Existe una fiebre por agregarle “filtros” a las fotografías y muchos se preguntan si es una forma de hacer trampa al alterar la imagen original. Ofrecemos algunas respuestas. 

Por Óscar Colorado Nates*

 

Aplicaciones como Hipstamatic, Instagram, VSCO Cam, Litely, Snapseed, Afterlight o Mextures han generado toda una nueva manera para adicionar efectos instantáneamente a las fotografías realizadas con los dispositivos móviles. Cada vez más cámaras incorporan en sus programas posibilidades para agregar estos filtros de manera nativa. Pero ¿Se está abusando de esta funcionalidad? ¿Se está pervirtiendo de alguna manera la fotografía? ¿O estamos frente a un recurso expresivo que en fotografía, realmente, no es ninguna novedad?

1. La furia contra los filtros

Sobre los llamados “filtros”, las críticas han sido enconadas. Chris Ziegler,[1] editor en el sitio web de tecnología The Verge, se queja: “[hay] …una legión de usuarios de Smartphones que están subiendo, literalmente, miles de millones de imágenes dañadas. Sí, «dañadas», porque cuando se aplica un filtro es un truco barato para la foto y no se está mejorando, se destruye. […] Se está robando su auténtico carácter, sus matices, y se le sustituye por basura que no tiene ninguna otra función que no sea para engrandecer un sentido del arte.” Y concluye: “Si fueras un artista, no estarías usando Instagram en el primer lugar. Ciertamente no estarías usando un filtro como muleta. Al fina del día eso es lo que los filtro de Instagram son: muletas…”[2]

Ziegler no está solo. Kate Bevan,[3] escritora en el diario británico de circulación nacional The Guardian, expresa: “A mi parecer, estos filtros arruinan las imágenes: se meten en la fotografía y distorsionan la historia que se quiere contar…”[4]

Rebecca Greenfield,[5] parte de la revista The Atlantic fundada en 1857 argumenta que “…es fingir un talento que no tenemos…”[6]

El fotorreportero Jean-François Leroy también se lamenta: “Estoy harto de estas imágenes de Hipstamatic e Instagram. Cuando estás fotografiando un bote de basura usando Instagram, acabas con una foto linda, pero el fotógrafo no tiene nada que ver con ello… Con Instagram y Hipstamatic todo es truco. Es pura holgazanería.”[7]

Nick Stern, colaborador fotográfico de cadenas informativas de alcance mundial[8] escribió en un polémico artículo de CNN: “Cada vez que una organización de noticias utiliza una fotografía al estilo de Instagram […] nos están engañando. No es el fotógrafo que ha comunicado la emoción en las imágenes. No es el dolor, el sufrimiento o el horror que está mostrando: Es el trabajo de un diseñador de la aplicación, en Palo Alto, quien decidió que un desenfoque o un marco deslavado obtendría lo mejor en una imagen. La imagen nunca existió en ningún otro lugar que el ojo del desarrollador de la aplicación.”[9]

Las críticas se dirigen, como puede verse, a los “filtros”. Sin embargo ¿Qué son exactamente? ¿De dónde provienen? ¿Por qué son una parte importante de Instagram, Hipstamatic y tantas aplicaciones móviles? ¿Cómo afectan la fotografía? ¿Realmente convierten una imagen mediocre en una buena foto?

2. ¿Qué son los filtros?

Los filtros son “rutinas de software que cambian la apariencia de una imagen o parte de una imagen alterando las sombras y colores de los pixeles de alguna manera. Los filtros se usan para incrementar el brillo o el contraste así como agregar una gran variedad de texturas, tonos y efectos especiales a una imagen.”[10]

Los filtros que utiliza Instagram son alteraciones en las curvas tonales y la saturación cromática de la fotografía que buscan cambiar la apariencia de la toma original. [11] En el área de preguntas frecuentes de la aplicación se explica que “Nuestros asombrosos filtros transforman tus fotos en instantáneas de aspecto profesional.”[12]

Kevin Systrom, creador de Instagram comenta que “Nuestros filtros son una combinación de efectos –perfiles de curvas tonales, matices de colores, etcétera. De hecho yo generalmente lo hago en PhotoShop antes de crear los algoritmos para aplicarlos en el teléfono.”[13] Y agrega: «Como yo veo a los filtros, son el tono y la voz del momento, así que te permitimos editorializar la percepción» dice mientras da el ejemplo de la película Traffic que usa diferentes tratamientos [visuales] para distinguir tres historias diferentes. «Le ofrecemos al consumidor lo mismo con sus videos. […] cada vez que hacemos nuevos filtros son más sutiles porque si las alteras demasiado no necesariamente querrás verlas en 20 años. Queremos que la gente que usa los filtros de Instagram en cinco o diez años sienta que obtuvo algo realmente útil, no solamente sacarina…»”[14] Por su parte Mike Krieger, socio programador de Instagram, agrega: “Ahora hemos procurado que no estén tan procesadas, que tengan un cierto tinte respecto de la fotografía directa, pero no al punto de volverla irreconocible.”[15]

Análisis técnico de los filtros en Instagram: ¿Cómo alteran exactamente los filtros a las fotografías?

Revisaremos a fondo los filtros de Instagram por ser la aplicación más popular para hacer, compartir y alterar fotos en dispositivos móviles. Durante esta investigación realizamos un análisis detallado sobre la morfología de los 19 filtros disponibles en la versión actual[16] de Instagram donde revisamos en detalle cómo se altera el tono, la curva tonal, la saturación, luminancia y tono del color, la división tonal en las altas luces y las sombras y la adición de viñetas.[17]

Del análisis pudimos concluir que las alteraciones promedio que realizan los filtros de Instagram:

• Tono: alteran los valores tonales especialmente en lo referente a la luz de relleno y el contraste
• Curva tonal: Agregan luz en las áreas de tonalidades oscuras y comprimen la curva en el área las altas luces para disminuir el contraste.
• Color:
• Intensidad de color (vibrance). Disminuyen el parámetro de intensidad de color y en general disminuyen la saturación cromática
• Saturación: agregan púrpuras, aguamarinas y rojos al tiempo que disminuyen los verdes, amarillos y azules.
• Luminancia cromática: suelen oscurecer los rojos y los púrpuras y aclaran los tonos verdes y amarillos.
• Otras alteraciones:
• Virados: generalmente se agregan y tienden hacia el beige con saturación baja en las luces y sombras púrpuras.
• Viñeteo: En general agregan una viñeta moderada con desvanecido alto.

Tras el análisis podemos concluir que, efectivamente, los filtros de Instagram son más bien moderados y suelen disminuir la saturación y contraste más que aumentarlos de modo que están menos enfocados hacia el dramatismo y la excitación visual que hacia la alteración cromática de la emoción general provocada en la fotografía.

En apoyo a lo declarado por Mike Krieger, las primeras versiones de la app tenían una tendencia a saturar más los colores y aumentar el contraste. Filtros muy saturados como Lomo-fi de la primera versión fueron eliminados y algunos que se conservaron como Earlybird o Toaster son mucho más sutiles hoy que en la primera versión.

3. De filtros, efectos, trucos y artificios: lo que implica un nombre

Antes de continuar vale la pena precisar que el término “filtro” no es la manera más precisa para denominar las posibilidades estéticas que ofrece la app para alterar el aspecto de la imagen.

Si nos atenemos a la definición de la Real Academia Española, entre las acepciones de la palabra filtro se encuentra la siguiente: “Sistema de selección en un proceso según criterios previamente establecidos.”[18] Esta definición es muy exacta respecto de los filtros que se usaban en fotografía analógica para evitar el paso de luz o de una parte del espectro electromagnético visible al ojo.

Tal vez la palabra efecto resulte más puntual. El efecto es un truco o artificio utilizado para provocar ciertas impresiones.[19]. Ahora bien, en esta acepción se esconde una cierta ambigüedad moral en dos palabras concretas: truco y artificio. El primero es un ardid, un medio empleado hábil y mañosamente para el logro de algún intento.[20]El artificio es el predominio de la elaboración artística sobre la naturalidad.[21]

De modo que en el efecto se esconde una impresión lograda de forma tan hábil como mañosa y que provoca algo que ronda lo artificial.

Y es precisamente esta noción del truco, del artificio lo que provoca la mayor parte de las críticas a Instagram y otras aplicaciones en dispositivos móviles o computadoras.

No obstante la imprecisión del término, debido a la popularización de la palabra, la seguiremos usaremos en este libro para referirnos a las alteraciones que ofrece Instagram a las características morfológicas de tonos, contrastes y colores de la fotografía realizada con la cámara del dispositivo móvil.

4. No hay nada nuevo bajo el sol: antecedentes a los filtros

Como ya explicamos en otro artículo, el antecedente estético más importantes de Instagram y sus filtros provienen de la lomografía. Sin embargo la alteración morfológica de la imagen se remonta a los momentos fundacionales mismos de la fotografía.

a. Antecedentes remotos: De Daguerre a los Pictorialistas

Desde su presentación ante la Academia de Ciencias de París, la fotografía pronto fue aceptada por los científicos, pero era un media que tenía mucho más que dar que sus meras posibilidades documentales.

El daguerrotipo, proceso primigenio de la fotografía tiene características propias que convierten en únicas las imágenes realizadas con esta técnica. Por ejemplo, los daguerrotipos auténticos pueden diferenciarse de otras técnicas como el ambrotipo o el ferrotipo porque tienen una tonalidad marrón en las sombras, mientras que el método desarrollado por Nicéphore Niépce y Louis Daguerre es más bien azuloso. Debido a que el daguerrotipo como técnica evolucionó tan rápidamente no pudo madurar como una posibilidad estética. Aunque todo el mundo vio la utilidad documental del daguerrotipo, cuenta con una estética peculiar, en cierto modo ofrecía su propio e intrínseco efecto.[22]

Después del daguerrotipo, algunos creadores tempranos como Gustave le Gray, Oscar Rejlander o H. P. Robinson encontraron en la fotografía un inmenso potencial estético a mediados del siglo XIX. No obstante, estos primeros artistas evocaban todo el tiempo a la pintura. Al no comprenderse cabalmente la propia gramática fotográfica, se tomaban prestados elementos formales de la pintura.

Por otra parte muchos fotógrafos querían alejarse del carácter científico de los primeros años de la fotografía. De esta manera surge en Inglaterra el pictorialismo que “…reclamaba la emancipación total de la fotografía artística de lo puramente científico y técnico.”[23]

Los tratamientos como fuera de foco, vistas urbanas en condiciones climáticas como nieve, niebla o lluvia eran un eco del trabajo de los pintores impresionistas.[24]

El movimiento pictorialista tuvo un gran auge con paladines como Robert Demachy, Julia Margaret Cameron,  Clarence H. White o Gertrude Käsebier. Los siguientes con ejemplos de  fotografía pictorialista donde se se emplea el foco suave (típico del estilo)  y se toman prestados temas y composiciones de la pintura.

b. La fotografía directa: archienemiga de los filtros

Como una contra-propuesta al pictorialismo el grupo de fotógrafos pertenecientes a la Photo Secession pretendía alejar de una vez por todas a la fotografía de la pintura.

La Photo Secession tuvo como principales exponentes a Edward Steichen, Alfred Stieglitz (previamente pictorialista) y Alvin Langdon Coburn. Estos dos últimos fotógrafos fueron importantes pictorialistas, sin embargo a partir de 1902 identificaron la necesidad de escindir estilísticamente a la fotografía de la pintura. La Photo Secession buscó, entre otras cosas, el prescindir de los focos suaves y otras estrategias conectadas con la pintura.

Paul Strand se convierte en el líder de este nuevo estilo que conduce a la fotografía al modernismo. Aparece entonces la llamada fotografía directa que “opta por nuevos encuadres, el abandono de manipulaciones y la nitidez de la imagen.”[25] Es una ruptura con lo procedimientos “artísticos” mediante apoyarse en medios exclusivamente fotográficos.[26]

“Los puristas, en respuesta a los excesos de los pictorialistas, adoptaron un conjunto completamente diferente de los cánones.”[27] A partir de ese momento la falta de manipulación y todo alejamiento de las técnicas “artísticas” definen un largo período de la fotografía donde se subraya el valor de las “fotografías honestas, directas”. [28]

c. Fotografía directa y modernismo

El modernismo artístico tuvo un peso tal en la apreciación de la fotografía durante el siglo XX que aún persiste en buena medida en el nuevo milenio. Sin embargo no hay que olvidar que “Tanto el pictorialismo como el purismo directo dieron como resultado grandes fotografías. Estos estilos funcionaron gracias a que existieron creadores talentosos quienes podían mezclar los ingredientes visuales en un significado y diseño inteligibles sin importar el juego de reglas que hubieran escogido.”[29]

La fotografía directa no invalida al pictorialismo, del mismo modo que el postmodernismo no inutiliza al modernismo. El pictorialismo obedeció a un momento histórico y artístico así como a un contexto social que obedecía criterios de valoración que fueron desafiados por la fotografía directo. Sin embargo hoy lo mismo apreciamos una fotografía pictorialista de Julia Margaret Cameron que una imagen directa de Paul Strand.

El modernismo fue fundamental para la fotografía porque la emancipó de cualquier atadura y permitió el descubrimiento del lenguaje fotográfico con sus características propias. Este movimiento tuvo una gran influencia en la fotografía de la primera mitad del siglo XX y se apropió poderosamente del imaginario colectivo de manera que incluso ha llegado hasta nuestros días. Durante muchos años se ha creído a pie juntillas que una gran fotografía ha de ser totalmente original, que capte un momento decisivo y que sea honesta, sin ningún tipo de alteración; todos estos son criterios provenientes del modernismo que, en fotografía, tiene una vigencia muy específica que abarca aproximadamente de 1925 a 1955. Todavía hoy en el ojo del observador casual permanece atado este canon de valores fotográficos en el imaginario popular, sin embargo estos no son los únicos criterios con los que se mide una fotografía.

d. Pop Art, posmodernismo, color, fotografía vernácula e Instagram

Robert Frank con su trabajo fundamental Les Américains (1958) implicó una revolución con respecto al modernismo e incluso la fotografía directa. Este fotógrafo suizo fue muy criticado por sus atribuidos errores tales como barridos, grano evidente y fotografías muy contrastadas. En Robert Frank “Las geometrías desenfadadas, los profundos contrastes y los barridos son algunos de los elementos expresivos que tienen un propósito y conformaron un estilo tan atractivo como innovador.”[30]

Sin embargo, su recorrido por Estados Unidos generó un cuerpo de obra en el que se amplió el vocabulario fotográfico en una extraña mixtura: demasiado directa para aparentar cualquier forma de pictorialismo y demasiado expresiva para ser considerada una fotografía directa como la preconizaba Paul Strand.

Con la década de 1960 también llegó el Pop Art y se inició la etapa artística conocida como post-modernismo: inició una nueva era que cuestionaría el arte tal retomando mucho del arte conceptual incoado por Marcel Duchamp. Tanto el posmodernismo como el Pop Art moldearían el imaginario estético de los siguientes cincuenta años.

Como parte de la visión fotográfica post-moderna, y de alguna manera por la herencia e influencia de Andy Warhol, en la fotografía de la década de 1970 destacan Stephen Shore y William Eggleston, quienes agregaron a la fotografía posterior al modernismo (no necesariamente ni exclusivamente post-modernista) una impronta fundamental: el colorismo. Y ¿No es acaso el color uno de los elementos cruciales que son alterados por los filtros de Instagram? Por ello vale la pena dar un vistazo al colorismo de los dos fotógrafos fundamentales del New American Color: Shore y Eggleston.

i. El colorismo de Stephen Shore y William Eggleston

a. Stephen Shore

En la década de 1970 Stephen Shore comenzó a trabajar en color porque pensaba que el cromatismo “agregaba una capa de información.”[31] Shore abandonó la escuela para merodear y convivir en la Factory de Andy Warhol. “¿Sentarse en clases que no me interesaban en lo más mínimo o merodear en la Factory de Warhol? Era una decisión sencilla.”[32]

Si la geometría era de la máxima importancia para la generación de Henri Cartier-Bresson, Shore pensó que el color podía ser tan fundamental como el volumen o la forma.

Para Shore “El color amplía la paleta de una fotografía y añade a la imagen un nuevo nivel de información descriptiva y transparencia. Una fotografía en color es más transparente porque quien la contempla se detiene menos en la superficie. Y es que las personas estamos acostumbradas a ver el mundo en color. Posee además un nivel descriptivo adicional, porque muestra el color de la luz y los tonos de una cultura o una época.”[33]

b. William Eggleston

Por su parte William Eggleston se convirtió en un colorista, término que alude a “…dar al color un lugar preferente. Es pensar en colores. Es concebir una imagen que no puede existir y no tiene interés si no es en color. El color en este caso no es un elemento complementario o suplementario; es la material prima de la imagen y la que le da su razón de ser.”[34]

William dio al color un vuelco pues no solamente se contentaba con mostrar escenas cromáticas, le interesaba amplificar al máximo la saturación y las posibilidades expresivas de esta capa de significado:

“Eggleston vio un uso para el color exaltado; de hecho, sus colores pueden llegar al punto cercano a la histeria […] con tonalidades estridentes. Está perdidamente enamorado de las posibilidades imaginativas de lo común. Quiere lavar nuestros ojos hasta que veamos, sin perjuicio, la exquisita intensidad de las aparentes frivolidades en la vida cotidiana.”[35]

La manera en la que comprendemos el color hoy en día se debe en buena medida a William Eggleston. Nuestra sociedad actual está acostumbrada a los colores fuertes y los contrastes pronunciados, herencia del Pop Art y el colorismo incoado por Eggleston.

Vale la pena hacer un paréntesis y anotar que hay un “color fotográfico” que difiere de la realidad. Es muy conocido que Canon, por ejemplo, tiende a sobre-saturar los rojos. Como expone Joan Costa en su libro Diseñar para los ojos, “el color fotográfico resulta hoy más real que el color que vemos en la realidad, porque nos hemos acostumbrado a ver el mundo a través de sus imágenes: «El cielo tiene que ser azul Kodak, si no, no es el color del cielo.» […] Al igual que los paladares saturados buscan los sabores fuertes, los ojos saturados de los consumidores se rinden más fácilmente a las imágenes eufóricas, saturadas e incluso sobresaturadas de color.”^[36]

Los editores de Time-Life explicaban en 1971 que “Hoy en día muchos fotógrafos innovadores no dudan en hacer sus propias escenas, utilizando un amplio espectro de ingeniosas técnicas desde la toma de la imagen y en el cuarto oscuro. Recubren sus fotografías con pintura, invierten colores, se combinan negativos, yuxtaponen imágenes una encima de la otra… En definitiva tratan de recurrir a todos los ámbitos de la experiencia humana para satisfacer sus propios fines. Y en cada caso en el que el fotógrafo ha tenido éxito, la innovación, una vez más ha expandido el arte.”[37] Y agregaban: “…los principales exponentes de la manipulación del color son fotógrafos serios, creativos, con poco o ningún interés en el valor del efectismo en sí mismo. Tampoco desdeñan la fotografía en color convencional.”[38]

Ahora bien, de qué manera se percibe el color es una construcción cultural. Por ejemplo, a mediados del siglo XX se pensaba que una imagen en blanco y negro era más “real” porque estaba ligada culturalmente al foto-reportaje. Después de la década de 1970 y el movimiento del New American Color “El color era un elemento adicional que otorgaba otro nivel de significado…”[39]

Por otra parte no habría que olvidar que la lomografía alteró la manera en la que se percibe el color hoy, pues a mediados de los setentas y en los inicios de la fotografía digital se buscó una máxima precisión en los colores que provocó imágenes estériles y demasiado precisas.

Y es que la dimensión del color suma algo más que un mero ingrediente estético. “Agrega también un componente de significado. Pueden establecer la escena en el tiempo –el día, el año o incluso el período.”[40]

ii. Fotografía vernácula y filtros

Como se mencionó antes, el color es una capa de significado, y uno de ellos tiene que ver con el reconocimiento concreto de una época de producción. Gracias a la gama de tonalidades en una fotografía puede identificarse en qué época se realizó. Las propias emulsiones de las películas fotográficas son responsables de cómo es ligada una época concreta a una cierta tonalidad cromática. Por ejemplo, las fotografías realizadas a principios de 1940 debe su gama tonal a las posibilidades y sensibilidad de la película Kodachrome disponible en aquella época. Lo mismo aplica a la saturación propia de Polaroid en los años cincuentas y así cada década fue marcada por ciertas películas clásicas de su tiempo.

Podría creerse que el efecto nostálgico de una fotografía se debe al envejecimiento de la copia, pero no es necesaria ni exclusivamente un tema de pátina tanto como de sensibilidad a las diferentes regiones en el espectro visible de las radiaciones electromagnéticas que podemos identificar como colores.

Desde que el color se popularizó a mediados de la década de 1930 la fotografía a color fue relegada a las cámaras de los aficionados. Dos autores fundamentales del modernismo despreciaron profundamente al color en la fotografía: Walker Evans lo tildó de “vulgar”[41] y Cartier-Bresson sin ambages declaró que el color era “una mierda.”[42] Es hasta William Eggleston y Stephen Shore que la fotografía a color vuelve a ser parte del lenguaje fotográfico artístico.

Pero si hubo un tipo de fotografía ligada al lenguaje del color y al cual se le agregó un aire nostálgico debido a los distintos esquemas cromáticos es la fotografía casual, la de viaje, la familiar, la de la graduación, la de la boda de la prima. El lenguaje del color es el de la fotografía vernácula.

En el caso concreto de Instagram, que sus filtros emulen una cierta época y tengan un aire nostálgico, tan propio de la fotografía casual, no es mera coincidencia. Mike Krieger explica el origen de estas alteraciones visuales:

“Kevin [Systrom] realizó la mayoría de los filtros en los primeros tiempos de Instagram… Revisamos colecciones en Flickr con fotografías antiguas y qué ocurría con ellas al paso del tiempo. Vimos incluso las fotografías de nuestra niñez, imágenes con un par de décadas de antigüedad pero que ya mostraban un cierto sentimiento, una cierta emoción y quisimos reproducirla. […] Hemos mejorado con el tiempo. Encontramos que todas la fotografías tenían marco. Al principio nuestros filtros tenían demasiada corrección de color… Ahora hemos procurado que no estén tan procesadas, que tengan un cierto tinte respecto de la fotografía directa, pero no al punto de volverla irreconocible.”[43]

5. El proceso fotográfico: antes y después

A veces puede confundirse el acto fotográfico con el proceso fotográfico. El primero es el momento mismo de la toma pero el segundo implica que, para la producción de una foto, hay cuatro clave:

1. Pre-producción
2. Producción
3. Edición
4. Post-Producción

Y se podría agregar un quinto momento: Distribución/diseminación

a. Escoger la película

Aunque en Instagram la aplicación del filtro se realiza como parte de la post-producción, en la era de la fotografía analógica la preproducción implicaba, además de la reflexión sobre cómo se abordaría el sujeto fotográfico, escoger el soporte. La simple decisión de trabajar en color o blanco y negro implicaba comprar la película que se ajustara a las necesidades y criterios del fotógrafo. Escoger la marca y tipo de película no era trivial: la decisión afectaba profundamente el proceso. Como explica Paul Watson “En los días de la fotografía analógica los fotógrafos escogían la película por sus cualidades de calidez o frialdad, grano, nitidez y numerosas diferencias creativas.”[44]

Por su parte Clive Thompson agrega: “En las viejas cámaras analógicas, muchos de los «efectos» de los filtros eran un subproducto químico de la película, así que los fotógrafos se convertían en experto en comprender los poderes únicos de cada maca y modelo. La película Velvia de Fujifilm con su alta saturación y fuerte contraste atraía a los fotógrafos que buscaban capturar la intensidad e la naturaleza, el propio co-fundador de Instagram Kevin Systrom dice «Todo lo que Instagram hizo fue llevar las herramientas creativas de los profesionales en manos de las masas.»”[45]

Eran tan apreciadas e importante estas cualidades que hoy en el mundo de la fotografía digital software como el DxO FilmPack,[46] Google-Nik Silver Efex Pro[47] o Alien Skin Exposure[48] son herramientas de postproducción que emulan algunas películas clásicas como las Agfa APX, Scala, Fuji Velvia, Superia, Provia, Neopan, Ilford Delta, HP5, XP2, Kodak T-Max, Tri-X, HIE, Polaroid 667, 672, Rollei Ortho o IR.

b. La óptica

Ahora bien, la fotografía puramente objetiva es una ilusión. Existen muchas otras decisiones formales. Por ejemplo la decisión sobre óptica altera decisivamente el aspecto de la imagen pues no es lo mismo utilizar un súper gran angular, un objetivo normal de 50mmo un telefoto. Por otra parte la calidad de las lentes que componen un objetivo también otorgan una cualidad de nitidez particular. Y aún en un mismo objetivo los cambios en la abertura del diafragma alteran tanto la profundidad de campo como la nitidez en las diferentes partes del cuadro.

Por ejemplo un objetivo se comporta de modo distinto con un diafragma muy abierto con un número F de 1.8 que si se cierra a un valor de f/8.0 donde la nitidez general de la imagen será mucho mayor. Y toda óptica altera la imagen original. Así es que en la llamada fotografía directa las decisiones de película y objetivo generaban ciertos efectos desde el momento mismo de la toma. Ni qué decir de las posibilidades creativas en el cuarto oscuro como la explicitación del grano, los virados o las propias alteraciones como sub-exposiciones o sobre-exposiciones.

También podrían incluirse otras alteraciones como las variables de la deformación como “…las manipulaciones para reproducir con transformaciones, los trucajes en la ampliadora…”[49] así como “…la separación de tonos, llamada corrientemente «foto quemada»; y todo el repertorio de texturizaciones y tramas ampliadas.”[50] De forma más extrema en la fotografía tradicional también podían realizarse, de forma más extrema, “…variaciones que permiten modificar el color como las solarizaciones, la cartelización, el uso de la película infrarroja, el sistema de equidensidades…”[51] por mencionar solo algunas.

c. Los errores tonales de Dios

Además de todo lo anterior, habría que recordar que “Desde siempre los grandes fotógrafos se sirvieron de una técnica para contrastar y dar énfasis en diferentes partes de la imagen en el momento del positivado a papel en B/N, una técnica que entrañaba una cierta dificultad y requería de mucha pericia para conseguir unos buenos resultados… […]”[52]

No olvidemos que “…en analógico se servían de reservas en el positivado para aclarar zonas y de quemados para oscurecer otras zonas.”[53]   “«Reserva» es básicamente aclarar una zona de la imagen que está oscura y «Quemado», sería lo contrario, oscurecer una parte que está clara. El por qué de estas palabras son por lo que se hacía en el positivado de B/N a papel que era «quemar» mas las zonas claras y «reservar» de la luz las zonas oscuras.”[54]

Estas alteraciones estilísticas eran tan importantes dentro de la visión personal del fotógrafo que Ansel Adams, cofundador del movimiento modernista f/64, decía con picardía que “Las reservas y quemados son pasos para hacerse cargo de los errores que Dios hace al establecer relaciones tonales.”[55]

b. ¿Es posible una fotografía realmente directa?

Cuando se adopta actualmente una actitud purista de “no querer tocar la foto” podría caerse en la trampa ingenua de creer que la única fotografía honesta es la que se obtiene tal cual sale de la cámara.

En fotografía digital esto es particularmente falso porque la cámara es un conjunto de hardware (el aparato mismo, sensor, óptica) y de software programado en el llamado firmware del dispositivo. En el proceso digital, la información cruda obtenida por el sensor se obtiene como grados de gris que deben ser convertidos a color a través del mosaico de Bayer (Bayer Array). [56] Cada firmware interpreta el color de una manera distinta. Canon tiende a saturar los colores que, por ejemplo, Nikon.[57] Esta es una decisión realizada por los ingenieros que realizan el programa de la cámara.

Cuando se observa una fotografía digital en la cámara se está contemplando una interpretación de las decisiones del fotógrafo como encuadre, elección de longitud focal y abertura de diafragma, valor de exposición, tiempo de obturación o sensibilidad ISO. Pero el resultado también está incluida la decisión de los ingenieros que programaron parámetros como la nitidez de la imagen o la saturación de colores. Incluso si se captura la fotografía en un archivo RAW (crudo, tal como sale del sensor)[58] al abrirlo en algún otro programa como Lightroom se puede optar por varios modos de interpretación.

Vilém Flusser en su paradigmática obra Hacia una filosofía de la fotografía refiere que cuando se compra una cámara “Lo que uno paga […] no es tanto el material físico con que está hecha, sino el programa que le permite producir fotografías…”[59]

Aunque esta aseveración se comprende perfectamente en la fotografía digital, era igualmente válida en la fotografía analógica. La cámara de película también era un aparato con un programa que podía hacer ciertas cosas. Por ejemplo, una cámara de formato medio Rolleiflex estaba programada para utilizar un negativo grande pero, de manera aun más importante, para que se pudieran realizar fotografías cuadradas, no rectangulares, en una proporción de 1:1 (la misma de Instagram, tema del que hablaremos más adelante). Asimismo una cámara panorámica[60] como las Linhof obligan al fotógrafo a tomar decisiones dentro de un marco restringido (un programa) en el que la imagen será mucho más ancha de lo normal.

Con los filtros de las múltiples apps podría creerse que estamos a merced de sus programadores que están forzándonos a usar sus filtros. Por un lado habría que decir que estos filtros realmente son programas dentro de un programa, es decir, son condicionamientos dentro de un meta-programa más grande. Pero ¿Acaso el que Canon exalte más los colores no obedece a una estrategia de marketing porque la sociedad busca colores más saturados? Y a la vez ¿No responde esto a una necesidad visual de la glorificación de los colores, producto del meta-programa postmodernista del Pop Art? ¿Quién programa a quién, entonces? La percepción de color es, entonces, una programación social cultural.

Ahora bien, también es menester aclarar que Instagram no solamente ofrece la opción de no agregar ningún filtro y dejar la fotografía en su estado original. De hecho Sabel Harris en su artículo 8 Surprising New Instagram Statistics to Get the Most out of the Picture Social Network[61] demuestra que la mayoría de las fotos que se suben comparten en Instagram no incluyen ningún filtro.

Vale la pena resaltar que después del filtro Mayfair el más utilizado es el tratamiento monocromático Inkwell que convierte a la imagen en blanco y negro y genera una fotografía con muy poco contraste.

6. ¿Qué se agrega con un filtro?

Ahora que queda aclarado que los famosos filtros no son ninguna novedad, vale la pena indagar sobre qué agregan realmente.

a. Iconicidad fotográfica

Es muy importante recordar que una fotografía es una realidad muy compleja que implica numerosos elementos de valoración como los históricos, sociológicos, emotivos, psicológicos, fotográficos o semióticos. Recordemos que como establecen Gale, Corinna y Ramírez “…lo que es importante no es una simple representación o lo que la imagen dice, sino el contenido estético y conceptual que le da su significado.”[62]

De todos los valores el que es afectado en primer lugar por los filtros es la iconicidad.

Hay que recordar que la iconicidad es la mayor o menor semejanza al modelo representado. Entre más se parezca la fotografía al referente, más mimética y mayor es el grado de iconicidad.[63] Cada vez que se altera la imagen con colores diferentes a los originales, texturas, etc., la fotografía se vuelve menos icónica, es decir, más alejada del modelo real del cual hace la representación.

“La iconicidad es una cualidad intrínseca de toda representación visual, de toda figuración. Lo icónico se establece por grados, como hemos dicho, según la mayor o menor similitud preceptiva –o lógica- y la mayor disimilitud entre la imagen, su modelo y el esquema mental que tenemos de él. Por tanto, la iconicidad es un valor relativo, que está, en mayor o menor grado, en toda clase de mensajes visuales.” [64]

En la fotografía puede existir una actitud reproductiva, otra imitativa pero la que ofrece el agregar un filtroimplica una actitud creativa[65] que podemos entender como una intención de alejarse de lo reproductivo para tratar de crear algo. Ahora bien, existe una posibilidad aún más consciente que es la actitud experimental que también es creativa pero como explica Costa “Es una forma elaborada y no espontánea de la creatividad que se orienta en el sentido de la explotación de los recursos técnicos.” [66]

Al realizar una fotografía se pueden adoptar diferentes enfoques que se detallan en la tabla que presentamos a continuación:

Tabla 2.[67]

En la intención fotográfica también vale la pena tener en cuenta las posibles intenciones de dramatización, poetización, etc., tal como se contemplan a continuación:

Tabla 3.[68] 

Sobre este apartado interesa recordar que la intención fotográfica de la dramatización o el escándalo visual puede apoyarse en los filtros, pero que la retórica visual y sus intenciones dependen, fundamentalmente, de la actitud e intención del fotógrafo. Si se captura una imagen donde se desea que unos pájaros signifiquen el concepto “libertad” eso es algo que depende más de la simbolización, lo que el fotógrafo ve, que de un filtro.

En fotografía la actitud realista busca aproximarse a la realidad, sin embargo cuando se usan filtros se está apelando a una postura más formalista, definida por Terence Wright como “Cualquier escuela o doctrina que da importancia a cualquier interés en, o preocupación por, la forma o formas o elementos formales”[69] Este mismo autor también explica que en fotografía se puede dar un enfoque expresivo, es decir, “Una cualidad del énfasis o la distorsión expresiva…”[70] “…el expresionismo fotográfico no tiene tanto que ver con ofrecer una representación realista o con producir una fotografía formal e interesante, sino con que el fotógrafo exprese su propio punto de vista. Puede tratarse de la expresión inimitable del propio yo del artista –el mundo subjetivo-; o la expresión de la situación , social, cultural e histórica del artista. De este modo, la expresión puede tener una naturaleza extremadamente personal….”[71]

Así es que cuando se agregan filtros en Instagram se adopta una actitud formalista y, depende de la intención del fotógrafo si decide convertir esta app en un instrumento expresivo.

b. Lo que se agrega: color y textura

Aunque en Hipstamatic o Instagram no existen cromatismos fantasiosos, es decir colores arbitrarios que no estaban presentes en la imagen original, la mayor parte de las alteraciones que realiza la app se centran en el color. En el caso de Instagram tiende al realismo, con una exaltación y saturación moderada y en realidad no se hace uso del color esquemático, la alteración más grande que se puede realizar. Por supuesto que filtros como Inkwell y Willow permiten la ausencia total de color para generar imágenes monocromáticas.

Tabla 4.[72] 

c. Texturizaciones

Instagram per se no agrega texturizaciones como grano, excepción hecha del filtro Mayfair. Sin embargo hay que recordar que debido al diminuto tamaño de los sensores en los dispositivos móviles, ante la menor falta de luz la aparición del ruido digital[73] (interferencia en la imagen) es automático. La pregunta es: Al combinarse el filtro de Instagram y el ruido digital ¿Cómo se altera la fotografía?

El grano es una característica formal exclusiva del medio fotográfico. La granulosidad se ha ligado histórica y emocionalmente a la fotografía documental que requería congelar el movimiento en condiciones de luz poco favorables. Los ingredientes responsables del grano fotográfico son el tipo de película, el modo de revelar y el tamaño de la ampliación.

 

Tabla 5. [74] 

Durante largo tiempo el grano se consideró como un problema derivado del uso de películas muy sensibles.[75]  Sin embargo también es una cualidad subjetiva. Michael Freeman explica que “…si se considera el grano una interferencia en la imagen como si se cree que es algo añadido, es una cuestión de opinión…”[76],  aunque este autor indica que “Desde un enfoque purista, el grano debería ser evitado porque cubre la imagen y rompe los detalles más pequeños. Si lo ideal es una imagen perfectamente resuelta, de tonos suaves, el grano es un elemento extraño”[77] Sin embargo resulta paradójico que la granulosidad es, a veces, buscada activamente en la fotografía digital. Incluso el grano se “… convirtió en parte de nuestro idioma visual.”[78]

Ahora bien, es importante distinguir la granulosidad propia de la fotografía analógica que la interferencia visual característica de la captura digital. El grano analógico es de una cualidad orgánica, mientras que el  ruido digital propio del uso de sensibilidades ISO altas no logra el mismo cometido y de hecho arruina la fotografía sin agregar una capa estética o expresiva. Una analogía práctica es pensar que el grano es como agua atomizada en un aerosol y el ruido digital sería como recibir micro-cubos de hielo en el mismo aerosol.

Mike Crawford plantea que “Usado cuidadosamente, el grano puede proveer una textura evocadora, ya sea creando una atmósfera nostálgica o enfatizando la composición de manera gráfica y sólida.”[79] Las imágenes granulosas formaron parte de una estética distintiva en la fotografía callejera de la década de 1960 debido al uso de películas blanco y negro de alta sensibilidad.[80] Uno de los precursores en el uso estético y expresivo del grano fue el suizo Robert Frank quien fue duramente criticado en su momento debido a la granulosidad de algunas de sus fotografías publicadas en su obra Les Américains, considerado hoy el libro de fotografía documental más importante de la segunda mitad del siglo XX.

Estadounidenses como Garry Winogrand o William Klein continuaron las exploraciones de Frank y el ruido dejó de ser un mal necesario para convertirse en una posibilidad más de los ingredientes formales para disponibles para el fotógrafo.  Las posibilidades expresionistas del grano fueron llevadas al extremo por autores como Daidō Moriyama.[81] En este caso el nivel de iconicidad disminuye tanto por el uso del blanco y negro como por la granulosidad extrema ofreciendo una imagen de características gráficas más orientadas a la ilustración que a la fotografía.

Tampoco hay que descartar que el grano ofrece una cierta cualidad impresionista derivada del puntillismo de Seurat. Es importante recordar que el grano siempre se ha ligado estéticamente más a la fotografía en blanco y negro que al color.

El grano fotográfico, visto como un defecto de la fotografía analógica hoy se ha convertido en una posibilidad estética, expresiva e incluso nostálgica para retornar al estilo documental de la década de 1960. El empleo de diferentes posibilidades de software ofrece al fotógrafo de la era digital con la posibilidad de dotar sus imágenes con una capa adicional de significados mediante este recurso visual.

Podría ser que el ruido que producen los celulares actuales combinado con el uso de filtros en Instagram podría ser un factor de texturización que convertiría en redundante agregar grano.

En este enlace ofrecemos un artículo detallado sobre el grano fotográfico para quienes tengan particular interés por este tema.

7. ¿El filtro convierte en fotógrafo al neófito? Filtros vs. La Fricción Cognitiva

Como pudimos apreciar, una parte importante de la crítica en las aplicaciones que agregan filtros tiene que ver con la suplantación de un talento fotográfico real por otro artificioso, por no decir artificial. A pesar de lo dicho anteriormente sí habría que precisar que los filtros únicamente alteran la capa icónica en la fotografía y a pesar de que es la más aparente, no es la única ni tampoco la más importante en este medio.

Una de las razones por las cuales hacer fotos con filtros lucen tan bien es porque estos efectos mejoran el aspecto. Efectivamente, un objeto banal puede convertirse a través de los filtros en un sujeto más atractivo, aunque no necesariamente más interesante, y esta distinción es importante.

Pieter Wisse declara: “Creo que hoy en día una fotografía bonita se hace fácilmente. La tecnología […] permite hacer impresiones asombrosas. Ahora bien, eso no convierte a alguien en un buen fotógrafo. […] Hoy existen demasiadas fotografías que apenas rozan la superficie. Por ejemplo, si vamos a hacer fotos de la Ciudad de México y nos concentramos únicamente en lo que se observa,  es una mera epidermis de la Ciudad de México, pero no una representación real de lo que, en esencia, profundamente es.”[82]

Ciertamente, Instagram puede ofrecer una ilusión, la de creer que una fotografía vale únicamente por su aspecto, lo cual es falso.

Juan José Reyes habla de la importancia de la fricción cognitiva en la fotografía, quien aduce que respecto de las emociones del observador, en cuanto mayor es la fricción cognitiva más difícil es de comprender y aceptar la fotografía de calle, pero más perdurable y su huella emocional más profunda. “Si una imagen tiene una alta fricción cognitiva significa que no puede ser comprendida solamente al ser vista. La mente ha de trabajar para comprenderla y la emoción cambiará dependiendo de los diferentes factores internos, que siempre cambian.”^[83]

Una imagen puede ser interesante, pero si no hay fricción, si no problematiza, acaba quedándose en una capa icónica y es fácilmente dada por hecho y olvidada por el observador.

Pieter Wisse agrega que “Cuando hay fricción en una serie es cuando se convierte en algo realmente profundo e interesante, con mucho más valor que una mera secuencia de imágenes bellas.” [84]

La fricción cognitiva no depende de un programa, una cámara o una app, sino de las propias motivaciones, conflictos y manera de problematizar y cuestionar el mundo del fotógrafo.

Aunque ya hemos expuesto que no tiene nada de malo (ni de extraño, ni de novedoso) agregar filtros a la fotografía, también es preciso advertir que, como ya vimos sobre la fricción cognitiva, no todo depende de la iconicidad, es decir, que un buen fotógrafo no es única ni necesariamente quien puede hacer una foto bonita. De modo que, efectivamente, sí existe un peligro real al pensar que se es mejor fotógrafo de las verdaderas posibilidades de quien tiene una cámara (aun en un smartphone o una tablet).

8. La tiranía del cuadrado

Ahora bien, sí habría que advertir al neófito que programas como Instagram o Hipstamatic incluyen en su programa una decisión compleja e importante: el permitir únicamente el formato cuadrado con proporción 1:1.

Desde tiempos helénicos el formato rectangular ha estado ligado a la proporción áurea, que ofrece una armonía y belleza sin igual. Desde el Partenón hasta las pinturas de Piet Mondrian o el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, todas estas expresiones comparten al rectángulo y los puntos áureos como constante. El rectángulo ofrece la posibilidad de crear una armonía interesante y poco predecible.

Las cámaras de formato medio como las Rolleiflex tenían un formato de negativo 1:1 y se encuadraba viendo desde arriba:

Sin embargo en Instagram el formato no es rectangular, sino cuadrado. Kevin Systrom expone: “¿En qué momento se adoptó el formato cuadrado para Instagram? Desde el primer día. Decidimos que si queríamos hacer fotografías tendrían que ser distintas y sobresalir. Las fotografías de formato cuadrado se mostraban en la aplicación realmente bien y, francamente este ratio lucía mucho mejor. No es mucho más complejo que eso.”[85]

Sin embargo, como explica Michael Freeman, “En general, es el formato más complicado de trabajar. La mayoría de las estrategias de diseño para un formato cuadrado están dirigidas a escapar de la tiranía de su equilibrio perfecto. Deberíamos meditar con más detenimiento por qué la mayoría de los sujetos no se adapta bien a una organización cuadrada. En parte, esto está relacionado con el eje del sujeto. Pocas formas son tan compactas que carezcan de alienación. La mayoría de los objetos son más largos en una dirección que en otra, y es natural alinear el eje principal de una imagen con los lados más largos de un marco rectangular. De ahí que la mayor parte de las escenas de paisaje se compongan como fotografías horizontales, y la mayoría de las figuras alzadas como verticales.

El cuadrado, sin embargo, está equilibrado. Sus lados tienen una proporción 1:1, y su influencia es una división del espacio muy precisa y estable. Aquí reside la segunda razón del porqué resultan incómodas las proporciones de un cuadrado: imponen una rigidez formal en la imagen. Es difícil escapar a la sensación de geometría cuando se trabaja en un marco cuadrado, pues la simetría de los lados y las esquinas conduce la vista en todo momento hacia el centro.”[86]

Encuadrar (framing) es el primer acto fotográfico, implica delimitar, excluir. El formato fotográfico es, en tal sentido, fundamental. Instagram al ofrecer un formato 1:1 pone en manos del neófito un formato de encuadre que pone a prueba incluso a los fotógrafos más experimentados.

9. Los filtros y una nueva percepción de la cotidianidad

Dieter Bohn, editor de The Verge le contesta a Chris Ziegler, a quien citamos al principio de este capítulo, quien argumentaba que usar filtros no le convertía a uno en artista:

“Bueno si, sí lo soy. Y así es todo aquel que toma una foto de incluso el peor con cámara. Elegir el tiro, evitar un momento fugaz por capturar otro moviendo un pie a la izquierda para que pueda obtener la luz adecuada: todas son decisiones artísticas. Todo fotógrafo es un artista y toda fotografía es arte. Punto. Todo fotógrafo está interpretando y agregando su propio punto de vista a lo que captura. El contar con herramientas como Instagram significa que estamos democratizando la habilidad de la persona promedio para generar más de una interpretación. Argüir lo contrario es preconizar el elitismo…”[87] Este escritor profundiza “Al final del día ¿Cuál es el propósito de Instagram? Ciertamente no es crear un «archivo histórico» o registrar «la realidad del modo más preciso posible» – aun si tal cosa fuera posible (que no lo es). Nadie usa Instagram de ese modo. En cambio, es una manera de compartir las imágenes con tus amigos y lograr que esas imágenes sean más interesantes, convincentes e incluso artísticas. […] El realismo fue un estilo de hace años y aún entonces era solamente eso, un estilo.”[88]

Por su parte Clive Thompson de Wired argumenta que las nuevas apps y la cámara en el dispositivo móvil están logrando que la gente ponga más atención a su entorno: “Los fotógrafos causales rara vez desarrollaban un ojo fotográfico, porque simplemente querían apuntar y disparar. Lo que está logrando Instagram … es ofrecer a los novatos un medio para poder desarrollar una «alfabetización» visual más profunda.”[89] Lisa Bettany, co-diseñadora de la app Camera+ dice que recibe cartas de personas diciendo que los filtros les han animado a hacer fotos más en serio y a ser más atrevidos: «estás en un restaurante y ves a la gente en cuclillas observando y diciendo ‘tengo que conseguir el ángulo correcto.»”[90]

Damon Winter, fotógrafo ganador del tercer lugar del atesorado premio Pictures of The Year International (PIYO) esclarece: “No somos fotocopiadoras ambulantes. Somos narradores de historias. Observamos, escogemos momentos, encuadramos pequeñas rebanadas de nuestro mundo en nuestros visores, incluso decidimos cuánta luz iluminará a nuestros sujetos, y sí, escogemos el equipo que usaremos. Con todas estas decisiones moldeamos la manera en cómo contamos una historia.”[91] De modo que no todo está en el filtro.

10. Nada es verdad ni es mentira, todo depende del filtro a través del que se mira

Tras todo lo anterior podemos responder a las preguntas inicialmente formuladas (como diría Santo Tomás de Aquino “Ad primum ergo dicendum…”) que los filtros de Instagram son herramientas formalistas e incluso expresivas que replican los medios utilizados por los fotógrafos desde los orígenes mismos del medio.

El fotógrafo serio no puede desestimar a los filtros; artistas importantes de la fotografía contemporánea como Alec Soth[92] o Sally Mann[93] trabajan con estas nuevas tecnologías. Tampoco se puede adoptar una actitud purista y fundamentalista porque lo que entraña, en el fondo, podría ser en realidad desconocimiento.

Tampoco se puede tomar una actitud de adoptar los filtros simplemente porque están de moda o porque “todo el mundo los usa”. Estos efectos agregan una dimensión de significado y alteran la imagen original. El cómo desea un autor que la imagen de referencia sea interpretada es una decisión personal y, en tal sentido, los filtros son una herramienta más, no el Santo Grial ni la única opción. Si lo que se busca es evitar caer en una “receta de cocina” mediante los filtros de Instagram, existen muchas otras herramientas móviles de post-producción distintas como Snapseed, PicLabHD, Camera+, Retromatic, PhotoShop Touch o Vintage Deco. Muchas de estas posibilidades adicionales ofrecen al fotógrafo mayor control y posibilidades creativas adicionales.

Ante el debate contemporáneo de la validez de Instagram vale la pena recordar las palabras que pronunció el fotógrafo Robert Demachy en 1899: “…el artista, usando la fotografía como medio, escoge su tema, selecciona los detalles, generaliza el conjunto, como hemos hay demostrado, y así presenta su visión de la naturaleza. Esto no es copiar ni imitar la naturaleza, sino interpretarla…”[94] “…“…si se enviasen 20 fotógrafos a un distrito de un área limitada y se les dijese que tomaran una cierta composición, el resultado serían 20 versiones diferentes. Las fotografías de calidad artística tienen individualidad.”[95]

Mutatis mutandis, podríamos dar 20 smartphones a 20 fotógrafos y crearían 20 versiones diferentes. No se trata si se usa una cámara de cajón, una Leica I, Instagram o Hipstamatic: Al final del día lo realmente importante está en cómo y para qué se utiliza una herramienta.

A manera de conclusión

Los filtros no son, en el fondo, nada nuevo; la fotografía directa es -en la era digital- una ilusión porque un software (en la cámara o fuera de ella) deberá interporlar los colores, eso depende de un programa y quien haga el programa altera la imagen. La óptica también altera, siempre, la imagen de referencia. Lo fundamental es comprender que la fotografía es un conjunto de valores donde el fotógrafo elige qué peso le dará a lo icónico, lo simbólico, etc. Los filtros y efectos son, al final del día, un recurso expresivo más. Dicho lo anterior es cierto que hoy existe un claro abuso de los filtros y que el agregar cierta información a la capa icónica no valida a la fotografía automáticamente. Una actitud armónica es apreciar y usar este recurso expresivo cuando sea pertinente, pero entender que la moderación -como casi en todo- al final arroja mejores resultados.

Para concluir, quisiéramos recordar lo que escribió Charles H. Caffin a principios del siglo XX, en 1901: “Hay dos caminos distintos en la fotografía: el utilitario y el estético, la meta del uno es un registro de hechos y la del otro una expresión de la belleza. Van paralelos y están ínter-conectados por muchos senderos.”[96] “La verdad es que en este nuevo arte tanto fotógrafos como críticos van a tientas. […] El arte está todavía en el útero del tiempo, sus posibilidades son cada día más amplias y más apreciadas; siendo la fotografía un arte nuevo, uno aprende que las viejas normas y puntos de vista no se le pueden aplicar necesariamente, y nos damos cuenta cada vez más que hace falta tener una mentalidad abierta.”[97]

 

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* Dr. Óscar Colorado Nates
(Ciudad de México, 1969)

Académico, crítico, analista y promotor de la fotografía.

Doctor «cum laude» en Ciencias de la Documentación por la Universidad Complutense de Madrid y Máster en Narrativa y Producción Digital por la Universidad Panamericana (Cd. de México) donde es Investigador de Tiempo Completo y Profesor Titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada así como Docente de Posgrado en Nuevas Narrativas.  
Autor de libros como Fotografía 3.0; El Mejor Fotógrafo del Mundo; Fotografía de Documentalismo Social; Instagram, el ojo del mundo; Fotografía Artística Contemporánea y Pensamientos Decisivos: 650 reflexiones fotográficas.
Comunicador transmedia, es director y conductor del programa de radio Imagen Líquida y creador de productos audiovisuales de divulgación como FotoPop y reflexión como El Mundo de la Fotografía.
Fundador del Observatorio de Cultura Fotográfica. Miembro del Seminario de Imagen y Cultura, la Asociación Mexicana de Estudios en Estética (AMEST), el Seminario Permanente de Análisis y Crítica Cinematográfica (SEPANCINE) y de The Photographic Historical Society (Rochester, NY), entre otras agrupaciones académicas. Participa en el Programa de Apoyo a Proyectos para Innovar y Mejorar la Educación (PAPIME) de la Universidad Nacional Autónoma de México.

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Las opiniones vertidas en los artículos y producciones audio-visuales son personales.
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Este artículo es una versión adaptada del capítulo 3 del libro Colorado Nates Óscar. Instagram, el ojo del mundo. Edit. Universidad Panamericana, México, 2014

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Notas

[1] Chris Ziegler. Disponible en http://www.theverge.com/users/chrisziegler Consultada el 2 de enero de 2014

[2]Verge Staff. Instagram is the best, Instagram is the Worst. Disponible en http://www.theverge.com/2012/4/9/2928975/instagram-filters-ping-counterping Consultada el 14 de diciembre de 2013

[3] Kate Bevan. The Guardian. Disponible en http://www.theguardian.com/profile/katebevan Consultada el 2 de enero de 2014

[4]Bevan Kate. Instagram is debasing real Photography. The Guardian. Publicado el 19 de julio de 2012. Disponible en http://www.theguardian.com/technology/2012/jul/19/instagram-debasing-real-photography?INTCMP=SRCH Consultada el 24 de diciembre de 2013-12-24

[5] Rebecca Greenfield. The Wire. Disponible en http://www.thewire.com/authors/rebecca-greenfield/ Consultada el 2 de enero de 2014

[6]Greenfield Rebecca. Rich Kids of Instagram Epitomize Everything Wrong with Instagram. The Wire. Publicado el 18 de julio de 2012. Disponible en http://www.thewire.com/technology/2012/07/rich-kids-instagram-epitomize-everything-wrong-instagram/54744/ Consultada el 24 de diciembre de 2013-12-24

[7]Citado por Sarinana Joshua. Instagram and Anxiety of the Photographer – Part I. PetaPixel. Publicado el 7 de octubre de 2013. Disponible en http://petapixel.com/2013/10/07/instagram-anxiety-photographer-part/ Consultado el 24 de diciembre de 2013-12-24

[8] About. Nick Stern. Disponible en http://nickstern.com/about/ Consultada el 2 de enero de 2014

[9]Stern Nick. Opinion: Why Instagram potos cheat the viewer. CNN Opinion. Publicado el 22 de febrero de 2012. Disponible en http://www.cnn.com/2012/02/22/opinion/phones-instagram-apps-stern/#comment-446399560 Consultada el 26 de diciembre de 2013

[10] Definition of: Image Filter. PCmagazine Encyclopedia. Disponible en http://www.pcmag.com/encyclopedia/term/44794/image-filter Consultada el 2 de enero de 2014

[11] Definition of: Instagram Filter. PCmagazine Encyclopedia. Disponible en http://www.pcmag.com/encyclopedia/term/64157/instagram-filter Consultada el 2 de enero de 2014

[12] FAQ. Instagram. Disponible en http://instagram.com/about/faq/ Consultada el 2 de enero de 2014

[13]Kevin Systorm. What do the different image filters on Path, Instagram, Oink, etc. Actually do? Quora. Disponible en http://www.quora.com/What-do-the-different-image-filters-on-Path-Instagram-Oink-etc-actually-do Consultada el 17 de diciembre de 2013

[14]Kiss Jemima, Op. Cit.

[15]Hamburger Ellis. Sketching Instagram: co-founder Mike Krieger reveals the photo app’s humble beginnings. Op. Cit.

[16] Al cierre de la edición de este libro la versión disponible de Instagram es la 4.2

[17] La retícula de trabajo puede revisarse en el Apéndice “A” de esta obra con los parámetros y herramientas para el análisis.

[18]Real Academia Española. Filtro. Disponible en Consultada el 26 de diciembre de 2013 http://lema.rae.es/drae/?val=filtroConsultada el 26 de diciembre de 2013

[19]Real Academia Española. Efecto. Disponible en http://lema.rae.es/drae/?val=filtroConsultada el 26 de diciembre de 2013

[20]Real Academia Española. Ardid. Disponible en http://lema.rae.es/drae/?val=filtroConsultada el 26 de diciembre de 2013

[21]Real Academia Española. Artificio. Disponible en http://lema.rae.es/drae/?val=filtroConsultada el 26 de diciembre de 2013

[22] Colorado Nates Óscar. El renacimiento del daguerrotipo. OscarEnFotos. Publicado el 18 de mayo de 2013. Disponible en http://oscarenfotos.com/2013/05/18/el_renacimiento_del_daguerrotipo/ Consultada el 2 de enero de 2014

[23] Sougez, Marie-Loup (coord.), Historia general de la fotografía. Edit. Cátedra, España, 2007, Pág. 214

[24] Newhall, Beaumont, Historia de la fotografía. Edit. Gustavo Gili, Barcelona, 2006, Pág. 83

[25] Sougez, Marie-Loup, Pérez Gallardo Helena, Diccionario de historia de la fotografía, Edit. Cátedra, Madrid, 2003, Pág. 422

[26] Sougez, Marie-Loup (coord.), Historia general de la fotografía, Edit. Cátedra, Madrid, 2007, pág. 248

[27]The Editors of Time-Life Books, The Art of Photography, Edit. Time Inc., USA, 1971, Pág. 179

[28](Traducida) Hoy Anne H., The book of photography: The history, the technique, the art, the future, Edit. National Geographic Society, Washington, 2005, Pág. 263

[29]The Editors of Time-Life Books, The Art of Photography, Edit. Time Inc., USA, 1971, Pág. 179

[30] Colorado Nates Óscar. Robert Frank y la fotografía gestual. OscarEnFotos. Publicado el 13 de mayo de 2012. Disponible en http://oscarenfotos.com/2012/05/13/robert-frank-y-la-fotografia-gestual/ Consultada el 2 de enero de 2014

[31] Photo District News, Heroes & Mentors: Stephen Shore and Gregory Crewdson, Disponible enhttp://www.pdnonline.com/features/Heroes-and-Mentors-St-3200.shtml Consultada el 9 de noviembre de 2013

[32] Crair Ben, ‘Then I Found Myself Seeing Pictures All the Time’ Stephen Shore’s Photos will make you put away your camera phone, Disponible en http://www.newrepublic.com/article/115243/stephen-shore-photography-american-surfaces-uncommon-places Consultada el 2 de enero de 2014

[33] Shore Stephen, Lección de fotografía. La naturaleza de las fotografías. Edit. Phaidon, Londres, 2009, Pág. 18

[34]Costa Joan, La fotografía creativa, Edit. Editorial Trillas, México, 2008 Pág. 62

[35] Glover Michael, Genius in color: Why William Eggleston is the world’s greatest photographer, Disponible enhttp://www.independent.co.uk/arts-entertainment/art/features/genius-in-colour-why-william-eggleston-is-the-worlds-greatest-photographer-8577202.html Consultada el 13 de octubre de 2013

[36]Costa Joan, Diseñar para los ojos, 2ª edición,Edit. Grupo Editorial Design, La paz, 2003, Pág. 71

[37]The Editors of Time-Life Books, The Art of Photography, Edit. Time Inc., USA, 1971, Pág. 149

[38] Los editores de Time-Life Books, color, Edit. Time Inc., EE.UU., 1970, Pág. 208

[39]Badger Gerry, La genialidad de la fotografía: Cómo la fotografía ha cambiado nuestras vidas, Blume, Barcelona 2009, Pág. 143

[40]The Editors of Time-Life Books, Color, Edit. Time Inc., USA, 1970, Pág. 26

[41] Booth Stanley,William Eggleston, Disponible en http://www.salon.com/1999/09/07/eggleston/ Consultada el 13 de octubre de 2013

[42] Sandberg Patrik, William Eggleston by Drew Barrymore, Disponible enhttp://patriksandberg.com/2011/09/23/william-eggleston-by-drew-barrymore/Consultada el 13 de octubre de 2013

[43]Hamburger Ellis. Sketching Instagram: co-founder Mike Krieger reveals the photo app’s humble beginnings.Op. Cit.

[44]Stern Nick. Opinion: Why Instagram potos cheat the viewer. CNN Opinion. Publicado el 22 de febrero de 2012. Disponible en http://www.cnn.com/2012/02/22/opinion/phones-instagram-apps-stern/#comment-446399560 Consultada el 26 de diciembre de 2013

[45]Thompson Clive. Clive Thompson on the Instagram Effect. Wired. Publicado el 27 de diciembre de 2011. Disponible en http://www.wired.com/magazine/2011/12/st_thompson_instagram/ Consultada el 28 de diciembre de 2013

[46] DxO. DxO FilmPack 4. Disponible en http://campaigns.dxo.com/filmpack/en/INT/ Consultada el 2 de enero de 2014

[47] Google Nik Collection. Silver Efex Pro. Disponible en http://www.google.com/nikcollection/products/silver-efex-pro/ Consultada el 2 de enero de 2014

[48] Alienskin. Exposure 5. Disponible en http://www.alienskin.com/exposure/ Consultada el 2 de enero de 2014

[49]Costa Joan, Fotografía entre sumisión y subversión, Edit. Trillas, México, 1991, Pág. 116

[50]Costa Joan, Fotografía entre sumisión y subversión, Op. Cit., Pág. 117

[51]Costa Joan, Fotografía entre sumisión y subversión, Op. Cit., Pág. 118

[52] Lorente José. Reservas y Quemados. Lurent Blog. Publicado el 4 de marzo de 2009. Disponible en http://lurent.blogspot.mx/2009/03/reservas-y-quemados.html Consultada el 25 de diciembre de 2013

[53] Martínez Luis. PROCESADO DE RETRATOS EN PHOTOSHOP. 5ª PARTE. Dodge and Burn. Mi Enfoque Personal. Publicado el 12 de marzo de 2013. Disponible en http://www.mienfoquepersonal.com/procesado-de-retratos-photoshop-5a-parte-dodge-and-burn/ Consultada el 25 de diciembre de 2013

[54]Lorente José. Op. Cit.

[55]O’Donnel Christopher. An Introduction to Dodging and Burning in Photography.Light Stalking. Publicado el 26 de octubre de 2010. Disponible en http://www.lightstalking.com/dodging-burning Consultada el 25 de diciembre de 2013

[56] Digital camera sensors. Cambridge in Colour. Disponible en http://www.cambridgeincolour.com/tutorials/camera-sensors.htm Consultada el 2 de enero de 2014

[57] Do differences in color saturation across Nikon and Canon pictures matter? StackExchange. Publicado el 25 de enero de 2012. Disponible en http://photo.stackexchange.com/questions/19580/do-differences-in-color-saturation-across-nikon-and-canon-pictures-matter Consultada el 2 de enero de 2014

[58] El archivo RAW “Es un tipo de formato que graba la información fotográfica completa y sin procesar tal como la capta el sensor de la cámara digital. El archivo requiere ser procesado con un software especializado.” Colorado Nates Óscar. RAW, formato. Diccionario fotográfico del profesor Colorado. Disponible en http://diccionariofotografico.wikispaces.com/RAW%2C+formato Consultada el 2 de enero de 2014

[59] (La negrita es nuestra) Flusser Vilém, Hacia una filosofía de la fotografía,Ed. Trillas, México, 2010, Pág. 35

[60] Cámaras panorámicas. Fotonostra. Disponible en http://www.fotonostra.com/fotografia/camaraspanoramicas.htm Consultada el 2 de enero de 2014

[61] Harris Sabel. 8 Surprising New Instagram Statistics to Get the Most out of the Picture Social Network. Buffer. Publicado el 15 de octubre de 2013. Disponible en http://blog.bufferapp.com/instagram-stats-instagram-tips Consultada el 2 de enero de 2014

[62]Lynn Glynn Gale, Rodrigo Enríquez Corinna, Rosales Ramírez Arturo. Fotografía Desarrollo y Reflexiones, Edit. UNAM, México, 2010, Pág. 60

[63]Costa Joan, La fotografía creativa, Edit. Editorial Trillas, México, 2008, Pág. 71

[64]Costa Joan, La fotografía creativa, Óp. Cit., Pág. 128

[65]Ibídem

[66]Costa Joan, La fotografía creativa, Op. Cit., Pág. 128

[67] Costa Joan, La fotografía creativa, Op. Cit., Pág. 144

[68]Costa Joan, La fotografía creativa, Op. Cit., Pág. 145

[69]Wright Terence, Manual de fotografía, Edit. Akal, Madrid, 2001, Pág. 47

[70]Ibídem

[71]Wright Terence, Op. Cit., Pág. 53

[72]Costa Joan, La fotografía creativa, Op. Cit., Pág. 145

[73] “El ruido digital es una interferencia en la imagen provocada por píxeles agregados durante el momento de la toma debido a una amplificación de la señal.” Colorado Nates Óscar. Ruido digital. Diccionario fotográfico del Profr. Colorado. Disponible en http://diccionariofotografico.wikispaces.com/P%C3%A1gina+de+Inicio Consultada el 2 de enero de 2014

[74]Costa Joan, La fotografía creativa, Op. Cit., Pág. 145

[75] Time Life Books (Editors of), Light and Film,  Edit. Time Life Books, Nueva York, 1970, pág. 128

[76] Freeman, Michael, Cómo hacer y revelar fotografías en blanco y negro, Edit. Blume, Barcelona, 2003, pág. 28

[77] Freeman, Michael, Cómo hacer y revelar fotografías en blanco y negro, Op. Cit., pág. 31

[78] Hawkins, Marcus (Editor), Black & White Handbook, Abril 2008, Edit. Future Publishing, 2007, pág. 30

[79] Crawford, Michael, The essential Black & White Manual for Photographers, Edit. Rotovision, Reino Unido, 2007, pág. 110

[80] Davis, Harold, Creative Black &  White: Digital Photography Tips & Techniques, Edit. Wiley, Indianápolis, 2010, pág. 218

[81] Colorado Nates Óscar. Daido Moriyama, fotógrafo callejero. OscarEnFotos. Publicado el 24 de agosto de 2013. Disponible en http://oscarenfotos.com/2013/08/24/daido-moriyama-fotografo-callejero/ Consultada el 2 de enero de 2014

[82] Colorado Nates Óscar. Entrevista con Pieter Wisse: Cómo ser un fotógrafo relevante en el siglo XXI. OscarEnFotos. Publicado el 3 de noviembre de 2013. Disponible en http://oscarenfotos.com/2013/11/03/entrevista-con-pieter-wisse/ Consultada el 2 de diciembre de 2014

[83] Reyes Juan José, The Five Levels Of Street Photography, Disponible en http://juanjosereyes.wordpress.com/2013/01/20/the-five-levels-of-street-photography/ Consultada el 26 de noviembre de 2013

[84] Colorado Nates Óscar. Entrevista con Pieter Wisse: Cómo ser un fotógrafo relevante en el siglo XXI. Op. Cit.

[85]Systrom Kevin. At what point in Instagram’s product development did square photos become the standard? Quora.Disponible en http://www.quora.com/Instagram/At-what-point-in-Instagrams-product-development-did-square-photos-become-the-standard Consultada el 17 de diciembre de 2013

[86]Freeman Michael, El ojo del fotógrafo, edit. Blume, Barcelona, 2008, Pág. 16

[87]Verge Staff. Op. Cit.

[88] Ibídem

[89]Thompson Clive, Op Cit.

[90]Ibídem

[91] Winter Damon. Through My Eye, Not Hipstamatic’s. The New York Times. Publicado el 11 de febrero de 2011. Disponible en http://lens.blogs.nytimes.com/2011/02/11/through-my-eye-not-hipstamatics/

[92]Mahoney John. Instagram Watch: Welcome, Alec Soth. One of the bigger names in American fine art Photography goes mobile.Disponible en http://www.americanphotomag.com/article/2013/07/instagram-watch-welcome-alec-soth Consultada el 15 de diciembre de 2013

[93]Mahoney John. Sally Mann in the Age of Instagram. A look at the celebrated American photographer’s latest Work Upon Reflection, a series of self portraits, currently on view in New York. Disponible en http://www.americanphotomag.com/photo-gallery/2012/10/wall-sally-manns-self-portraits-new-york Consultada el 15 de diciembre de 2013

[94]Fontcuberta Joan (Ed.), Estética fotográfica, Ed. Gustavo Gili, Barcelona, 2003, Pág. 77

[95]Ibídem

[96]Fontcuberta Joan (Ed.), Estética fotográfica, Op. Cit., Pág. 92

[97]Fontcuberta Joan (Ed.), Estética fotográfica, Op. Cit., Pág. 104