Pieter Wisse, creador del proyecto 500 Photographers comparte sus perspectivas sobre la fotografía contemporánea, el proceso creativo, las dudas y las características necesarias para ser un fotógrafo relevante en la era de de la conectividad.

Por Óscar Colorado Nates*

Pieter Wisse (Holanda, 1980) es fotógrafo, editor, curador y crítico. Estudió fotografía documental en la Universidad de Arte Utrecht. Tiene su centro de operaciones en Rotterdam.

Pieter tiene una visión muy clara de los elementos que construyen una fotografía valiosa gracias a su proyecto 500 Photographers. Con él ha buscado encontrar a 500 creadores contemporáneos relevantes en el campo de la fotografía artística que reúnan las características que Pieter considera como fundamentales para hacer imágenes exitosas en nuestro tiempo.

Con motivo de la FotoWIK2013, semana fotográfica organizada por la Universidad Panamericana, Wisse comparte desde la Ciudad de México sus opiniones sobre la fotografía hoy, el proceso creativo y qué constituye una fotografía relevante en la era de las redes sociales.

OC. Pieter, gracias por esta entrevista. Antes que nada, ¿Qué te llevó a estudiar fotografía documental?

PW. Mi fascinación por la fotografía comenzó cuando era adolescente y le «confisqué» la cámara a mi padre, una Miranda. Empecé a fotografiar, fascinado con lo que se podía hacer visualmente. Quise ir a una escuela de cine para ser director o cinefotógrafo pero, ya sabes, mis padres me dijeron que tenía que estudiar algo para hacer dinero.

Me tomó cierto tiempo antes de poder estudiar fotografía finalmente. Mi razón de fondo era esta idea romántica acerca de la fotografía de guerra; en ese entonces me fascinaba la World Press Photo y quería ser uno de esos fotógrafos. Busqué lo más cercano a ese sueño de ser fotógrafo de conflicto y lo encontré en la fotografía documental.

OC. ¿Cómo empezaste a hacer el proyecto 500 Photographers?

PW. 500 Photographers nunca comenzó como un proyecto para el público, estaba destinado a ser mi propio archivo de investigación. Terminé la universidad y hacia el final de mi segundo libro empecé a dudar de mi propia fotografía: ¿Soy realmente un fotógrafo documental? ¿O, más bien, soy más un fotógrafo de arte? Yo estaba convencido de que los fotógrafos que toman decisiones claras a lo largo de sus carreras crean al final algo de valor. Sentí que estudiar fotógrafos era algo que me había perdido en la escuela y decidí hacerlo.

Comencé a buscar a los fotógrafos que me parecían absolutamente increíbles, geniales. Decidí usar una plataforma de blog con la que estaba familiarizado y también tenía un tema con la autodisciplina: ya había comenzado proyectos sin terminarlos y esto me parecía un modo de crear un cierto rigor personal.

Por otra parte, en ese entonces tenía mi propia galería y me pasaba el día entero allí sentado sin hacer nada, de modo que tenía tiempo de sobra.

En abril de 2010 envié a mis amigos un e-mail contándoles de mi iniciativa y uno de ellos me consiguió un enlace en un sitio de noticias fotográficas. Un par de días más tarde se publicó una nota en un periódico holandés. En ese momento me di cuenta de que había algo más en juego. Tres semanas más tarde un sitio web estadounidense, photojojo.com publicó algo sobre 500 Photographers y las visitas al blog aumentaron de una manera impresionante. Desde entonces no ha parado de crecer, todo se hizo grande, explotó. La atención al proyecto no ha cesado desde entonces.

OC.¿Qué piensas acerca de la fotografía de hoy? ¿Dónde sientes que estamos?

PW. La fotografía luchó por el reconocimiento durante un largo tiempo para ser tomada en serio como una forma de arte importante. Las galerías han sido responsables, en parte, porque han presionado para colocar a la fotografía en la mente de los coleccionistas. Sin embargo me parece que la atención hacia nuestro medio es exagerada, está en todos lados y hay demasiada fotografía. Y renace la antigua pregunta ¿Es la fotografía una verdadera forma de arte? 95% de toda la fotografía hoy es una representación de algo que ya está ahí, no es una creación. Así que creo que la lucha actual de la fotografía también está en la gran saturación de los fotógrafos: Todos quieren ser tomados en serio y todos sienten que están en el nivel más alto de fotografía posible.

Por otro lado toda la gente cree poder juzgar la fotografía. Es tan disponible que todo el mundo cree que puede decir algo al respecto. Tantas opiniones, a veces desinformadas, provocan confusión y ruido. Es difícil ver lo que la fotografía es hoy realmente. Creo que la fotografía aún no es la forma de arte que debería o podría ser.

OC. ¿Cuáles son las oportunidades de este momento en particular, con todos estos nuevos medios de comunicación y web 2.0?

PW. Los nuevos medios de comunicación, las redes sociales, permiten acceder rápida y fácilmente a un gran mercado. Hoy el alcance es mundial, en lugar de confinarse a una galería local o ferias como Paris Photo. Ya no hay que esperar a que alguien te escoja, puedes promoverte tú mismo y eso es muy positivo si tienes una calidad que te respalde. Hay fotógrafos que ganaron notoriedad gracias a estos nuevos medios de comunicación. Eso es un punto a favor, por supuesto.

OC. ¿Te viene a la mente algún nombre en particular sobre este fenómeno?

PW. Sí, Ferit Kuyas, un suizo de origen turco que ha sido fotógrafo durante casi treinta años sin ser reconocido hasta que, gracias a la web, pudo llevar su obra a museos y galerías. Tuvo que esperar 20 o 25 años, hasta esta generación, para que su fotografía pudiera ser conocida.

OC. Estabas hablando de la calidad que debe respaldar el trabajo de un fotógrafo.  ¿Qué características necesita un fotógrafo hoy para ser relevante?

PW. Creo que hoy en día una fotografía bonita se hace fácilmente. La tecnología, como el Photoshop, permite hacer impresiones asombrosas. Ahora bien, eso no convierte a alguien en un buen fotógrafo. Yo creo que la primera característica, la primera cualidad importante, es la de crear series. Siempre busco fotografías que sean series porque cuando haces fotografías aisladas, si disparas lo suficiente acabarás con algunas buenas imágenes. Pero es mucho más difícil crear una serie: Es complicado hacer un cuerpo de obra coherente, consistente.

Hoy existen demasiadas fotografías que apenas rozan la superficie. Por ejemplo, si vamos a hacer fotos de la Ciudad de México y nos concentramos únicamente en lo que se observa,  es una mera epidermis de la Ciudad de México, pero no una representación real de lo que, en esencia, profundamente es.

Con la investigación y la reflexión el enfoque será diferente para llegar a otras capas: Se podría enseñar visualmente una parte pero, al mismo tiempo, discurrir sobre algo totalmente distinto. Cuando hay fricción en una serie es cuando se convierte en algo realmente profundo e interesante, con mucho más valor que una mera secuencia de imágenes bellas.

En realidad no es difícil crear una gran fotografía, el mérito está en lograr ser consistente.

Uno de los errores más frecuentes de una gran cantidad de fotógrafos es confundir la consistencia en una especie de engaño, de truco, una mera fórmula. Veo muchos fotógrafos  que encuentran una «receta de cocina» que les funciona y luego de hacer una gran serie comienzan a repetirse, pero la significación profunda ya no está allí. El truco es efectivo durante un tiempo, pero luego deja de funcionar y muere.

Para el fotógrafo uno de los puntos clave es dudar de lo que está haciendo con el fin de mantener su propio crecimiento. El mejor trabajo es el que nunca has hecho, lo mejor siempre está aún por llegar, nunca has hecho tu mejor trabajo. Ese es el objetivo.

OC. Eniac Martínez quien dominó el encuadre panorámico y es autor de la serie Camino Real Tierra Adentro,  me dijo en una entrevista que cuando “aprendió el truco” abandonó el formato porque no le gusta caer en la auto-complacencia.

PW. Si. Hay que pensar en el caso de Ryan McGinley: Se hizo muy famoso cuando capturó una serie de fotografías de sus a amigos que hacían viajes y deambulaban desnudos. Tomó fotos de este momento de libertad y se hizo muy famoso con esas imágenes. Es un fotógrafo muy inteligente, pero no pudo sostener la fórmula por siempre porque eso que había captado había ocurrido espontáneamente y él obtuvo este momento irrepetible. Cuando quiso re-crearlo simplemente esa magia ya no estaba allí.

OC. Sí, porque en el fondo era más una fotografía hallada que una construida. Lo que en principio había sido una imagen documental ya no funcionó como un tableu vivant. Me viene a la mente Larry Clark cuando hizo las fotografías de sus amigos y publicó Tulsa: Tratar de repetir eso una y otra vez simplemente no hubiera tenido sentido.

PW. Exacto. Ryan McGinley realmente necesitaba reinventarse y mirarse a sí mismo.

Por eso los grandes maestros no son producto únicamente de la moda o la publicidad.  En este momento con tantos fotógrafos, el crear una carrera relevante implica auto-buscarse constantemente y lograr una coherencia. Es un tema de toda la vida. Puedes estar de moda un tiempo y luego desaparecer. El auténtico reto es prevalecer en el tiempo.

Además, la autenticidad es fundamental. Un problema hoy es que tenemos miles de imitadores de Ryan McGinley, pero eso no es auténtico. Perdón por insistir: la autenticidad importa.

OC. Como cuando Richard Billingham hizo la famosa serie de su familia en Ray’s Laugh. No buscaba tener una exposición en el Tate Modern, sino crear referencias para sus pinturas y lo que tenía a la mano era su propio espacio, su casa y su gente, su propia familia. Era un proyecto honesto, auténtico.

PW. Es como querer hacer fotos à la Nan Goldin. Uno puede tratar de usar sus técnicas y estrategias. Pero yo no soy como ella: No tomo drogas, no tengo los amigos que ella tiene. Aunque haga cosas que aparenten replicar el estilo de Goldin no tendrán el mismo peso, la misma densidad.

OC. Serían “Nan Goldins” huecas, meros remedos…

PW. Por supuesto. Pero a veces, si lo haces bien puedes engañar al público y mostrar lo falso como auténtico. Sin embargo, a la larga, el engaño no puede persistir. En esta era de las redes sociales puedes encontrar muchas cosas “hip”, que se ponen de moda pero la burbuja explota y desaparece rápidamente. Aunque logres estar de moda durante un tiempo breve a la larga se encuentra que hay falsedad, que eso que se presenta no es honesto, o simplemente el trabajo no tiene el poder suficiente y cae en el olvido por sí mismo.

OC. También se puede inflar algo artificialmente. Una foto puesta en una galería genera una lectura distinta. 

PW. Es cierto, he oído muchas quejas sobre eso y es parte de la fotografía hoy. Si la imagen se observa en un anuncio espectacular en la calle o en un museo la imagen se percibe de una manera distinta y el autor no tiene el control total sobre el espacio de recepción de la fotografía. Eso siempre va a suceder, el fotógrafo no puede controlar todo.

OC. Ahora que has visto el trabajo de tantos fotógrafos estupendos ¿No es difícil volver a tu propio trabajo?

PW. Gracias a 500 Photographers he tenido la fortuna de conocer y conversar personalmente con muchos de estos artistas y algo muy refrescante es darse cuenta de que no son dioses, que luchan igual que uno, que tienen mis mismas dudas y se hacen las mismas preguntas que nosotros nos formulamos. Estos 500 autores también dudan de sus fotografías, aún si han logrado vender una en 25 mil dólares. También ellos se preguntan si su trabajo es realmente valioso o es una tomadura de pelo.

Estos fotógrafos no son magos, la mayoría de ellos no tienen un talento inexplicable, divino. Sus fotografías son el producto de trabajo duro: Mucho esfuerzo y reflexión. Eso me da esperanza.

Al mismo tiempo la expectativa crece. La gente cree que porque he visto tantos grandes fotógrafos mi obra tiene la obligación de ser igual de buena o mejor. Eso puede ser atemorizante, pero mi filosofía sobre los remordimientos y el fracaso apuntan hacia otra dirección. Para mí todo es parte del proceso e incluso creo que fracasar es una parte esencial del camino artístico. Por supuesto que en el nivel emocional aún tengo que superar ese miedo a no cubrir la expectativa.

OC. Parece ser que estamos condenados a la ansiedad como parte del proceso creativo. No recuerdo dónde leí que Francis Ford Coppola era un mar de dudas cuando hizo El Padrino siempre preguntándose y dudando cómo se debía hacer una película de gángsters y si lo que estaba creando iba en la dirección correcta. Acabó con un obra maestra, producto de un montón de dudas y preguntas.

PW. Cada uno de los 500 fotógrafos experimentó lo mismo de una u otra manera. Y también está el tema de qué hacer una vez que logras un cuerpo de obra relevante. Tomemos por ejemplo a Alejandro Cartagena y su serie de fotografías hechas desde una toma cenital mostrando a los trabajadores en la cabina de camiones y furgonetas. Es un trabajo que ha sido reconocido y hoy por hoy está en todos lados, en museos y galerías y está recibiendo muchísima atención. Es una auténtica historia de éxito. No he podido discutir esto personalmente con él, pero seguramente habrá un cierto componente de miedo sobre si podrá hacer algo tan bueno o mejor que esta serie.

Es como Elizabeth Gilbert, la autora de Eat, Pray, Love quien siempre recibe preguntas en las entrevistas con un dejo de duda, un cierto aire negativo que siempre parece acusarla o condenarla sobre cómo va a crear en el futuro algo tan bueno como Eat, Pray, Love. Supongo que los artistas en general si tienen éxito se enfrentan a las mismas dificultades.

Yo creo que siempre hay que volver la mirada hacia uno mismo y tratar de llegar al núcleo acerca de por qué hacemos algo, un tipo concreto de fotografía. El primer punto de mira eres tú mismo. No importan el público, ni los marchantes, los coleccionistas ni los curadores: Lo que realmente importa es entenderte a ti mismo y comprender, profundamente, por qué repites ciertos temas, ciertos tratamientos, tu propia forma de mirar, qué patrones hay en tu obra, pero sobre todo preguntarte constantemente «¿Por qué hago estas fotografías? ¿Qué es lo que realmente me interesó? ¿Qué hay de mi vida en esa fotografía?» Es necesario preguntarse una y otra vez ¿Por qué? ¿Por qué? ¿Por qué?

Observa esta flor en la mesa. Si hubiera aquí un niño pequeño nos preguntaría por qué el clavel de este florero es rojo.  ¿Por qué? Y una vez que le respondes repetiría ¿Por qué? Y le darías otra razón y el ciclo se repetiría incesantemente. Los adultos simplemente decimos “Es rojo” y si alguien pregunta ¿Por qué? Repetimos simplemente “porque sí” pero esa no es la respuesta que puedes darte a ti mismo sobre por qué de las fotos que haces. No puede ser simplemente “porque sí.” Hay un “por qué” más profundo, una razón subyacente, y tu trabajo es en buena medida tratar de responder a la pregunta visualmente, con tus propias fotos.

OC. Ante tanta competencia y un mundo de fotografía contemporáneo tan diverso, complejo e incluso saturado ¿Tienes algunas palabras para los fotógrafos que recién comienzan su camino?

En primer lugar disparar y producir. En segundo lugar mostrar tu trabajo a personas relevantes que te hagan preguntas sobre tus imágenes. No hay que mostrárselas a los padres porque probablemente todo les parecerá maravilloso, sino compartir la obra con personas que sean de ayuda para el proceso creativo.

En tercer lugar es importante trabajar series, no solamente fotografías individuales, hay que hacer series y preguntarse ¿Por qué hago lo que hago? Ese proceso de pregunta y respuesta cambiará eventualmente el enfoque, las imágenes serán cada vez más interesantes porque pasarán la superficie de una imagen bella para crear algo más.

OC. Pieter, muchas gracias por compartir con nosotros tu proyecto, pero también tus ideas y tu propio proceso creativo. 

PW. Al contrario. Creo que todos tenemos las mismas búsquedas y así como este proyecto de archivo personal me ha ayudado espero que le sirva a muchos fotógrafos a poder apreciar el trabajo de otros y a realizar sus propios proyectos.

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Pieter Wisse realizó un conjunto de actividades como conferencias, proyecciones y clínicas durante la fotoWIK2013 organizada del 4 al 8 de noviembre de 2013 por la Universidad Panamericana en la Ciudad de México.  www.fotowikup.com

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* Óscar Colorado Nates es Profesor/Investigador titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada en la Universidad Panamericana (Ciudad de México).

Es autor de los libros:

•  Ideas Decisivas: 650 reflexiones fotográficas
•  Fotografía 3.0 Y después de la Postfotografía ¿Qué?
• Instagram, el ojo del mundo
•  Fotografía de documentalismo social
• Fotografía Artística Contemporánea
• El Mejor Fotógrafo del Mundo.

Co-fundador de la Sociedad Mexicana de Daguerrotipia y miembro de The Photographic Historical Society (Rochester, NY).

Las opiniones vertidas en los artículos son personales y no reflejan necesariamente las posturas de la Universidad Panamericana.