Las opiniones vertidas en sus artículos son personales.
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