Por Óscar Colorado Nates*
En este blog hemos dado una panorámica de la fotografía de documentalismo social desde sus antecedentes remotos pasando por las expresiones de la fotografía humanista, el nuevo documento social, el intimismo e incluso el panorama del documentalismo a través de Internet.
Es el momento de revisar el trabajo de cinco fotógrafos recientes que pueden ser una muestra interesante sobre cómo en el documentalismo reciente conviven talentos emergentes con figuras consagradas.
Para nuestro análisis escogimos el trabajo de Mark Leong, fotógrafo que ha trascendido por sus diferentes trabajos en Asia publicados en National Geographic, Suvri Kanti Das (Bangladesh) quien recién ha terminado sus estudios de fotografía y difunde su trabajo mediante iniciativas como Demotix. Por su parte Ruddy Roye muestra que en el documentalismo contemporáneo Instagram puede jugar una papel que parecía imposible en el marco del documentalismo clásico, Susan Kessler comparte sus preocupaciones sobre la fragilidad de la estabilidad laboral. Alfredo Cáliz engalana y rubrica este trabajo al reflexionar sobre los retos en el documentalismo contemporáneo.
1. Mark Leong
Ensayo: Ulaanbaatar and the End of Nomadism 1
“Los mongoles han sido pastores nómadas desde tiempos prehistóricos, pero en la última década han ido abandonando sus rebaños para transportarse a las ciudades. Una combinación de inviernos mortales, el alza de la minería en oro y cobre está impulsando una mutación social. Desde el año 2000, la población de Ulaanbaatar ha crecido de 650.000 a más de 1 millón, llegando a la tercera parte de los 2.8 millones de habitantes en Mongolia. Este repentino cambio ha sido un problema creciente. Los nómadas urbanizados se encuentran del lado equivocado en la brecha de la riqueza; luchan por ponerse al día con la alta tecnología. El desempleo es generalizado. 22% de los hombres sufren de alcoholismo. La corrupción provoca la falta servicios urbanos básicos como carreteras pavimentadas y agua potable en los distritos. Los campamentos nómadas que una vez representaron la libertad se han convertido en barriadas contaminadas donde se relegan a los recién llegados. Sí, esta pequeña nación que una vez gobernó la mitad del mundo civilizado es relevante nuevamente, pero después de nomadismo, ¿que queda de la identidad mongola?” 2
© Mark Leong. A traditional child acrobat stands before a line of fashion models at a boy-band pop concert sponsored by the formerly Soviet-run APU vodka factory. In Ulaanbaatar, the abrupt societal shift makes for plenty of scenes of collision between the centuries-old and the brand new.
Nomad Wave women’s art collective perform part of an installation piece at the former summer residence of Bogd Khan, the last emperor of Mongolia. The linked sleeves of their garments represents unity and sisterhood, but also forms a ring of protection against the fear of the tiny Mongolia being lost in face of Chinese and Western globalization.
Like their ancestors before them, herders Janiyansuren and Chantsal have been nomads all their lives. Even though the family herds have been decimated by the dzud («winter disaster»), they will remain on the steppe while most of their children have moved to the city.
More than half of Ulaanbaatar’s 1.2 million people live in the ger districts that have formed as ex-herders have given up the nomadic life en masse to pitch their gers on the hills surrounding the city. These districts are little better than shantytowns, lacking running water or proper roads.
Horses and jockeys train for the Naadam festival races outside of Ulaanbaatar. Naadam is the annual festival celebrating the «manly games» of wrestling, archery, and horse racing.
Sobre Mark Leong
Chino-americano de quinta generación, se graduó en Artes Visuales en Harvard (1988). Regresó a China donde ha establecido su residencia. Sus fotografías han aparecido en publicaciones como Time, Fortune, The New York Times, Business Week, The new Yorker, Stern y National Geographic.3
Breve comentario a Ulaanbaatar and the End of Nomadism
En su ensayo sobre el nomadismo, Mark Leong deja ver a un fotógrafo experimentado con un claro dominio técnico y estético, un discurso claro y una narrativa precisa. Es un estilo de documentalismo que refleja las tendencias del género en los últimos veinte años, desde el tratamiento estético directo y transparente hasta el énfasis en el tema comunitario que es, al mismo tiempo, de alcance global.
Conversando con Mark Leong
“Creo que el documentalismo está mutando hacia una forma más personal de afrontar la fotografía donde es tan importante la visión artística del fotógrafo como el sujeto. Con grandiosas cámaras digitales que facilitan todo y una sobreproducción en masa donde proliferan imágenes competentes, los foto-documentalistas son compelidos a sobresalir en un campo abarrotado. El fotógrafo debe encontrar su camino, ya sea formato grande, teléfonos móviles, desenfoques, sobre-exposición, de-saturación, un fuerte post-procesado, encuadres panorámicos, un estilo más comercial, etc.”4Leong ha sido influido por clásicos como Koudelka, Frank, Friedlander, Klein o Cartier Bresson. “Tal vez mi trabajo no se parezca al suyo, pero siempre los tengo en mente todo el tiempo.”5
Sobre el activismo fotográfico dice: “Tener una agenda o un mensaje aunque es a veces necesario, puede comprometer todo el proceso. Es mejor observar con una mente abierta y alerta primero, luego conformar un juicio. Si tengo alguna forma de activismo es por accidente.”6
Mark trabaja actualmente en un proyecto etnográfico y en algo totalmente nuevo para él, referido a las neuro-ciencias.
A pesar de haber crecido en Silicon Valley, no tiene cuentas en Facebook, Instagram, Twitter o, ahora que reside en China, Weibo. “Sí, las redes sociales significan un reto para mí”7 acepta.
A pesar del flujo actual de fotógrafos utilizando dispositivos móviles como el iPhone, Leong piensa que el problema fundamental estriba en la calidad de una cámara dedicada. “Utilizo el iPhone para hacer fotos de mi familia y también uso algún filtro como Hipstamatic y Kitcamera para estas isntantánes porque es divertido y su artificalidad hace que las cosas luzcan sorprendentes y geniales. Para el trabajo docuemntal, sin embargo, no me gusta este tipo de filtro porque toman muchas decisiones creativas en lugar del fotógrafo y pueden agregar una capa nada auténtica. Cuando una cámara en un teléfono pueda tomar una imagen de 20 mega píxeles limpia y sin retraso entonces que me digan dónde firmo. Me imagino que eso ocurrirá en unos cinco años.”8
Sin embargo también cree que hay un lado positivo “Algo bueno es que han hecho a la fotografía tan ubicua que mucha gente se siente mucho más cómoda siendo fotografiada que nunca. Eso también es un problema, porque si algo impresionante se te cruza en la calle, las probabilidades serán de que tendrás que luchar, moverte y encontrar un ángulo sin alguien que está con un teléfono móvil o un iPad en tu cuadro.”9
Para Mark Leong los principales retos como fotodocumentalista son “Encontrar un ritmo. Decidir qué fotografiar después. Obtener acceso. Vivir con la fotografía que me gustar realizar.”10
A los fotógrafos jóvenes les ofrece una sugerencia:
“Es un consejo que yo mismo debería aplicar: al hacer fotos, primero encuentra tu zona de confort y luego empújate más lejos. Es impresionante cómo surgen fotos una vez que sientes que ya habías terminado el trabajo y que a veces acaban convirtiéndose en las mejores fotos.”11
2. Suvra Kanti Das 12
Ensayo: Ring 13
“Ring es una historia sobre un grupo de niños, el menor con 16 años, cuyo sueño es convertirse en boxeadores. La mayoría de ellos proceden de vidas inestable. Abandonan la escuela y, salvo el boxeo, no tienen nada que hacer. Su vida es el box. […]
Hay solamente unos pocos gimnasios de boxeo en la ciudad de Dhaka, y en Bangladesh. El Estadio Nacional Mohammad Ali de boxeo es uno de los más importantes. Estos chicos practican diariamente aquí trabajando duro para lograr sus sueños. Algunos de ellos consiguen apoyo a la familia, pero la mayoría de ellos no. Zakir y Al Amin-son dos de ellos. Un año atrás, Zakir consiguió una beca completa del instituto deportivo BKSP, pero su padre no daba la aprobación debido a los problemas financieros de la familia. Hoy en día Zakir es uno de los boxeadores menores de 16 años más importantes Bangladesh: Ganó la medalla de oro en la más reciente competición de la BKSP.” 14
Acerca de Suvra Kanti Das
Suvra Kanti Das, es un artista visual nacido en Chandpur, Bangladesh (1979). Inició su carrera fotográfica con una pequeña cámara analógica propiedad de un primo. Tras graduarse en Ciencia Computacionales se matriculó en la Pathshala- South Asian Media Academy para cursar una licenciatura en fotografía (2009-2012). Durante su período de educación participó en numerosos talleres en lugares como Folkehøyskole (Noruega) o en India en el International Reporting Workshop. 15
Actualmente colabora como fotógrafo freelance que utiliza Demotix 16 como plataforma de difusión a su trabajo foto-periodístico.
Breve comentario a Ring
Ring ofrece una estética clásica, con negros empastados à la Robert Frank, uso de una fotografía expresiva que contrasta fuertemente con otros trabajos suyos como Palowan sobre los luchadores kushti o Durga Puja sobre la inmersión en el río Burigonga. En estos dos últimos casos los temas y el exotismo resultan menos acabados que Ring. El color se vuelve un arma peligrosa en Durga Puja donde la capa de significado cromático enmascara composiciones menos cuidadas y el tema en Palowan aunque se relaciona en muchos sentidos a Ring no tiene la misma carga emotiva.
Ring es un trabajo poderoso en lo icónico y temáticamente más contundente. Suvra Kanti Das es un talento emergente que está aún en proceso de desarrollar su propia voz pero que es un reflejo de las aspiraciones serias de un fotógrafo por hacer que su discurso sea apreciado por la comunidad global.
3. Ruddy Roye
Ensayo: Hurrican Sandy-the 100 Year Storm 17
“Nueva York ha sido testigo de algunas tormentas, pero ninguna con el poder, y la devastación del huracán Sandy. Los neoyorquinos vieron durante días cómo la tormenta lenta, inexorablemente, se abrió camino hasta la costa este. En el comienzo, Sandy era una simple tormenta Categoría 1 con vientos de 75 millas por hora que apenas calificaba como huracán. Cuando todo terminó, más de 113 personas murieron, 23 de ellos en Staten Island. La totalidad de la costa oriental de Staten Island fue severamente dañada, pero Midland Beach fue menos afectada. Aún no hay un recuento final, pero los daños causados por la tormenta debe llegar a las decenas de billones de dólares. Se cree que unas 40 mil personas se quedaron sin hogar antes de que terminara esa terrible noche. Para ellos y para muchos otros, la vida nunca será la misma de nuevo.”18
Sections of Union Beach that was devastated by Hurricane Sandy’s surges
It was pure joy after seeing that some of her precious family photos were not damaged
The Madonna stands resolute
Looking at what used to be her home
This resident refused to be consoled
Una característica peculiar de este ensayo de Roye es que fue realizado con Instagram. 19 Esta plataforma, ahora propiedad de Facebook, fue elegida por Kira Pollack, directora de fotografía de la revista Time para la cobertura del huracán Sandy. Pollack asignó la cobertura a los fotógrafos Michael Christopher Brown, Benjamin Lowy, Ed Kashi, Andrew Quilty y Stephen Wilkes porque “…pensamos que era la forma más rápida de cobertura [del evento], la ruta más directa”. 20
Sobre Ruddy Roye
Radcliffe Roye es un fotógrafo autodidacta con más de 10 años de experiencia que reside en Brooklin. Se especializa en retrato, fotorreportaje y fotografía editorial. 21
Lo primero que salta a la vista es el manejo estético de Ruddy Roye. El empleo de Instagram hace que este trabajo se convierta en una clara muestra del nuevo paradigma en el documentalismo y el entrecruce con la fotografía artística contemporánea. Probablemente sea un trabajo que choque a los puristas de los estilos documentales clásicos, pero es una apuesta interesante el atreverse a usar sin timidez una herramienta que por muchos profesionales sería desechada por poetizar o dramatizar una escena que, en teoría, debería registrarse de una manera más directa y transparente.
Independientemente del tratamiento estético-icónico, el trabajo de Roye es una mirada a un Estados Unidos vulnerable. Si el 11 de septiembre fue una sacudida, la furia del huracán Sandy muestra que aún el país más rico del mundo está a merced de las fuerzas naturales y que puede convertirse en un escenario de devastación peligrosamente cercano. A los estadounidenses les queda claro el mensaje de terror y desolación que transportan las fotos de Ruddy Roye con su panorama pleno en disonancias.
4. Susan Kessler
Ensayo: Darjeeling Tea Estates
“A los pies del Himalaya, en Bengala Occidental, India, se encuentra la ciudad de Darjeeling. Ha obtenido renombre mundial por su té; sus condiciones para cultivar y producirlo son perfectas: altura de 6710 pies (2050 m.) sobre el nivel del mar, clima húmedo y frío y tierra rica y generosa cantidad de lluvia. Las laderas empinadas excluyen el uso de camiones o maquinaria montada en tractores, por lo que las hojas de té son arrancadas a mano, generalmente por las mujeres. Solo la parte superior una o dos pulgadas son recogidas, estos brotes se llaman «vacíos». Después de arrancarlos, se secan inmediatamente y se tratan en una fabrica local donde suelen trabajar los hombres, amén de supervisar el campo.
Los Trabajadores del té y sus familias reciben una vivienda modesta, educación para sus hijos, subsidios monetarios y otros beneficios. Un vistazo a la vida de los trabajadores del té reveló una existencia muy simple y primitiva, pero aparentemente pacífica.”22
Sobre Susan Kessler
Susan Kessler ha vivido la mayor parte de su vida en New Jersey (Estados Unidos). Actualmente residen en Pennsylvania. Desde niña tuvo afición por la fotografía, pero durante su estancia en la Universidad afianzó su práctica. Estudió un Bachelor of Fine Artes con énfasis en diseño textil. Posteriormente realizó una maestría en arquitectura. Un evento cambió su vida cuando tras ser empleada en una gran firma de arquitectura fue despedida. Aunque contaba con recursos para vivir, el hecho le hizo reflexionar respecto de quienes viven en la pobreza. Todos esos factores la llevaron a decidir que debía hacer fotografías con un propósito trascendente. 23
Breve comentario a Darjeeling Tea Estates
El ensayo de Susan Kessler es una interesante combinación de una estética bucólica con una visión dinámica. El uso del virado sepia ya brinda ecos de esa necesidad de la fotógrafa por evocar la nostalgia a una vida más sencilla y apacible. Si a primera vista Darjeeling Tea Estates parece una mera poetización, aparecen de pronto decisiones compositivas menos predecibles, como las miradas fuera del cuadro en Youthful Joy o Contemplative moment o los encuadres holandeses en Clearing Brush III, IV y V o Plucking Tea I. La foto Day’s end tiene un conjunto de valores icónicos, fotográficos y simbólicos que la hacen una imagen interesante. La figura de espalda que habla de futuro, la textura de las rocas y el camino ascendente como símbolos de la dificultad. Es una escena rústica, orgánica. La ropa colgada y, dentro de su estabilidad, la fuerza de una zona de las sombras muy contrastada que le otorgan dinamismo, sumados al encuadre vertical y el diseño que respeta los puntos áureos
Susan es un ejemplo muy interesante de una mujer post-moderna: madre de familia, con una educación excepcional, pero que se enfrenta al rechazo y en cierta medida desamparo al ser despedida de su trabajo en la empresa de la gran ciudad. Es notable que hubiera realizado este viaje y utilizado su cámara para expresar su añoranza por la vida rural.
Kessler es una fotógrafa en un momento donde ha dejado atrás a la amateur y está en camino a madurar una visión.
5. Alfredo Cáliz
Ensayo: Women Issues and health in Malawi
«Estas fotografías fueron realizadas en Malawi en diferentes proyectos realizados por la ONG Action Aid. Todas las iniciativas que visitamos se relacionaban con temas de mujeres como educación, VIH o sexualidad. Entrevistamos mujeres trabajando en este campo de acción. El personal de trabajo social estuvo fuertemente involucrado en los problemas de las mujeres y sus comunidades.» 24
Schoolyard
Sapali Village, relief work in homes with AIDS, the patient is Maria Balalika, Ivy Matiti nurse.
Women walking around the artificial pond for breeding and fishing village M’bawa.
Women waiting in Fumbwe village.
Patriak Rita, 12 years. Read Lipongwe School. Through a scholarship program is persuaded to continue his studies after his parents died.
El fotógrafo español Alfredo Cáliz inició su carrera a los 19 años como asistente en un estudio y pronto comenzó a trabajar como freelance. Ha realizado una extendida colaboración con revistas españolas. Desde 2003 publica en El País Semanal y ha viajado al rededor del mundo. Es miembro de la Agencia PANOS. Recibió el primer lugar en el premio Notodofotofest (2007), una beca de La Caixa Fotopress 03 y la Fundación Xul Reportaje Social así como el Solidario (2009). La Fábrica publicó un PhotoBolsillo con una retrospectiva de su trabajo.25
Cáliz ha expuesto en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en el MUSAC y en distintas ubicaciones marroquíes del Instituto Cervantes. 26
«Para el propio Cáliz el punto de inflexión en su carrera fue Marruecos. Estuvo un mes de ayudante de foto fija para la película Orquesta Club Virginia, más tarde volvió invitado por un músico que conoció en el madrileño barrio de Lavapiés. Pero fue otro fotógrafo, José Manuel Navia quien acabó de convencerlo. A partir de entonces el periodismo fue apoderándose de él. El periodismo pero siempre sin abandonar el arte. Los redactores con los que ha viajado por medio mundo destacan de él que es un lector inagotable, que se documenta, que no suele tirar muchas fotos puesto que sabe mirar.» 27
José Manuel Navia dice que Alfredo Cáliz:
«es un verdadero creador de signos, un hombre lleno de preguntas que, a la vez, ha querido, por encima de todo, ser un profesional, hacer de la fotografía su modo de vida.» 28
Decía Goethe que » El niño es realista; el muchacho, idealista; el hombre, escéptico, y el viejo, místico.» Tal vez Alfredo Cáliz no gustaría ser llamado ni viejo ni místico. Lo primero es indiscutible, Alfredo es un hombre maduro pero que dista de ser viejo. Sin embargo sus imágenes pertenecen a un autor hecho, sazonado. Las palabras de Goethe nos sirven para reflexionar sobre las actitudes del ser humano en las distintas etapas de su desarrollo y Alfredo se nos muestra como un autor cuyo documentalismo es juicioso y reflexivo, casi podríamos decir meditativo y de la meditación al misticismo no hay mayor trecho.
Aunque ha recorrido el mundo, es capaz de cavilar sobre la geografía de la persona en historias como 40. A lo largo de este artículo hemos revisado el trabajo de fotógrafos jóvenes, algunos establecidos como Mark Leong y voces emergentes como las de Suvra Kanti Das o Susan Kessler. El caso de Alfredo es distinto, pues sus decisiones estéticas, discursivas e incluso narrativas nos hablan de un autor que ha coqueteado con el acierto lo suficiente para haber asentado una manera particular de afrontar la fotografía donde confluyen mirada, idiosincracias y decisiones formales. Estamos en este caso frente a un fotógrafo que a pesar de su madurez, aún tiene mucho qué decir.
Alfredo Cáliz en sus propias palabras
Nota: A continuación se respeta el formato del texto original de Alfredo:
Sobre el periodismo ciudadano en la era de las tablets
“Para un jefe de sección el ciudadano es una fuente, no profesionalizada pero muy barata, y ahora los periódicos se hacen con la calculadora en la mano. Por un lado los profesionales apelan al escaso carácter fidedigno de esta fuente, al intrusismo (aunque esta queja tiende a desaparecer ya que la sentencia «son los tiempos que corren » la anula inmediatamente) pero los jefes de las secciones gozan de un permanente flujo de imágenes e información relevante o menos pero […] a bajo precio. En esta mercancía se mezcla material de cierta calidad con mucha «casquería o carnaza». Y aquí entraríamos en otro debate que es el de que sirve o qué contribuye la emisión fabricación y circulación de ciertas imágenes? El debate es infinito y rico y viene siendo esbozado, planteado por teóricos desde los años 70 […]” 29
Sobre el color
» …hago COLOR. ME INTERESA MUCHO MÁS LA FOTOGRAFIA EN COLOR. Porque me gusta intentar acercarme en mis fotografías a cómo son las cosas (Winogrand dixit, me refiero a la famosa cita del fotógrafo que ya te conoces [30]). Pero yo participo mucho de esa afirmación que puede parecer naif y que para mi tiene una fuerte carga de verdad y de sinceridad. Fotografío para ver cómo son las cosas en fotografías, y añado para ver si de esa forma puede entender un poco mejor el mundo. ¡¡VAYA FRIVOLIDAD!! ¿Quién ha dicho que se aprende algo del mundo a costa de mirarlo? No lo sé, pero la fotografía en blanco y negro me PARECE MÁS AMANERADA. Aún siendo más abstracta me parece una abstracción más hueca, digamos, innecesaria… y luego todas esas ínfulas de los fotógrafos… las atmósferas, lo íntimo… lo poético…» 31
De cámaras, formatos y distancias
«He trabajado durante diez años con una vieja Hasselblad (tanto como 40 años), un objetivo 80mm que con fotómetro, un trípode y unos rollos de película eran mi equipaje. Y ME GUSTABA y disfrutaba de la formas de relacionarme que se me planteaba a través de fotografiar con esta herramienta. Porque cada cámara, cada aparato me refiero, hace un tipo de fotografías y a mi me gustaba ese formato medio, esa distancia, esa claridad, clasicismo casi canónico. La distancia con las cosas en fotografía es de lo más importante. Aquí introduciría unas citas que seguro conoces, la de [Robert] Capa primero si tus fotografías no son demasiado buenas…[acércate. Y si ya te acercaste ¡Acércate más!]» pero para mi esta frase (porque hizo bastante daño) ha de ir indefectiblemente unida a la de Berger: «Acercarse significa olvidar la convención, la fama, la razón, las jerarquías y el propio yo. También significa arriesgarse a la incoherencia, a la locura incluso. »” 32
Recomenzar
«AHORA por las necesidades del mercado, la escasez de presupuestos he sido empujado a trabajar de nuevo con 35mm, ahora en digital y tengo que reconocer que me ha costado encontrar mi voz, digámoslo así, hasta que puse un 50mm en la Nikon. Lo difícil es compaginar este lenguaje con lo que buscan los medios en los encargos que recibo pero en eso estoy ahora. He hecho ya media docena de reportajes así y me voy encontrando a gusto. PERO NO ES FÁCIL.» 33
De la fotografía activista
«NUNCA HE SIDO ACTIVISTA de nada y de hecho siempre me ha costado formular la frase o mejor dicho no tengo certezas sobre si mis fotos pueden cambiar el mundo. NO ME CONSIDERO UN FOTOGRAFO MORALISTA. Pero tampoco quiero ser frívolo. HE VISTO DEMASIADO sufrimiento, pero para eso no he necesitado [ir] lejos. Uno el sufrimiento lo puede ver siempre en su propio barrio. ESA ES OTRA de mis contradicciones favoritas: FOTOGRAFIAR LO CERCANO Y LO LEJANO.» 34
Sobre el futuro del documentalista
«PROBABLEMENTE todo esta realidad nueva de las tablets, los teléfonos portátiles tenga dos caras o dos maneras de verla… ¡¡Como todo!! Recuerda cuando los pintores sintieron la amenaza con la llegada de los fotógrafos. HAY QUIEN LO VIVIÓ COMO AMENAZA, y hay quien lo vivió como liberación. PUES HOY EN DÍA, es lo mismo. Después de ver el documental La pesadilla de Darwin dije que la fotografía nunca podría competir con un documental a la hora de contar historias, era tan bueno, contaba todo y tan bien que no veía la forma de poder hacerlo con fotos. AHORA creo que son dos lenguajes que no se pisan, cada uno lo hace a su manera. LA FOTOGRAFIA ES OTRA COSA, por mucho que les duela a algunos reporteros. La FOTOGRAFIA nos habla desde algo más Universal, más esencial aunque estemos viendo la foto de un soldado miliciano del ejército de Siria libre reventado a tiros en un canal de la ciudad de Alepo. Por un lado está la información que esta foto nos ofrece, pero cuando una foto deja de ser información, por lo general para ser reemplazada por otra fotoinformación se queda ahí parada, como foto, y sigue diciendo cosas sobre cómo somos los seres humanos, lo que somos capaces de hacer o cómo es la arquitectura de un barrio cristiano de Alepo.» 35
A los jóvenes fotógrafos
«Animaría a los fotógrafos a no ser sólo fotógrafos y esto por SUPERVIVENCIA en el mercado MULTISKILLS los van a querer. PERO HAY QUE APOSTAR POR UN DISCURSO PERSONAL.» 36
A modo de conclusión
Con una larga tradición, el documentalismo social permanece vigente como uno de los géneros más importantes y respetados en la historia de la fotografía. Gracias a las redes sociales y a la era de la conectividad podemos ser testigos en tiempo real de la permanencia de este género que ha ido mano a mano con la historia fotográfica.
Los nuevos creadores se encuentran frente a una inusitada posibilidad para hacer llegar su mensaje a una audiencia mundial, pero también tienen el reto de lograr un trabajo de alta calidad con exigencia técnica, discursiva y conceptual.
Mellanie Light inspira con sus palabras a los fotógrafos de documentalismo social contemporáneos:
“en esta era de secularismo, los medios visuales del periodismo y la fotografía documental también pueden servir como un vehículo para encontrar nuestra humanidad, las conexiones humanas y espirituales que nos unen. Nos recuerda que a pesar del tsunami de imágenes, somos retados por cada encuentro visual para examinarnos a nosotros mismos, tocar base con nuestras intenciones y tal vez construir un mundo más inteligente y humanista.” 37
* Óscar Colorado Nates es Profesor/Investigador titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada en la Universidad Panamericana (Ciudad de México). Es autor de los libros El Mejor Fotógrafo del Mundo (2010), Fotografía de Documentalismo Social (2013) entre otros.
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